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关于艺术观念中的性相特征与语言选择的论文
论文关键词：艺术观念;人性本体;性相特征;语言选择
论文摘要：作为现代设计与绘画艺术，应以多视角的认识论与方法论来认识其艺术设计与绘画领域的各种不同“性相特征”与语言选择，从而整合各自独到的艺术观与方法论。
由于不同的“性相特征”须选择不同的“语言结构”方式，其艺术表现因形式、风格而各有不同。绘画与设计，作为两种不同形式的艺术表象，在世界各地多元文化的互相浸透与整合下，其界限趋于融汇而显得模糊不清。因此，传统意义上的绘画与设计在其发展的进程中，常常表现为被现代艺术所取代。这种现象的产生，理应归功于时代演进的人性本体精神。如果艺术都要表达个性化了的审美特性，那么不管何种门类的艺术同都属于形式各异且“个性化”了的精神产品，并同时作为客观实在的精神实体而存在。这是人性本体的审美价值取向所决定的。毫无疑问，绘画与设计均属于艺术品范畴。其作品内涵的“立意与观念”，实质即是个体精神价值取向所决定了艺术作品的灵魂。选择这些与灵魂相匹配的语言、方法与逻辑形式(包括独创)，就成了呈现画面审美价值的关键所在，无怪乎在哲学中，有其“观念形态”的名词界定之说。
一、观念与性相特征的关系
“现代艺术”除偶发性艺术、实验艺术、儿童艺术外，只要预先有实现自我精神价值取向定位的艺术作品，都不可避免地要面对如下问题：一、创造某种客观表象的价值意义何在?二、主观上能否创建某种具有独特性精神价值的表象?三、实践过程中是否能够实现超越自我，即以此来升华自我精神?正是因为被这种纯真的“内在”精神所驾御，那么，意向性的某种特定“观念”则应运而生，如若“观念”有这样一种思考前题，性相问题的特征一经创立，就成了被精神化了的艺术作品。过去，许多理论家有 “形象特征”一说，把“形象”特征称之为客观实在的外在表象，我在这里估且以“性相”取代“形象”二字，其实质是因潜藏在“人性本体”的内在精神与“感官知觉”之别。具体地说，“性相特征”则是已被内化了的精神形态(它同时也包含着抽象与具象两种类别)。从“性相特征”出发，我们能够极大地注入客观形象的精神内涵，从而强化“人文本性”的标志性特征。
“内化”了的外在形象，从心理学与生理学、物种学与形态学的角度看来，“性”有别，则 “形”各异，犹如倔犟与懦弱、男人与女人、物种之类别、方圆之形态等等差异，大干世界，万物之美，大凡可说均同属于内化之“性质”不同，因而其形态各异。由此，社会现象才显得如此千姿百态、丰富多彩。新、奇、无非在于“观念内涵”的变异。
但是，假若“性相特征”是“人文”所造的价值取向，那么，抽象与具象、写实与变形、理性与感性，就只是一个心理定向问题，可以理解为不同观念下的不同语言表象，出于个人特定的“性相”所造。因此作为 “人文”的表现，我们从过去的“自然景观”过渡到目前的“人文景观”，其实质就是一个“质”的变化，说明人性化了的多元文化与自然文化在表象上有着“人文”特征的差异。因此，确立“性相特征”的标准，实际是在一种多元文化交织中被提取且重新整合的“新人性化”表相，即个人智能与价值取向的内在精神特性。
在实践超越自我的过程中，体验着艺术的真谛，浸透在美化了的精神实体之中，看起来仿佛是“艺术品”而纯属于唯心主义的产品，但实际是由社会滋润着艺术家个体精神的成长，因而它仍是客观的(客观精神及其产品)。因此内化了的“性相”特征，仍属于社会精神的外延。
二、性相特征与艺术语言的关系
绘画与设计同作为精神“性相”的客观实体，作为与艺术相“匹配”①的绘画与设计“语言”组构方式来构建，其首要问题，即是对绘画与设计语言中(点、线、面、色彩、明、暗、形态、方法、质材、技法等诸要素)的选择与界定，从而构建其形式上新产生的“性相特征”。出于不同的人文特点(或不同性别)，对其周围事物的认知方式、价值取向，则大不相同，其表现在对同一客观现象的描述上，各自则存在有表达方式上的认知差异，一如演译与归纳、摸似与表现、比喻与象征。这些现象，究其原因，主要表现在界定某一现象之前的观念界入。由于各自所注入的文化内涵不同，认识方式各异，因而在所表现的精神价值取向上、定性上各不相同。因此，在选择与界定语汇形式上，譬如：对点、线、面某一形式的界定(定形、定色、定调)上，乃至方法与构图等，则各不相同。
论文摘要：作为现代设计与绘画艺术，应以多视角的认识论与方法论来认识其艺术设计与绘画领域的各种不同“性相特征”与语言选择，从而整合各自独到的艺术观与方法论。
由于不同的“性相特征”须选择不同的“语言结构”方式，其艺术表现因形式、风格而各有不同。绘画与设计，作为两种不同形式的艺术表象，在世界各地多元文化的互相浸透与整合下，其界限趋于融汇而显得模糊不清。因此，传统意义上的绘画与设计在其发展的进程中，常常表现为被现代艺术所取代。这种现象的产生，理应归功于时代演进的人性本体精神。如果艺术都要表达个性化了的审美特性，那么不管何种门类的艺术同都属于形式各异且“个性化”了的精神产品，并同时作为客观实在的精神实体而存在。这是人性本体的审美价值取向所决定的。毫无疑问，绘画与设计均属于艺术品范畴。其作品内涵的“立意与观念”，实质即是个体精神价值取向所决定了艺术作品的灵魂。选择这些与灵魂相匹配的语言、方法与逻辑形式(包括独创)，就成了呈现画面审美价值的关键所在，无怪乎在哲学中，有其“观念形态”的名词界定之说。
一、观念与性相特征的关系
“现代艺术”除偶发性艺术、实验艺术、儿童艺术外，只要预先有实现自我精神价值取向定位的艺术作品，都不可避免地要面对如下问题：一、创造某种客观表象的价值意义何在?二、主观上能否创建某种具有独特性精神价值的表象?三、实践过程中是否能够实现超越自我，即以此来升华自我精神?正是因为被这种纯真的“内在”精神所驾御，那么，意向性的某种特定“观念”则应运而生，如若“观念”有这样一种思考前题，性相问题的特征一经创立，就成了被精神化了的艺术作品。过去，许多理论家有“形象特征”一说，把“形象”特征称之为客观实在的外在表象，我在这里估且以“性相”取代“形象”二字，其实质是因潜藏在“人性本体”的内在精神与“感官知觉”之别。具体地说，“性相特征”则是已被内化了的精神形态(它同时也包含着抽象与具象两种类别)。从“性相特征”出发，我们能够极大地注入客观形象的精神内涵，从而强化“人文本性”的标志性特征。
“内化”了的外在形象，从心理学与生理学、物种学与形态学的角度看来，“性”有别，则“形”各异，犹如倔犟与懦弱、男人与女人、物种之类别、方圆之形态等等差异，大干世界，万物之美，大凡可说均同属于内化之“性质”不同，因而其形态各异。由此，社会现象才显得如此千姿百态、丰富多彩。新、奇、无非在于“观念内涵”的变异。
但是，假若“性相特征”是“人文”所造的价值取向，那么，抽象与具象、写实与变形、理性与感性，就只是一个心理定向问题，可以理解为不同观念下的不同语言表象，出于个人特定的“性相”所造。因此作为“人文”的表现，我们从过去的“自然景观”过渡到目前的“人文景观”，其实质就是一个“质”的`变化，说明人性化了的多元文化与自然文化在表象上有着“人文”特征的差异。因此，确立“性相特征”的标准，实际是在一种多元文化交织中被提取且重新整合的“新人性化”表相，即个人智能与价值取向的内在精神特性。
在实践超越自我的过程中，体验着艺术的真谛，浸透在美化了的精神实体之中，看起来仿佛是“艺术品”而纯属于唯心主义的产品，但实际是由社会滋润着艺术家个体精神的成长，因而它仍是客观的(客观精神及其产品)。因此内化了的“性相”特征，仍属于社会精神的外延。
二、性相特征与艺术语言的关系
绘画与设计同作为精神“性相”的客观实体，作为与艺术相“匹配”①的绘画与设计“语言”组构方式来构建，其首要问题，即是对绘画与设计语言中(点、线、面、色彩、明、暗、形态、方法、质材、技法等诸要素)的选择与界定，从而构建其形式上新产生的“性相特征”。出于不同的人文特点(或不同性别)，对其周围事物的认知方式、价值取向，则大不相同，其表现在对同一客观现象的描述上，各自则存在有表达方式上的认知差异，一如演译与归纳、摸似与表现、比喻与象征。这些现象，究其原因，主要表现在界定某一现象之前的观念界入。由于各自所注入的文化内涵不同，认识方式各异，因而在所表现的精神价值取向上、定性上各不相同。因此，在选择与界定语汇形式上，譬如：对点、线、面某一形式的界定(定形、定色、定调)上，乃至方法与构图等，则各不相同。
壁画艺术观念与审美特征
壁画艺术是表达形式为绘制于墙壁上的.一种画.非壁画,则泛指其它一切没有绘制于墙壁上的画.壁画与非壁画,同是艺术.
作 者：牛振江 作者单位：临沂师范学院 刊 名：中国成人教育 PKU英文刊名：CHINA ADULT EDUCATION 年，卷(期)： “”(21) 分类号：G72 关键词：艺术审美特征与高校艺术教育论文
［摘要］大学生艺术修养是大学生全面素质的重要方面。随着信息传播的快速和广泛、流行文化不断变化，青年学生的艺术审美倾向呈现出多元化、生活化、感官化等趋势。高雅艺术与草根文化、“神曲”等时尚文化一起挑战者传统艺术审美观。分析当代青年大学生的艺术审美特征，从而对加强高校艺术教育提出一些建议。以期通过有效艺术教育帮助大学生树立健康、高雅的艺术审美情趣，有效提升其综合素质。
［关键词］大学生；艺术教育；审美价值观
健康的审美情趣是构成大学生优秀综合素质的重要部分，也是社会文明进步的一个重要标志，而艺术教育是审美教育的重要组成部分和有效手段。当代大学生在社会文艺思潮和流行文化的冲击下，形成了特有的艺术审美倾向，我们应该通过艺术教育引导大学生树立健康的审美价值观，提高大学生审美能力和全面素质。
一、重视艺术审美教育在高校教育中的作用
（一）美育的重要作用
美育即审美教育，是高校实施全面素质教育工作中重要的一环，美育通过引导大学生了解和领悟艺术作品所蕴含的人文精神和审美理想，培养学生感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，陶冶高雅的情操，从而使他们在潜移默化中形成高尚的人格和正确的价值观。
（二）艺术修养是美育的关键部分
良好的艺术修养对人格魅力的提升有着特殊而重要的作用。我国杰出的科学家、航天事业的奠基人钱学森，为世人所赞颂的不仅是他取得的崇高科学成就，还在于他淡泊名利、报效祖国的人格魅力。他超凡的人格魅力与他所具有的良好艺术修养不无关系，他学习音乐、绘画，并在这些方面都有较深的造诣。他曾在一次授奖仪式上说：“艺术里所包含的诗情画意和对人生的深刻的理解，使我丰富了对世界的认识，学会了艺术的广阔思维方法。”可见艺术教育能够以美怡情，以美启智。艺术美是美的典型形态，事实上，美学家们研究和探讨的领域大多是就艺术探讨审美问题。
二、当代大学生艺术审美倾向分析
（一）艺术审美生活化
在人们心目中，总是将艺术独立并凌驾于现实生活之上，崇尚高于生活、甚至脱离真实生活的虚幻、缥缈的艺术作品。而如今的时代，艺术越来越走近生活并融入其中，艺术形式上的高雅与通俗不被严格地区分，“艺术更加生活化，生活也更加艺术化”。如今大学生中最流行的舞蹈莫过于街舞了，这种源于美国黑人的街头舞蹈，肢体动作自由随意，同时学习者不需要任何专业基础，相比芭蕾舞、民族舞要通俗易懂得多，实践起来容易得多。小说及同名电视剧《奋斗》《北京爱情故事》《北京青年》等等，在大学生中颇受欢迎。究其原因，在于当今高度自由的时代，大学生面对升学、择业、择偶等选择时感到迷茫、不知所措。而这些影视作品中主人公都是和他们同龄同时代的普通人，反映的都是他们这代人最迫切最真实的境遇，在一定程度上为困惑中的青年指引了一个前进方向，树立了一个理想目标。艺术的现实指导性在无形中影响了大学生们的审美价值取向。
（二）艺术审美多元化
青年大学生思想活跃、接受能力强，信息爆炸的网络时代使他们所获得的艺术审美感受、审美价值不断趋于多元化，同时“审美疲劳”的产生改变了传统审美观念,带动了审美的多元化发展趋势。中性美、神曲、草根等社会文化现象几年前还不被大多数青年人所认同，被认为是媚俗低俗，如今大学生们已抱着宽容、接纳的态度，审视这些表面现象下隐藏的内涵与本质。近年来，选秀歌手、电视选秀节目在大学校园颇为流行，各具风格特点的歌手、演员在大学生群体中虽然拥有各自阵营，但大学生们大多有着求同存异的成熟态度，不诋毁、不盲从，自认为可以接纳更多样的美。艺术作品的内容、形式、风格、技巧本就千姿百态，青年大学生们在这些复杂、隐蔽、曲折的艺术作品中探索、回味，渐渐确立了自己与众不同的审美价值观。
（三）艺术审美感官化
审美过程分为“感性直观的美”和“精神升华的美”，前者简单、直接，后者持续、久远。高尚的艺术审美趣味不应只停留于感官愉悦的层次，而应追求精神的愉悦，以艺术作品和艺术活动净化人的心灵、振奋人的精神。正如德国哲学家、古典美学的奠定者康德说：“吾人一切知识始自感官进达悟性而终于理性，理性以外则无‘整理直观之质料而使之隶属于思维之最高统一’之更高能力矣。”而当代大学生因为学业、人际交往、就业的压力，更倾向于选择简单快乐的文娱活动，强调直观感受。通俗性的艺术形式直观易懂，容易让人赏心悦目，使心灵很快得到放松，如听流行音乐、唱卡拉ok、看通俗小说等等。而如果在课余再听上一场严肃的音乐会，或是欣赏一场京剧，可能无法缓解他们心理上的紧张和疲劳。对艺术审美的感性化导致了审美趣味的通俗化，使许多大学生只关注于艺术的形式，而不在乎其精神内涵和艺术灵魂。
（四）艺术审美非主流化
当代大学生艺术审美的另一大倾向是以独特为美，强调非主流化。他们将主流等同于俗套，将非主流等同于时尚，他们求新求异，希望自己独一无二、与众不同。在服饰打扮、自我形象和文化品位的定位上，他们力求自我个性，在艺术实践与创作上，他们追求别具一格、另辟蹊径，如越来越多的原创校园歌曲、原创校园话剧等等，大学生们用自己的旋律和文字表现青年人的思想。但同时也有一些创作作品，刻意将作品表现得扑朔迷离、似懂非懂，认为看不懂的就是高雅，比如一些所谓的先锋话剧、实验话剧等。如果一味地摒弃传统、逃离主流并不可取，但果能将这种自我意识强烈的艺术审美观转化为在艺术实践上的创新意识却是值得鼓励的。
三、加强高校艺术教育，提升大学生艺术审美情趣
（一）呼吁建设健康的大众传媒环境
大众文化是大学生审美观形成的天然土壤，而媒介人好比是大学生审美观的塑造者。当代大学生通过网络、电视、电影、书刊杂志等各种媒介接触艺术作品，大众传媒所形成的文化环境对大学生的审美观具有极大的号召力和影响力。一些媒体为博人眼球，不惜扭曲现实、追捧绯闻，将各种奇人轶事不论真假是非一律推上风口浪尖。造诣颇高的作家默默无闻，经典的艺术作品难得一见，取而代之的是空洞浮夸、内容低俗的快餐文化。大众传媒这些不负责任的做法，将导致大学生们接受“只有怪异、个性、突破传统才能得到关注”的错误思想，进而思想流俗，审美趣味低下，离真善美越来越远。因此，我们呼吁媒体各界以健康积极的主流文化艺术来引导和鼓舞年轻一代，以高质量、高品位的艺术作品占领文化市场。只有健康的传媒环境才能引领大学生们脱离低级庸俗的审美趣味，才能树立崇尚热爱生活、关注社会、格调高雅的审美理想，才能对优化青年大学生的文化生态环境起到积极影响。
（二）循序渐进地提升大学生审美能力
审美能力主要由审美感知力、审美理解力和审美想象力组成，且这三方面的能力是由易到难、逐级上升形成的。我们应该遵循其中规律，针对每一阶段的特点选择有效的教育方式。审美感知力是艺术审美素养的基础，它主要通过对大量艺术作品的看、听、读来获得。高校艺术教育工作者，应该多引进优秀艺术作品，创造艺术赏析氛围，多引导学生们走进剧场、走进展览厅、走进音乐厅，将更多时间放在现实艺术作品中，多观察、多体验，积极体悟作品里蕴含的时代气息与思想情感，锻炼自己的艺术鉴赏能力。审美理解力的提高主要来源于深厚的文化修养，这不可能仅靠一些艺术赏析活动来提高。黑格尔认为：“艺术家创作所依靠的是生活的'富裕而不是抽象的普泛观念的富裕，在艺术里不像在哲学里，创造的材料不是思想而是现实的外在的景象。”可见，大量的文学、历史、哲学知识和丰富的生活经验积累有助于更好地理解作者的思想、作品背景、风格和象征意义。艺术教育工作者应该积极引导大学生多多涉猎相关学科，提高自身的文化修养从而深入感知艺术作品蕴含的深意，达到悦心悦意的效果。审美想象力使审美过程更加完整，艺术欣赏的过程同时是美的再创造的过程。而艺术教育对培养和发展人的感受力、想象力和创造力有着独特的作用。爱因斯坦酷爱艺术，还是一个演奏小提琴的高手，他曾坦言：“物理给我知识，艺术给我想象力，知识是有限的，而艺术所开拓的想象力是无限的。”我们应积极培养大学生的创新精神，并引导他们将这种理念和意识引入其本身的专业学科研究中。
（三）繁荣校园文化，弘扬正确的审美价值观
校园文化活动是高校艺术教育的有效载体，我们在指导大学生开展校园文化活动时，需要注意以下几点。1.注重高尚的艺术氛围营造。大学校园尤其是工科院校需要校园文化活动来丰富文化生活，同时也需要优秀的校园文化活动来营造人文气氛，引起他们对人文知识的关注和兴趣。虽然学生自发组织的校园文化活动广受欢迎，如校园歌手大赛、文艺会演，常常是观众爆满、热情高涨，但这类活动娱乐性有余、艺术性不足。我们应该认清高校文化的地位，通过经典艺术、古典艺术和民族传统艺术等来营造高尚的艺术氛围，用高尚的文化教育大学生，引领大众社会文化。在开展校园文化活动时，我们应该把握好俗与雅的适当比例和时机，自娱自乐不可多，高雅文化不可少。尤其在理工科院校，更加不能忽视这一方向的引导，不能以文娱活动替代艺术教育。2.强调健康内容与生动形式的统一。针对当代大学生艺术审美倾向功利性强、娱乐性强的特点，我们在开展艺术教育及其他素质教育活动时，应该十分强调活动形式与内容的统一。一味地哗众取宠是只有形式或者形式与内容不统一的表现，而一味强调内容、思想却忽视形式同样不可取。品德教育乏味、刻板，甚至演讲比赛、大合唱比赛也死气沉沉，这必然失去素质教育的意义。
（四）高度重视、狠抓落实，切实推进公共艺术课程建设
，教育部办公厅发布了关于印发《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》的通知，明确指出了要在普通高校设立公共艺术教育中心，并且每个大学生在校学习期间，至少要在艺术限定性选修课中选修l门并通过考核。高校应高度重视艺术教育，落实政策，将公共艺术教育纳入培养计划，将一部分基础的艺术鉴赏课程作为大学必修课程，并辅以更多的艺术理论选修课程，以必修课程启发大学生学习艺术的兴趣，进而发挥自主学习能力，选修、自学更多美学、艺术和人文知识。高校要努力创造人力、财力、物力，健全机构和体制，以机制保障公共艺术教育中心的独立运行。各级教育部门要为普通高校的艺术教育成效设立专门测评体系，以有效政策引导高校进一步加强艺术教育工作。
大学生艺术审美能力不可能仅靠几堂课、几本书就能提高，它涉及哲学、心理学、艺术学等多门学科，也不是高校、中学或是家长某一方面能够独立完成的。它起始于最初的认知学习，却没有结业的时间，它来源于学校、社会和家庭等各个方面的共同作用，却在每一个个体身上形成各不相同的教育效果。在这里就高校艺术审美教育的若干方面进行讨论是希望引起更多方面的重视与更进一步的思考，为中华民族整体素质的提高做出努力。
参考文献
[1]蒋国忠.审美艺术教程[M].上海:复旦大学出版社,.
[2]康德.纯粹理性批判[M].北京:商务印书馆,1987.
[3]胡家祥.审美学[M].北京:北京大学出版社,.
电视艺术本身存在一定的理性目的诉求和情感表达，在这两种重要特性的相互作用下，能够对社会大众的日常生活进行诗化转述，不断发现和展现生活中的审美元素，对社会大众的日常生活产生着特定的影响，值得进行深入的研究和探索，下面本文就对电视艺术的审美生成和审美特征进行具体研究。
一、电视艺术的审美生成
电视艺术在发展过程中能够产生一定的理性目的诉求和情感传达，并且这两种特性之间具有相互作用关系，能够通过对日常生产生活的诗化传达，获得一定的审美生成。电视艺术是近现代社会人类步入到电子媒介时代，电子媒介与现代艺术相结合所形成的具有一定特殊性的艺术表现形式，是电视这一媒介传播形式的新艺术样态[1]。电视艺术在发展过程中形成了个性化的语言系统和美学特质，其作为信息传播载体，将画面语言作为本体性语言。同时，区别于众多的传统艺术形式，电视艺术语言鲜明的个性不在于其单一的语言形式，而是在发展过程中逐渐构成了复合式、多元化并且具有较高科学技术含量的电子语言系统。电视的艺术语言表现手段具有多元化的.特征，一般不会以单一的手段维护电视艺术作用的发挥，而是通过对其他艺术语言和精神传统进行融合和变异，逐步促使电视艺术更为丰富和完善，最终形成较为系统的电视艺术审美，并进一步推动诗化电视艺术审美的生成和发展。
二、电视艺术的审美特征
电视艺术的审美特征是艺术本体论相关研究中必须深入探索的问题。对于电视艺术来说，受到其自身个各项特质的影响，其审美特征主要表现在传播性和逼真性的统一、同时具有兼容性和选择性、能够实现大社会与小家庭的结合、重视留白的艺术性、客观具有物的尺度存在完善性、受众群体存在针对性、能够实现形式和内容的统一等多个方面，下面本文就选取其中几点进行具体分析。
1、传播方面具有逼真性和假定性
电视艺术的逼真性和假定性是自然存在的，电视艺术在向受众群体传播相关艺术信息时，可以借助图像和音频的形式保证传播的逼真性，促使电视艺术对受众群体的艺术吸引力逐步加强，获得良好的艺术传播效果。同时，电视艺术也具有一定的假定性。主要表现在叙事时间和空间的假定两个主要方面。实质上，电视屏幕本身就具有一定的假定性，其通过屏幕展现出一个四维声画世界，是将审美幻象世界以艺术的形式表现出来，因此可以说电视叙事艺术是一种建立在审美影像性、假定性基础上的艺术形式[2]。在电视艺术中，其叙事时间与现实的时间不能够等同，电视艺术时间可以结合艺术创作需求进行自由的加快和倒流，假定性较为明显。而在空间层面上，电视艺术表现出的空间与现实生活中的空间也具有一定的差异性，其通过对各种镜头的搭配和组合，营造出一种新的虚拟环境，与人们正常生活中的空间规则存在一定的差异。
2、电视艺术具有兼容性和选择性
兼容并蓄，结合实际情况适当的提取艺术精华并且具有因人而异的可选择性，是电视艺术的另一项重要审美特征。电视艺术是我国现代电子科学技术与多种艺术形式的有结合体，能够向人们展现出一种多样化的视听综合形式。从综合视听艺术的感知角度和审美关照角度进行分析，这种艺术形式最为基本的构成要素指人、影、光、色、声等等，任何一种元素一旦进入到电视整体艺术中，就会获得一种新的存在形式，得到新的发展，因此其具有兼容性。同时，基于电视艺术在艺术形式选择方面兼容性，其能够将不同形式的艺术进行整合处理，产生新的艺术效果，被更多的受众所接受，在一定程度上为其选择性的实现创造了条件。简单的说就是电视艺术在发展过程中为社会大众提供了多种多样的艺术需求，保证人们能够根据自身需求选择不同的艺术形式，满足人们多样化的艺术追求。
3、美的对象符合人的审美尺度
美的对象与人的审美尺度相符合是电视艺术的另一项审美特征。电视艺术作为审美对象在传播过程中能够表现出鲜明的时代性和对历史的传承和弘扬，并且其从产生之初就受到社会大众的广泛关注，各项艺术形式的表现能够满足人的审美需求，从人们的生活中挖掘艺术，并将利用更为高级的艺术形式反作用于人们的生产生活，因此可以说其艺术美的对象能够达到与人的审美尺度吻合[3]。电视艺术的这一审美特征不仅促使其在大众生活主流价值的引导方面发挥着极其重要的作用，也能够对受众群体产生强大的吸引力，为电视艺术在现代社会获得更好的发展奠定坚实的基础。
三、结语
电视艺术作为上世纪新兴的艺术表现形式，其不仅带有鲜明的时代特征，也与历史存在一定的联系，其能够深入到人们生产生活的方方面面，对人们精神生活的构建产生着一定的积极影响，对我国传统文化和现代文化的融合发展起到相应的促进作用，因此一直受到社会的广泛关注。并且当电视艺术在发展过程中不断的走向成熟时，其作为根本性的审美对象自然也会成为具有时代性质美学范本，能够进一步推动时代精神的构建。
作者:谷丹 单位:成都电视台第二频道
参考文献:
[1]刘恩.接受美学视域下电视艺术的审美特征[J].西部广播电视,(14):4,6.
[2]华忠秋.电视艺术审美价值表现浅析[J].活力,(7):97-97.
[3]林平.论新媒体艺术的审美特征[J].艺术评论,2014(1):133-136.
基于心理学分析观念艺术中的美学需求论文
19，杜尚恶作剧式地把一个命名为《泉》的白瓷小便器作为作品送去美展，并且宣布： 艺术的最终目的是表达观念，而不是用艺术技法制作的成品。这不仅引发了艺术界最为强烈的地震，也为后来观念艺术的产生埋下了伏笔。1961年，美国音乐家亨利·弗林特（Henry Flynt） 在《随笔： 概念艺术》中率先使用了“观念艺术”一词。他认为，声音是音乐的物质构成，同样道理，艺术的视觉含义依赖于文字，“观念艺术是以文字为材料的艺术”.（ 徐淦，）1967年，观念艺术家苏尔·列维（Sol Lewitt） 发表了《论概念艺术》，标志了“观念艺术”已经形成一种艺术流派。观念主义之所以能够形成，除了杜尚迈出了关键的一步，还有赖于其他的学科理论，特别是心理学的帮助和推动。
1观念与体验的心理延伸
纵观西方艺术史，它的发展主要分为三个阶段：18世纪之前，古典艺术中最重要的是结构要像数学一样清晰明确，任何事物的表达都要遵循形式美法则，重视理性而忽视感情。它致力于精准地再现自然，以“自然美”为美学特质；19世纪，现代艺术以抽象的形式摆脱了传统透视习惯，打破了自然主义的框架，赋予艺术一种新的秩序。它从原来的再现客体开始向表现主体转变，不断地追求自身的纯粹性，以“艺术美”为美学特质；20世纪之后，以观念艺术为代表的当代艺术直接放弃了一切形象化和具体化的艺术行为，艺术只剩下了对艺术行为的语言记载，观念艺术的命题是： 观念或系统比作品本身更为重要，并最终取代了作品。（ 滕守尧，） 德国艺术家约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys） 曾经宣称：“人人都是艺术家，一旦与他们相应的自由创作活力被激发并彰显出来，他们固有的艺术癖好就会使无论何种媒介都转变为艺术作品。”（ 马永健，） 他的观点的核心，实际上就是人本主义心理学的艺术体验。艺术体验作为一种精神手段，它能使人们在观念层面上改变自己的生活，把日常生活中毫无意义的、无趣的和不幸的体验转变成有意义的、有意味的和创造性的体验。艺术体验能使人超越自己的日常意识，超越个体生命的有限性和暂时性，从而认识到存在的本质和生活的真谛。（ 马斯洛，1987）
马克思（Karl Heinrich Marx） 说过，社会存在决定社会意识，经济基础决定上层建筑。所以无论何种艺术形式，其所反映和表现的都是当时社会变化给人们带来的社会心理特征，观念艺术也不例外。它兴盛于20世纪60年代，正是新旧各种矛盾的思想观点进行交锋的时期，这种交锋以广泛的革命的姿态出现在世人面前： 非洲各殖民地国家纷纷独立，而与之对应的却是柏林墙把德国一分为二； 美国国内民权运动的不断胜利，而越南战争却节节败退； 卡尔森以《寂静的春天》在美国率先洒下了“环保”的思想之种，而与之对应的却是发展中国家开始大力推广在农业领域应用农药。
在这种挑战权威和反叛传统的环境土壤中滋生出的观念艺术也明显具有艺术心理学的特征。首先，它表达对于社会与政治的想法。作为观念艺术的代表人物，德国艺术家约瑟夫·博伊斯在第二次世界大战中曾经是德国的空军飞行员，在一次飞行任务中被苏军击落，幸运地是他被西伯利亚的鞑靼人发现了，并用油脂、毛毡和奶制品挽救了他，而油脂、毛毡和动物等等也成为他以后创作的主要材料。博伊斯认为暴力是一切罪恶的根源，他反对以暴力去争取和平。而艺术则被他认为具有革命潜力，艺术创新是促进社会复兴的无害的乌托邦。博伊斯试图用艺术去重建一种信仰，重建人与人，人与物以及人与自然的亲和关系。博伊斯的代表作品《油脂椅》用动物油脂堆积倚靠在一张普通的椅子上“装配”而成： 椅子是躯体或人的隐喻，而冰冷的油脂可以转换成无穷的能量。他的观念是油脂贴在人体情欲所在的地方，可以驱除物质的冰冷、恢复人间的温暖。作品诱发了人类对战争悲怆的回忆和对生命脆弱莫大的同情，油脂已超出它的现实意义，寄寓了艺术家某种敬畏的情绪和宗教化信念。（ 柳沙，）
观念艺术家就战争、性别、阶级、政治、历史、大众文化、环境保护等各种方面问题发表自己的看法，他们的实践活动就像一个由各种文化折射而成的万花筒一样，打破了前卫与低劣、传统与现代、中心与边缘、严肃文化与通俗文化等等相互对立的概念体系，变得混杂而折衷。观念艺术家认为，观念是作品中最重要的核心，艺术活动不仅仅限于形与色的框架，而且还应该依照艺术的总体概念，并进一步探究一切艺术主张的功能、含义和应用。
其次，它表达对于哲学的思考。约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth） 在1965年创作的《一把和三把椅子》表达了如何把艺术的视觉形式直接向观念过渡的思路。这个作品是由一把真实的椅子、这把椅子的照片、一段从字典上摘录下来的对“椅子”这一词语的定义三部分构成。科苏斯提供了关于这把椅子从客体到主体的全部可能性，并以此探讨文字、现实和图像三者之间的关系。他想要表达的意义是： 椅子（ 实物） 这一客观物体可以被摄影或者绘画再现出来，成为一种“幻象”（ 椅子的照片） ,但无论是实物的椅子还是通过艺术手段再现出来的椅子的“幻象”,都导向一个最终的概念---观念的椅子（ 文字对椅子的定义）。椅子所体现的三个部分的形态，就是艺术形式和艺术功能关系的形象的图解。以实物为依据的图像最终是为了给人提供一种观念，艺术品提供的观念才是艺术的本质。当艺术家想在根本上抓住艺术的本质时，他完全可以抛弃艺术的形式部分，直接去抓住观念的部分。根据这种逻辑，对可视的形的轻视和对内在的信息、观念和意蕴的重视就成了观念艺术的核心。（ 图1）
最后，它表达艺术自省的观念。劳伦斯·维纳1988年创作的《以手形成的硫磺与火的空间》是他的代表作之一，英文“Fire and Brimstone Set in a Hol-low Formed By Hand”和标题相同的文字用巨大的无装饰大写字母画在画廊的后墙上。然而，作品的重心不在于字母的形式，甚至也不在于它们同空间的关系，这些都是审美上的特点。句子本身以及它在观众脑海中产生回想和思考的方式，这才是作者的意蕴所在。作品包含着这样的意思： 文字并没有绝对确定的含义，他们甚至不构成完整的句子。他们可能是一首诗（ 是文学作品而不是艺术作品） 的一部分，是从文中节录下来的。维纳似乎是在告诉我们，我们现在已经习惯于日常使用的语言，因而对于“单词”会产生一种近乎条件反射的反应。在此意义上，单词与其所指代的事物是可以互换的。这一作品用“火”这个特殊的单词将这一司空见惯的，人们已经忽视的现象内部所存在的冲突与矛盾揭示了出来。（ 图2）
在观念艺术家看来，艺术主张的合法性并不依赖于对事物的属性进行经验主义的预想，更不取决于对事物属性的美学预想。艺术家关注的不是材料与形式，而是其背后的观念和意义。因此，他只关心与方法有关的两点内容： 首先，哪一种艺术对于观念的发展有所帮助； 其次，如何才能使他的主张与发展相互契合。
总而言之，观念艺术的人本心理学体验是对形式主义和传统审美趣味的破除，使艺术的支点由形式转向表述的事物，而不是描述实在物体或精神物体的行为； 它们表达艺术的观念或者艺术观念所产生的正式结果，十分注重自身的思考纬度，并以观念的状态来面对世界。观念艺术使艺术与传统的展示环境、存在方式以及欣赏、占有方式相脱离，并且通过这些艺术形式将艺术创作、表现、接受、批评集于一身，将艺术、生活、作者、观众融为一体。
2观念艺术的景观心理实验
当代艺术家不仅仅在反叛传统的艺术概念以及突破传统的艺术体制上下功夫，更多考虑的是作品所具有的社会学或者心理学意义。这使得观念艺术的意义不断扩大，正如柯索斯所说，杜尚以后的所有美术都是观念的，因为美术只是以观念的方式而存在，从艺术追求观念方式上讲，大地艺术、偶发艺术、表演艺术、身体艺术、行为艺术、装置艺术等等都可以归入观念艺术的范畴。由此，观念艺术突破了艺术所固有的所有界限，艺术的形式和意义就比任何时候都更为泛化。
观念艺术的非物质化概念对整个艺术领域的震动是巨大的，其直接的结果便是迫使艺术家们更为深入地思考艺术作为一种非物质化形态的多种可能性。就景观领域而言，虽然没有艺术和建筑的先锋性，没有自己的挑战宣言，也没有像建筑那样受到种种责难，但是作为一种思维观念的革新和一种强大的文化冲击，观念艺术的质疑对其所产生的影响和反思亦是巨大的，这是艺术的生命力泛化过程的必然。玛莎·施瓦茨在接受访谈时说道：“当我学习景观设计时，就发现这个行业侧重于传授有关技能、传统以及高品质材料应用方面的知识。我认为其对技术及材料的重视过多，而对设计思想方面的关注或兴趣太少。在艺术领域，观念是设计的核心，而在景观设计领域则是功能占据核心地位。”（Elizabeth,2001） 景观设计师们逐渐意识到在现代工业社会，理性已经物化为科学技术，变成了实用目的的手段和奴役人的工具。理性把主体和客体割裂幵来、对立起来，一味强调人对自然的占有、改造和征服，使人和自然处于敌对状态。现代工业文明和技术理性的发展严重地压制了人的诗性和感受力，人们丧失了体验的能力，甚至丧失了对体验之必要性的认识。因此，观念和体验的成分在景观设计创作领域中正在逐步加重，其结果往往产生某种带有强烈风格特征的艺术实验。
观念艺术的景观虽然受到艺术思潮的影响，但就具体的景观项目而言，作为一项社会性的活动，它还受制于整个社会政治、经济、科技等各个领域的发展，这也是促成艺术和景观设计思想发生变化的共同基础。
自从20世纪80年代晚期以来，全球经济发展和新技术的影响，特别是移动设施、交流设施和新媒体，完全重构了世界。全球化的力量模糊了国家的边界，增强了城市的融合、增加了社会环境和景观的'新压力、分裂社会成为无数的子文化。就这些方面，社会学家乌尔里希·贝克（Ulrich Beck） 写到： 西方面临着挑战它的社会和政治系统的基本前提的问题。现在我们面临的关键问题是，是否西方所标榜的资本主义和民主之间的历史共生体能够在不损失它的物质、文化和社会基础的情况下得到全球化的普及。（Ulrich,1994）
当代景观艺术的实践显现观念艺术心理学的特征，表现为已不满足于单纯地建立在对环境的视觉化表象传达，更多地希望阐述一个概念的意义和唤起人们对当下人类生存环境现状的思考。与时代同步的生活方式的转变也对人们的精神需求和广泛公众参与的民主化社会形态提出符合当代的表述形式。从当代景观的发展趋势来看，解决当前社会形态下环境与美学和生态的关系成为主要方向，如何营造符合生态需要和可持续性发展，并能在艺术体验上给人以全新感受的新景观成为当代景观的主流。
3哈格里夫斯---对美的心理探求的观念设计
马斯洛（Abraham H. Maslow） 认为，艺术体验就是一种高峰体验。处于高峰体验中的人想象更丰富、更有诗意、有着更敏锐的审美直觉，“真正的人正因为他是真正的人而可以变得更像诗人、艺术家、音乐家和先知。”（ 荷尔德林，） 哈佛大学风景园林系教授乔治·哈格里夫斯（George Hargreaves） 被称为“风景过程的诗人”.他的艺术创造性除了表现在艺术作品上，还存在于他创作前及创作中的体验时期。他把对事物的感悟通过想象的方式，把自身置于体验对象的位置去设身处地体察和领悟，从而获得超越自身经验的新体验。从哈格里夫斯艺术体验的创造性方面研究，可以概述为三个阶段---各美其美、美人之美、美美与共。
哈格里夫斯对景观体验的第一个阶段与他青少年时代的游历生活有着紧密的联系，在一次攀登洛基山脉国家公园的一座高峰的过程中，他偶然看到一些美丽的、纤弱的小花穿透初夏的积雪在山上璀然绽放，于是突然感悟到一种类似于爱默生的“位于恐惧边缘的愉快”和与自然融为一体的兴奋，产生“一种思想、身体和景观联系在一起的奇异的感觉”.（ 王向荣，林菁，） 哈格里夫斯通过自然的美召唤出了作为真正人的感性，他发现只有艺术才能彻底解放他的感性。于是，在他叔叔的引导下，哈格里夫斯开始了景观设计专业的学习。
第二个阶段是哈格里夫斯学习景观设计的过程。当他 初 次 见 到 大 地 艺 术 家 史 密 森 （RobertSmithson） 的作品时，就被大地艺术所表现出的力量所震撼。史密森的作品将景观概念当作一种理念，使哈格里夫斯产生一种“像灯塔般照耀在那些被设计的景观中焦枯的土地上的感觉”,（ 马斯洛，1987）让他顿悟到时间、重力、侵蚀等自然的物质性与人的出现可以发生互动作用。他认识到文化对自然系统会产生潜在的伤害，而生态学的方法又无视文化从而远离人们的生活。因此，他致力于探索介于文化和生态两者之间的方法即以物质性为本，从基地的特定性去找寻风景过程的内涵，建立与人相关的框架，其结果是耐人寻味的和多样化的。哈格里夫斯把这种方法比喻为“建立过程，而不控制终端产品”.也就是说，他在基地上建立了一个舞台，让自然要素与人产生互动作用，哈格里夫斯称之为“环境剧场”.各种自然元素，如水、风的痕迹、乡土植物、野生花卉等都顺应基地自身生态系统特点的基础上，用艺术化的手段使之成为人们公共活动的空间。但他设计的景观是自然的而非自然状的，是对自然的提炼和升华。正如荷尔德林（Friedrich Hld-erlin） 所言：“艺术家的眼光不是被动地接受和记录事物的印象，而是构造性的，并且只有靠着构造活动，我们才能发现自然事物的美。美感就是对各种形式的动态生命力的敏感性，而这种生命力只有靠我们自身中的一种相应的动态过程才有可能把握。”（ 张红卫，）
第三个顿悟发生在1982年，当哈格里夫斯在夏威夷参加一次会议时，亲眼目睹了一次飓风的袭击。他认识到飓风那种可怕的美丽与古典主义式的、神圣的、富有秩序感的美和如画式的、不规则构图的美完全不同，那是一种与自然的创造力和破坏力相联系的美，是一种与变化、无秩序相联系的美。他产生了一个新的想法，“为什么静态的景观被认为是正常的？ 也许是改变我们对美的概念的时候了。”（Beardsley,） 哈格里夫斯创造的是一种全方位的、动态的、开放式的景观构图，表达另外一种自然美的愿望，变化、分解、崩溃和无序成为他景观表达的主要方向。艺术体验包含了体验和创造的过程，而两者又是相互融通的。体验的过程同时是创造的过程，创造的过程同时也是体验的过程。哈格里夫斯对自然的理解不单单是一种重建的过程，同时也包含了他对自身体验的富有创造性的过程。
1983年哈格里夫斯创立了哈格里夫斯设计事务所，开始了景观艺术实践的新尝试，其代表作包括圣·何塞市中心广场公园、烛台角文化公园、加州绿景园和拜斯比公园等。在这些设计中，哈格里夫斯将基地与城市的历史和环境糅合在了一起，使这些作品不仅具有生态主义的特征，还具有更深层次的文化内涵、地域性和归属感，从而成为易于被人们认同、接受的场所。在他的作品里，时常以一种动态的、开放的系统来容纳自然的演变和发展的进程； 用科学的生态过程分析，创作出既合理又夸张的地表形式和植物布置模式。哈格里夫斯认为景观是一个人与自然互动的舞台，它是公共生活的基础和背景，是与生活相关的艺术品，是对大自然的动力性和神秘感的诠释，并同时是一个文化体验及艺术形式相综合的产物。（ 图3）
哈格里夫斯始终在不断思索景观艺术的新观念，而不是延续传统的模式，从进化心理学的角度来看他的创作，并不是因为他拥有专门用于创造观念景观的特殊适应器，而是因为我们拥有“能够从形状、颜色、声音、笑话、故事和神话传说中获得愉悦”的进化心理机制。（ 戴维·巴斯，）
他将观念与自然、艺术体验与人类联系在一起，将自然地演变和发展的进程纳入开放的景观系统中，其中，既有“诗意”的成分，也有生态的成分，既有人文的成分，也有科学的成分，表现出很强的有机性、概念性，形成一种能够刺激大众心理机制的信息的设计风格，为当代景观设计带来了一股新风潮。
参考文献
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Ulrich,B.（1994）。 The reinvention of politics:Toward a theory ofreflexive modernization. England. Polity Press.
浅谈艺术院校教育中文学与其他艺术整合探讨论文
摘 要：
文章依据艺术院校独有的特色和优势，通过现代心理学、教育学理论和实例剖析以及课堂实践，试图探讨出一条深化艺术院校大学语文的审美教育思路，使教学活动本身成为一种艺术创造和整合过程。
关键词：
艺术院校；整合；审美教育；沟通；意境
在《现代汉语词典》里，关于艺术的基本解释是：“用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态，包括文学、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺、工艺等”。［1］艺术是相通的，无论哪一门类的艺术，都是在现实生活的土地上，开出的美丽花朵。在高校，尤其是艺术院校，不少学生有一个认识上的偏差：认为只有自己所学的专业，如音乐、舞蹈、绘画等等才是艺术，而“大学语文”课程只是为了修得学分，通过考试的一门课程而已，对于艺术来讲是可有可无的。因此，“大学语文”的授课教师应该让学生明白，“大学语文”课程与自己所学的艺术是相通的，是可以相互促进、相互印证的。当然，要让学生从心里真正明白这一点，传统的“填鸭式”、“满堂灌式”的教学方式很难尽如人意，就需要在教学中引入审美教育思想。
审美教学在自身的完善过程中尝试将所有的教学因素，诸如教学目标、内容、方法、手段、评价、环境等转化为审美对象，使整个教学过程转化成为美的欣赏、美的表现和美的创造活动，审美化教学力图让理性和感性、真理和美感相互协调，使人类的活动及教育教学活动“既不是通过压抑感性来实现的，也不是通过压抑理性来实现的，而是通过各种特殊手段，使感性具有文明的内容，具有人性的内容，使理性得到滋润而一改其‘灰色的’属性，理性因为有了感性的支撑而立足于坚实的根基之上，感性因为有了理性的提携而飞翔在文明的天空。”［2］
当然，艺术院校“大学语文”的审美教育更有其独有的特色和优势。因为学生都正学习不同门类的艺术专业，如果能在“大学语文”课堂上把文学和他们所学专业进行更深层次、更广程度的整合，不仅可以提高学生学习的兴趣和热情，还会使他们在艺术的理解和修养乃至于艺术心灵的塑造上有长足的进步。
黑格尔在《美学》中指出:“语言的艺术在内容上和表现形式上比起其他艺术都远较广阔，每一种内容，一切精神事物和自然事物、事件、行动、情节，内在的和外在情况都可以纳入诗，由诗加以形象化”。［3］宋代文学家苏轼在评价王维的诗和画时说“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”这便是艺术欣赏中文学和美术的沟通和整合。文学是语言的艺术，绘画是视觉的艺术，音乐是听觉的艺术，而它们产生和发挥作用的地方都是一样的，那便是人的.心灵。因此，在心灵的平台上，无论什么艺术、无论什么形式，无论最初作用于人的哪一感官，最后引起的都是同样的颤动。艺术院校学生学习专业、大学语文这门课程的作用，不应该仅仅是学会吹笛子、弹钢琴、写文章，而应该学会用这些工具表达自己内心的感受，从而引起更多人的共鸣。学习艺术的目的是通过艺术创作，艺术欣赏中的真、善、美，滋养、塑造我们的心灵。所以，在心灵的平台上整合文学和其他艺术，在艺术院校大学语文的课堂上，不仅是可能的，也是必要的。
那么，在大学语文教学中，如何整合文学和其他艺术呢？笔者通过自己的教学实践，结合有关理论分析，对此进行了课堂调查、思考和探讨。
一、心与心的沟通
要进行审美教育，要整合文学和其他艺术，首要是沟通。沟通当然不仅仅是老师和学生的身份所设定的 “老师讲，学生听”这样一种单调的、生硬的关系，而是在教师和学生、教材和学生之间建立一种有机的联系，也就是情感的沟通。建立这样的沟通，当然是由老师主动进行的。首先老师要投入自己真诚的感情，要发自内心地去爱学生，有了这样的整理，便是建立良好沟通的开始。无论是严格的批评或是适度的宽容，都有了一个情感的基础和平台，学生心里都能感受到老师对他的关心。对学生来讲，要和老师形成良好的沟通，重要的是对喜欢老师或对老师感兴趣。笔者调查过7名语文较好的学生，问他们喜欢语文的原因，其中5名学生都说因为喜欢当时的语文老师，认为授课老师“博学”或者“幽默”甚至“酷”。
的确，不少学生都是因喜欢语文老师才爱上语文课的，所以，作为语文老师，有责任通过种种方式让学生喜欢上自己。笔者刚开始上大学语文课的时候，一般都是按部就班介绍学习方法、本期内容、教学大纲等，但发现效果并不好，学生显得提不起兴趣。后来笔者上课时压缩了这部分内容，而增加了介绍自己的时间，讲自己的经历、兴趣爱好甚至个性……，我发现学生表现出强烈的兴趣，还不时发出惊叹声，也对眼前这位老师有了兴趣，进而对即将开始的大学语文课有了期待。
从心理学上讲，人与人见面，第一印象是最重要的。大学语文老师的第一节课，也许是最重要的的一次课，需要老师尽可能展现自己的魅力和才学，甚至穿着也要从学生的审美期待去考虑，大方而时尚。还有，语文教材中的那些作者名不仅是单纯的文字符号，而是一个个活生生的人，就像是古今中外无数伟大的心灵呈现在我们面前，与他们沟通也是语文课堂上老师和学生共同的任务。所以在课堂上不仅要讲他们的作品，也要讲他们的生平，不仅要让学生了解他们的伟大，也让学生了解他们的平凡甚至缺点，了解他们也是和我们一样的人，会痛苦、会欢乐，也会愤怒、嫉妒或者恐惧，这样，书本中的作者名字就活了起来。总之，老师对学生抱有爱心，学生对老师、作者通过了解、熟悉进而产生兴趣，这便是成功沟通的第一步。
二、格式塔式的互动
现代心理学有一个重要的流派是格式塔心理学派，根据其原意也称为完形心理学，完形即整体的意思，格式塔是德文“整体”的译音。德国心理学家维特海默从研究知觉入手，认为人的知觉是以整体的方式进行的，有一种把事物完整化的倾向。完整的结构，或者说格式塔的建立可以说是人的心理本能，相反，破裂的结构常常表现为问题、焦虑甚至病态。［4］如果将格式塔心理学的原理应用于课堂教学中，老师和学生就需要构建一个格式塔、一个完形。所有的完形中，圆是最理想的完形。在课堂上，如果只有老师“填鸭式”的讲授，而没有学生的反馈，无论老师多么卖力，都只是一个半圆、一个破裂的结构。只有有了学生的反馈，才会有另一个半圆，才会将破裂的结构弥补，形成一个完整的圆――这就是老师和学生在课堂上的互动。记得有一次上课时，笔者讲苏轼的《江城子记梦》，读到“尘满面，鬓如霜”一句的时候，突然很动情，不禁哽咽，所有同学都静静看着我，……那一次课效果很好，同学们都被词中痛彻心扉的夫妻思念所打动，有的同学说想起了某部电影，有的同学说想起已去世的外公……情感上的互动让课堂变成老师和同学共同创造的由美好感情组成的艺术的“场”。当然，也有知识上的互动。激发同学运用已有的知识和想象力，这样的互动，不仅让同学确认、复习和修正已有的知识，也能把新知识和已有的知识结构结合起来，这样印象就会更深刻，知识也会更牢固。
三、文学和其他艺术的整合
艺术是相通的。不久前，中国国家大剧院里举办画展，把表演艺术和视觉艺术放在一起，这是艺术的创造性实践，实际就使不同概念的艺术有机会相互借鉴、吸取和融汇，最后整合在一起，使艺术的表现力更丰富，生命力更强。就如公孙大娘舞剑、担夫争道、航夫划船等等，是书法笔法借鉴的佳话，“诗中有画，画中有诗”让不同的艺术在心灵的层次上达到统一。所以，艺术的相通性是艺术的本质特征。
在我们大学语文的课堂上，同学们几乎都具有不同的专业技能。笔者尝试用这些艺术作品的意境和文学作品中的相似意境进行比较和表达，达到沟通整合的目的。譬如，音乐专业的同学学习苏轼诗作《有美堂暴雨》，在朗诵时，便选取了一段表现暴风雨的交响乐配乐。撼人心魄的听觉体验和诗中大气磅礴的场景融汇在一起，带给老师和学生一种酣畅淋漓的艺术体验；在为美术专业的学生上课时，笔者会尽量选取著名国画、油画来诠释文学作品中的意境；在面对戏剧专业的学生时，讲解文学作品时，会刻意提示其中的戏剧化元素，而讲解戏剧作品时，一般会要求学生进行课堂扮演，而其中对话场景蕴含的诗意也是重点讲解的内容。这样，不仅让学生对用语言构成的文学作品有了像视觉、听觉的鲜活感受，对自己专业的作品的意境也有了更深刻的理解。当然，这种比较和沟通是初步的，要真正达到的“整合”是一种融会贯通，需要的是心灵的全情投入。
所有的艺术作品都是通过个体的心灵产生，然后作用于大众心灵的。心灵是艺术产生和发生作用的唯一平台。当艺术家的心灵产生喜悦、愤怒、忧伤等情感的时候，他们会通过文艺的形式表达出来。我们在欣赏他们的艺术品时，我们的心灵就会产生和他们当初一样的喜悦、愤怒、忧伤……这便是共鸣――不同心灵以同一频率颤动。［5］一种艺术形式可以表达人类的不同情感，不同的艺术形式也可以表达同样的情感。譬如，我们在欣赏戏剧《窦娥冤》，阅读《红楼梦》“黛玉葬花”，聆听阿炳的《二泉映月》的时候，不禁会潸然泪下，因为其中都蕴含着相同的情感――悲伤。这样，相同的情感、相同频率的心灵颤动就将不同的艺术形式连接起来了。所以，在欣赏文学作品时，笔者会特别强调学生心灵的投入，去感受作者、主人公的情感，同时，尽量用别的艺术形式演示、欣赏，来诠释相同的情感，这样，音乐专业的学生欣赏《二泉映月》的时候，耳边不仅听见阿炳用音符演绎的悲凉人生，心中也可能出现 “黛玉葬花”那些优美的文词，也许眼里会浮现窦娥那有冤无处诉的形象……不同艺术在我们进行艺术欣赏的时候，通过相同的情感体验，进入同一个审美想象空间、同一个意境。不同艺术之间形式的区别消除了，不同艺术在相同的意境中被整合，久而久之，这样的整合会提高我们的艺术感悟力和创造力。这样，当我们再进行艺术欣赏和艺术创作的时候，就不会仅仅注意到形式和技术的准确，而自然会把情感、意境贯注其中，引发心灵的共鸣。那时，音乐不仅是准确的音符、娴熟的技巧，文学也不是华丽的辞藻、千变万化的形式，而是心灵的颤动。
在这样的心灵共鸣中，学习艺术的学生才更有可能成为真正的艺术家，而不是仅仅技术娴熟的“匠人”。同时，在不同种类艺术融会贯通中，心灵感受到艺术的丰富、伟大的思想和情感，在潜移默化的熏陶中，我们的学生便能够从懵懂少年成为具有美好情感、高尚思想的真正的“人”。
参考文献：
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［5］教育部人事司.高等教育心理学［M］. 北京:高等教育出版社, 1999.
油画创作中观念与形式的思考论文
摘要：当代艺术已迅速从媒体的解放到媒体观念化转变，前者改变了艺术的存在方式而使任何东西都可以成为艺术，这是艺术走出架上时的最初状态；而后者将这种新的艺术存在方式纳入到新的艺术结构中，即将任何媒体维系在观念之中。文中阐明了艺术创作中不可为观念而观念、为形式而形式，而应在观念先于形式的前提下，为表达强烈的主观感情去寻找合适的艺术表现形式。
关键词：油画创作；思想观念；艺术形式；装置
油画诞生于欧洲并发展于西方，作为一种艺术形式体现了西方人文精神和认识世界的方式。油画传入我国不过百年历史，直到目前已经发展到了一个空前繁荣的阶段。当代艺术已迅速从媒体的解放到媒体观念化转变，前者改变了艺术的存在方式而使任何东西都可以成为艺术，这是艺术走出架上时的最初状态；而后者将这种新的艺术存在方式纳入到新的艺术结构中，即将任何媒体维系在观念之中。
艺术的形式语言至关重要，它是连接艺术作品和观者的纽带，我们强调画面表现形式的时候，并不意味着可轻视作品的精神内涵和作者的思想观念。如果认为绘画只是表现形式语言的问题，那就从根本上否定了绘画的本质特征，绘画表现形式语言的完美程度，又依赖于作者的内在精神力量。传统的美术形态是一个艺术形式和语言技巧比较完善的体系，它的发展始终伴随着对形式语言的追求。
当下中国油画造型语言对图像元素的关注受传统中国绘画视觉图式和西方现代艺术的影响。随着人们艺术观念和审美观念的转变，当今中国艺术创造者一方面不再满足于对传统语言技法的研究，更多的是把目光盯住在世界文化发展的前沿动态，同时，他们也不断从民族传统美术的土壤中汲取营养，以中国传统绘画特有的审美角度扬弃了传统画面的图画叙事，他们自由地从各个方面提炼能激发自我敏感的因素，并在个人画面上赋予这些因素的全新的意味。
纵观当代艺术，有很多优秀画家能将思想观念与作品表现形式在自己的创作中很好的结合，用有意味的画面形式去体现创作者的思想观念，作者的思想内涵，将物予以人性化。如著名油画家尚扬的创作，没有西方现代主义后期一些画家的过分玩弄形式语言，在色彩、线条等形式因素中沉溺，缺乏内涵的流弊。他始终能热情地关注生活，他的作品《大风景系列》关注的是人类文化的历史变迁，他将地底奔突的熔岩视为人体中奔流的血液，火山经历了沉静、积蓄、不安、涌动到强劲喷发的过程，大体相当于一个时代文化思潮变迁的轨迹，他作品中喷发出的云雾是文明的碎片和沉淀，其中有汽车、茶壶、钟表、以及麦当劳的标志“M”、英文“SALE”则点出了这个时代浓厚的商业气息，这些文明的碎片，作为一种视觉符号，实质是作为时代文化的表层隐喻，具有某种非连贯的象征意义。
又如著名油画家石冲的创作，他曾经画过一些超写实的油画作品，光洁的表面在石冲油画里是引人注目的特征，但这个光滑的特征，只是他所想表现的画面主题的'一个“调味品”，一个手段上、媒介上的趣味形式，是为画面主题服务的，是“手段”而不是“目的”，他在制作那种令人迷惑的光滑表面质感的同时，仍在努力为自己的画面注入更多的内容与“意义”，使得自己想诉说的某种哲理、思想观念想法通过自己的画面形象传达出来。
进入90年代以后，新生代的代表画家们的绘画不仅仅停留在表达他们的自我状态上，同时还表现了这代人整体的精神面貌。画面的视觉形式感一直是画家十分重视的问题，它把画家的意匠提高到美的韵律，但形式语言不应成为画家个人怪诞的癖好，从而失去了朴素自然的品格。
综观艺术史，二十世纪的抽象派画家康定斯基、蒙德里安的作品就追求画面的形式。在蒙德里安的画中，以具有特定含义的符号来表达画家的“自我”，由于表现的含义和对象本身没有内在的逻辑关系，恐怕要超出造型艺术中视觉度的稳定性而不成其为造型艺术。任何事物都是有一定极限的，在视觉艺术中这就是影响人们欣赏的视觉度的关节点。
自从19杜尚展示了惊世骇俗的现成品艺术以来，当前世界的艺术潮流越来越向一种自然、原初、朴素的方式发展，这在装置等实物艺术形式中表现得最为明显。它们以各种各样的材料作为主要的艺术表现媒介，但总起来讲，仍是以现成品本身的物质形态作为表现载体，有着一个静态的物质外壳。也有一些画家过多的受西方绘画形式的直接影响，在表达精神内涵而遭受了形式的约束，而且越来越淹没在形式自身的泥潭之中，过分的注重形式是有一定危险的。
当前，中国油画的创作存在一个较大的问题是过分的、片面的强调个性和创作性（以油画为例），当下油画创作的制作性太强，考虑表面和形式的东西太多，画家为个性而个性、为创造而创造、为观念而观念、为形式而形式，这样创作出的作品自然缺乏动人的力量。“生活是艺术的唯一源泉”，其实，形式感本身也是来自生活的，也只有融人生活才能达到“自然”、“天成”的这种高品味，我们的创作也只有在观念先于形式的前提下，为表达强烈的主观感情去寻找合适的艺术表现形式。
参考文献：
[1]徐勇民.学校艺术教育与素质教育论坛[M].武汉:湖北美术出版社..
[2]周长江.解读创作.上海书画出版社..
人类思维实质特征在现代艺术中的体现论文
【摘要】人类是艺术的载体和发源体，从人类意识觉醒之时起，人就有了对艺术的追求和对美的判断。人类思想是人类思维实质的体现，人类思维具有艺术性、审美性的艺术特征。中国千百年的艺术思想随着西方理性思维的入侵和科学思维对人类思维活动中想象力的扼杀而日渐消解。在现代艺术中，运用理性思维关照艺术行为，使其审美判断能力降低，从而人类思维具有了科学性、科技性的实质特征。
【关键词】人类思维；艺术特征；艺术消解
一、人类思维显现具有艺术性、审美性的艺术特征
人类的艺术行为与生俱来，它源于生活、强调个性，它不同于大众，它是有思想的，它不受限制的追求美，它是制造和创造，它诠释着人类的智慧和审美判断。如，现代舞剧《孔雀》是一个围绕着生命和爱展开主题的故事，杨丽萍把对美的创造运用肢体语言和体能技术展现。通过舞台向观众传递艺术家个人成长过程中对艺术的思考和感悟。从人类的意识觉醒之时，人类就有了对艺术的追求和对美的判断，人的思维能力就显示出了对审美的艺术性实质特征。由于人类思维表达的方式是以通感的视觉形象显现的，而人类天生又具有对这种直观显现及通感感受有思维反映能力。因此，人类的行为中具有鲜明的审美艺术性特征。再如，手工艺者在雕刻艺术作品时，他在雕刻这一行为过程中就体现着审美特征，而雕刻后的成品在其制作的过程中就已经赋予了创作者的'审美判断。因此，它不仅仅是一个具有审美艺术性的人类行为的成果，同时，这个美的作品也寄寓创作者具有判断观念的视觉形象。
二、现代艺术中人类思维实质的艺术显现特征出现消解现象
艺术思想的消解是从人类思维出现东西方文化思维模式的区分开始的。科学思想对人类思维活动中想象力的扼杀，早在古希腊神话时期就已经初现端倪。中国千百年来的艺术思想随着西方理性思维的入侵而日渐消解。传统的艺术思想越来越“全球化”、“模式化”，并逐渐失去自己的风格。人类在进入现代社会形态以后，以理性思维方式作为人类认识的基本方式。现代艺术无处不体现着科学性、技术性的特征。尽管我们大力倡导传统文化，呼吁人类回归，但大趋势下的发展中，人类已经适应了这种现代化的理性思维和科技化的生存方式。
（一）人类思维的显现特征在消解，人类不再创造“文化”了
人类是从巫术行为开始创造人类文化的，文化不仅体现人类性、地域性、民族性、民俗性、艺术性等综合特征，同时又具有艺术价值。中国的长城、埃及的金字塔就是很好的例子。生活在现代社会“全球化“生存状态下的我们，接受开放的、多元的科学技术，被理性的思维物质化，从人类思维审美艺术性实质而言，人类已经没有了创造文化的能力，因为它不具有人类思维艺术显现特征。以民族声乐为例，现在流行一种中西合璧的唱法，就是说用西洋的发声方法来演唱中国的民歌，这就抹煞了民族音乐的地域性，致使民族音乐不具有民族特色和风格。各地民歌之所以不同，与地方方言、发音位置、咬字吐字、风俗习惯等多种因素有关。风格的形成绝非偶然，而是经得住历史考验才得以流传下来的。如果非要用一个方法来规范，这种超越地域性的演唱也将不伦不类。并且，无论是对于创作者还是演奏者，在以后的创作中都无法进行，最终丧失创造能力。
（二）现代艺术具有了“科学性”、“科技性”特征
人类对于美的追求是可以不受任何限制的，因为人类所有的行为都具有审美艺术性的特征。现代文艺方法是现代社会兴起的现代文艺思潮的产物，现代文艺方法具有科技性特征，并且直接将科学理论作为文学艺术的指导理论。声乐学习者在学习过程中经常会经历一个“从会唱歌到不会唱歌”的过程，在没有方法之前演唱者对于音乐的审美在于好听。而学习了系统的方法之后，会经常的去找声音、找位置等。学习者被这些所谓的“科学发声发“束缚了，一味的追求方法而忘记了唱歌是为了体现音乐的美，是为了让音乐成为自己的语言向人诉说。所以说，关照艺术之前先关照方法并不科学。对作品的分析不鉴于对作品的感受和表达，认同一个公里性概念或公式，得出同样的感受和结论，这种强制性的西方文艺方法有悖于艺术性特征。一千个人眼里本应该有一千个哈姆波特，每个人的立场不同、感触不同，对于作品的理解自然也是不同的。最具现代艺术特征的当属电影艺术，它是现代科学发展的产物，是一个没有时空限制的科学方法，它用电影语言讲故事并表现其艺术特点。电影之所以可以称作为艺术因为它可以通过其感官性、直观性的特点来表现审美性特征。电影艺术满足现代社会的需求同时对舞台艺术又致于致命的威胁。尤其是后现代电影，运用科学的思维方式，程序化的生活规范，致使人的思想也规范化、模式化，缺少对传统思想文化的理解和修养。让现代人在艺术行为方面的思维创造力和思考能力几乎处于停滞状态。
三、结语
现代艺术将如何发展是一个值得思考的艺术问题，如果艺术都要强制性、模式化，那么艺术便离终结不远了。
参考文献
[1]祝小苹.艺术学教程——艺术思想论.上海音乐出版社,2004,9(1).
艺术教育中直觉与感知培养思考论文
摘要：长久以来，在艺术教育中，感知与理智一直被分离开来，艺术与科学互相排斥。这是艺术教育的损失，也是艺术教育的误区。感受力和直觉力正是弥合感性与理性之间裂缝的一个重要因素。艺术直觉是艺术家掌握世界的方式，在艺术创作和艺术教育中都有着不可忽视的重要地位。本文通过对艺术直觉的阐释和对艺术教学中对感受力和直觉力的重要性和训练方法的分析，引发艺术教育中对这种割裂的关注。
关键词：直觉；感知；艺术教育；整合
艺术教育不是一门可以用“标准”来衡量的学科，它和感受力有关，和一个人的整体性有关。传统的艺术教育过分强调知识和技能的传授，把传授专业技能技巧作为掌握知识、发展理智的根本途径，忽略了与艺术最为相契的感受力和直觉力。
一、艺术与整合
在技术不断发展的时代里，一方面人们因为技术不断获得更多的便捷，技术替代了生存生活乃至复杂工作中的部分功能。另一方面，这种功能的替代也逐渐让人的整体性被割裂，人们成为“断片”的人，破碎的人。网络时代里，信息的“超链接”方式更是让人的思维模式在无限延伸中成为碎片。在麦克卢汉的观点里，艺术在历史中常常扮演着预言者和感知模式的调控者的角色。在今天碎片式的网络时代，更需要艺术对人们的情感和内心体验重新提供一种整合式的感知模式。在传统的教育系统中，只有理智、逻辑才是获得知识最稳固的途径，这是最正式也最有效的标准。但在今天的艺术教育里，我们可能更需要一种面向感受和情感的整合的直觉型思维的培训和感受力的教育。
二、直觉与感知
长久以来，在艺术教育中，感知与理智一直被分离开来，艺术与科学互相排斥。这是艺术教育的损失，也是艺术教育的误区。直觉与感知正是弥合感性与理性之间裂缝的一个重要因素。中国古代哲学对感知一直给予极大的重视，同样也认为感知中包含着高贵的理性和对真理的发现。亚里士多德也曾经提出过“心灵没有意象就永远不能思考”的激烈主张。古人也早就发现了直觉的存在及其价值。古希腊毕达哥拉所学派就认为：“直觉是高于观察的。”在很多人眼里，提到直觉，就会觉得那是一种模糊不定、接近胡思乱想没有说服力的一种思维和判断。但恰恰相反，在艺术创作的过程中，这种直觉的力量尽管短促却很坚定。很多艺术家常常能感受到，直觉的坚定来自内心深处一股强大的力量告诉自己艺术的方向。许多人把敏锐的感知力看成是一种天赋，实际上这种深刻的直觉下面包含着各种理解、领悟、思想、创造力，乃至你的逻辑分析能力。笛卡尔在《心灵的指导规则》一书中称，“我所理解的直觉不是感觉之动摇不定的证据，亦非从想象之胡乱堆砌而导致的错误判断，而是毫无屏障的和专注的心灵给予我们的，这种给予十分明白晓人，以至于我们对所理解的东西没有任何怀疑。”直觉并不是不可靠的'东西，有些时候，它甚至比演绎更简单更确定。艺术的直觉只能是长期教育的结果。眼睛在刚出生时是什么都看不见的，只有经过训练，才变得能够了解所见到的东西。所谓‘无邪的眼睛’是没有的。”人们喜欢把理智和逻辑归属为左半脑，直觉和灵感归属于右半脑，那么他们是否应该被放在同样的位置，受到尊重和重视？
三、艺术教育中的直觉与感知培养
1、多样化文化课程创造开放的教育语境
首先，开设多样化文化课程是为直觉力和感受力的产生创作一种开放的环境。在艺术院校设立真正丰富且具有包容力的文化课程，让学生处于一种开放的可选择的教育语境之中。目前的艺术教育，因为各种各样的因素，趋于标准化的培养过程。学分、技能、就业率，成为艺术院校追求的最大目标。大量的艺术院校形成了一个约定俗成的风气，重专业技能、轻文化素质，这着大量有心从事艺术事业的学生也是一个不良的导向。艺术教育的目的在这样的局面下显得狭窄而充满功利。经常有人说我们缺少的不是技术而是思想，而思想正是激发艺术直觉最有力的因素。众多艺术院校单一的追求就业率让艺术教育失去了原来的意义，很多课程得不到应有的重视，文化素质培养成为随意性的副科，思想和技艺的分裂，过分实用性功利性的培养目标，给很多学生和艺术爱好者带来误区。文化课程目前在很多艺术院校的教学系统里没有得到应有的重视。创作是将自己所有的心灵能量聚集在一起，这些能量不只是专业技能的熟练，更包括了所有对世界，对艺术的认识和所有文化修养的沉淀。
2、从“训练”式到“对话”式的教学
在艺术教育中，传统的教学注重模仿和灌输。临摹是美术教学中不可或缺的教学方式，但单一的临摹和经验灌输往往会使学生形成思维定势，让他们逐渐丧失创造力和想象力，甚至对生活中的美无动于衷。对话式的教学方式会更有利于保持学生丰富的想象力和创造力。教和学成为平等的两个维度，通过对话式的教学，让艺术创造在交流中碰撞，甚至这种对话可以是反叛和抗争。只有在这种真正的交流中，学生才可能激发“创造”，而不仅仅是在艺术史和教师权威的标准下畏手畏脚。艺术教学是要唤起学生内心的情感，并引导学生用自己的方式去表达。在一开始这些表达可能显得生涩，所以更需要一种更为平等的对话而不是“标准系统”的压抑。而今天网络时代的信息获取方式，让学生在课堂之外有足够的渠道获取“知识点”，这也让对话成为了可能。
3、多重实践和跨界整合
在对话式教学的基础上，艺术教育可以开发更多共同创作的实践模式，和跨学科的联系和整合。艺术教育需要更多的机会通过切身的实验去寻找真相开发潜能。各学科之间，老师与学生、学生与社会都可以建立起更多的关系，在实践的碰撞中逐渐寻找自己的艺术语言。为了让教育进入一种手与脑、理智与情感均衡发展的状态，必须让学生通过自己的材料试验寻求真相。他们不应该被“导向”任何一个既定的方向，他的大脑不应该被固定的模型填满，阅读那些描绘二手经验、无助于活跃思维的书或那些超越了理解力的书，都为时过早。教育必须成为让一个人发现并形成自身表达方式的机会，必须提供一种有意义的融合，将社会传统与个人体验、实践与判断结合起来。共同创作的模式可以激活学生除语言和文字之外的各种品质，不是从形式到形式，或者从观念到观念的转变，不是简单的套用，不是枯燥的模仿，是在不断地寻找和积累之中获得真实的体验，再返回到思维，形成新的更为清晰和准确的直觉。越来越多的教育工作者意识到，恢复人的感受力和整体性在艺术创作及艺术教育中都占据着异常重要的地位。只有这样，我们的艺术创作才更能触及生活的本质，我们的艺术教育最珍贵的功能也才能真正得以实现和延展，成为一种更为“自由”的教育。
注释：
1.(美)鲁阿恩海姆.艺术心理学新论[M].商务印书馆，：9.
2.(匈)拉兹洛莫霍利纳吉.运动中的视觉:新包豪斯的基础[M].中国出版集团，
现代企业管理中激励理论与艺术研究论文
人力资源是现代企业的战略性资源，现代企业的所有者和管理者都越来越认识到人力资源对企业发展的重要促进作用。当前，现代企业加强对激励理论及其应用艺术的研究有着十分重要的意义。
一、现实意义
企业实行激励的根本目的是鼓励和激发员工的工作动机，让他们在实现组织目标的同时实现自身的需要，增加其满意度，从而使他们继续保持旺盛的工作热情。在现代企业人力资源管理中，对员工进行有效激励有着重要的现实作用。
1.激励可以调动企业员工的工作积极性、主动性和创造性，为实现企业的目标服务。在企业人力资源管理中，激励的重要任务就是让员工全身心地投入到企业的各项工作中，充分发挥出自己的才华。行为学家通过大量的调查发现，绝大多数企业在激发员工动机方面都具有很大的潜力。美国的詹姆士发现，员工在受到充分激励时，可发挥其能力的80%-90%，而在仅保住饭碗不被开除的低水平激励状态，员工仅发挥其能力的20%-30%。我国很多企业劳动生产率低，与不合理体制压抑员工的积极性有很大关系。因此，企业要把这种不可估量的人力资源潜力充分发挥出来，就需要建立公正的激励制度，合理地运用激励手段。
2.激励可以增强企业的凝聚力，能够吸引、培养和留住企业所需的各种优秀人才。人才是企业的生命与第一资源，世界上绝大多数成功企业都对此达成了共识。例如一些大型跨国公司的总裁直接讲明这样一种假设，即使把现有公司的一切全部毁掉，只要保留其现有人才队伍，就可以很快再造一个世界第一流的企业。如何才能吸引和留住优秀人才呢？这些企业主要是通过激励手段来增加企业的凝聚力，激发员工的工作热情，他们不仅用丰厚的工资、福利等物质条件来留住员工，而且还通过各种管理职位、技术职位的快速提升来使能者得其所；不仅能使各类员工得到不同的培训和发展机会，而且还用企业文化来感染全体员工，提高其对企业的向心力。
3.激励制度和环境的创设，可提高员工的素质，为实现企业自身的社会功能创造条件。企业是社会的重要组织，不仅担负着一定生产经营的任务，完成满足社会一定需要的职责，而且体现和推动着社会的进步，承担着对其组织成员享有民主权利和健康发展权利的一种承诺。许多现代企业推行以人为本的管理理念，就是对这种社会职责的一种回应。企业激励作为一种全方位的系统激励机制正是顺应了社会进步的潮流，适应人的多方面需要，使企业成为社会物质文明、精神文明的重要组织载体。同时，激励机制可控制和调节人的行为趋向，给学习和实践带来巨大的动力，能够不断提高个人素质。
二、理论指导
激励是人力资源的重要内容，其理论分为内容型、过程型和行为改造型等。在人力资源管理中，激励是指运用各种有效方式去调动员工的积极性和创造性，使员工努力去实现组织的目标。现代企业应用激励普遍使用以下理论：
1.需要层次理论。马斯洛将人的需要分成五个等级：生理需要，是个人生存的基本需要；安全需要，包括心理和物质上的安全保障；社交需要，人需要友谊和群体的归属感，需要彼此同情互助和赞许；尊重需要，包括要求受到别人的尊重和自己具有内在的自尊心；自我实现需要，指通过自己的努力，实现自己对生活的期望，从而对生活和工作真正感到很有意义。该理论认为，需要是人类内在的、天生的、下意识存在的，而且是按先后顺序发展的，满足了的需要不再是激励因素。
2.双因素理论。该理论由赫茨伯格提出。双因素是指保健因素和激励因素。保健因素具有维持人的积极性及工作现状的作用，包括那些与工作本身无关而属于外界工作环境的因素，如政策制度、领导能力、工资福利等，这些因素得到满足只能消除员工的不满意，但不能激发积极性。只有激励因素才能起到激励员工积极性的效果。在企业内部，激励因素是指与员工工作自身内容相关的因素，如对工作的兴趣、工作的挑战性、员工发展的机会等。这些因素能激发起他们的成就感、责任感等积极感情，因而能增进员工的满意感，激励他们努力工作。
3.期望理论。该理论由弗鲁姆提出，认为人们在预期他们的行动会给个人带来既定的成果并且该成果对个人具有吸引力时，才会被吸引起来去做某些事情以达到组织设置的目标，可表达为激励力=效价*期望值。在企业中，激励力是指调动员工的积极性，激发他们的内部潜力的强度；效价是指达成目标后对于满足员工个人需要其价值的大小；期望值是根据员工以往的经验进行的主观判断，一定行为能导致某种结果的概率。
4.公平理论。该理论由行为教授亚当斯提出，认为一个人在自己因工作或做出成绩而取得报酬后，并不是仅关心他所得到报酬的绝对量，而是通过相对于自己投入的报酬水平与相关他人的比较来判断其所获报酬是否公平或公正。主要着眼于全体的影响及员工个人对别人的感觉，强调的是员工的主观感知，不是客观的真实情况。在员工管理中公平是相对的，只能尽量准确度量个人的绩效，做到在客观上让多数员工认为公平，而不可能做到让每个员工主观上都认为公平。
5.强化理论。该理论由斯金纳提出，也称为行为修正理论。企业员工为达到某种目的会采取一定的行为作用于环境。当这种行为的后果对他有利时，这种行为就会在以后重复出现；不利时，这种行为就会减弱或消失。人们可以用这种正强化或负强化的办法来影响行为的后果，从而不断修正其行为。
三、基本方法
我们知道，只有用理论去指导实践才会事半功倍，所以，现代企业在人力资源管理中必须注重结合理论对激励应用艺术进行探讨。
1.物质激励。物质激励是激励的主要方法，也是目前我国现代企业内部使用最为普遍的一种激励方式。物质需要是人类的第一需要，是人们从事一切社会活动的基本动因。对于大多数企业员工来讲，工作是其谋生及养家糊口的主要手段，提高员工工作积极性的最有效的方法就是增加经济性报酬。报酬激励是一种物质激励手段。企业人力资源管理部门对员工的积极行为予以表彰，用增强员工报酬的形式满足员工的物质要求，可刺激员工为努力实现企业目标而尽心尽力。增加员工报酬有多种方式：提薪、发奖金、改善福利水平或直接发放实物都可以增加员工的物质利益。人对物质的需要是无限的，物质激励永远是最基本的激励方式。只是应当注意，报酬激励的对象不同，激励措施的力度也不一样。同等水平的物质报酬，对于低收入员工刺激更为明显，而收入较高的员工对于微薄的报酬激励程度很弱。相对于奖金来说，提薪的激励效果要强一些，但提薪之后，员工的积极性会减退，奖金则可以经常发挥作用。该方法对应于需要理论。
2.精神激励。精神激励是指企业支付给员工的不能量化的货币形式表现的各种激励措施，包括给员工提供挑战性的工作、恰当的社会地位和弹性的工作时间等。精神激励不需要投入太多的物质和金钱，但效果却很明显。管理者可通过思想教育、灌输价值观念，倡导组织精神等，提高员工的思想觉悟，激发他们的工作热情。常用的精神激励方法有：⑴事业留人。留住员工的最好方法就是留住他的心，而留住人心的一个重要方式就是以事业留人。因此，企业要加强对员工的培养，给员工提供一个健康成长的环境。⑵情感留人。情感是人类重要的心理现象，一个好的工作与组织环境能够让员工尽情发挥。为了让员工长久留下，企业就必须让大家有一个共同追求的目标，努力满足员工内心的需求。⑶尊重人格。现代企业只有真正落实“以人为本”的理念，真正体现对员工的'尊重，才能赢得员工对企业的忠诚。因此，企业要善于营造尊重人才的氛围。在工作中，充分考虑员工的意愿，为员工搭建施展才华的舞台；在教育中，采用民主方法，尊重和满足员工的自尊心。
3.文化激励。在企业人力资源管理中，企业的核心文化建设非常重要。企业文化是指企业在其长期经营活动中确定的、为其全体成员普遍并共同遵循的价值观念和行为规范，它体现着企业的核心价值观，是企业经过长期发展沉淀的精华，具有极大的感召力和凝聚力。企业文化是企业的灵魂，是企业成员之间相互理解的产物，是企业制度、企业精神、企业道德规范和价值取向的总和。综观国内外许多成功企业的经验，这些企业都有自己富有特色的企业文化。微软公司的文化强调智力、朝气、辛勤工作、接近顾客、远见卓识和以比尔·盖茨为榜样的创新精神。我国济南三联集团公司董事长张继升在总结其企业成功经验时也指出：“文化力是能够最持久、最顽强地发挥作用的力量，也是一种最终能够制胜的力量。文化建设是一种强有力的纽带，它能把不同经历、不同年龄、不同知识层次、有不同厉害关系的人组合在一起，为共同的目标去努力工作。这种作用绝不是仅仅用金钱就能实现。”因此，加强企业文化建设是调动员工积极性，提高企业效率和竞争力的重要手段。
4.环境激励。美国管理学家孔茨指出：“管理就是设计和保持一种良好的环境，使人在群体里高效率地完成既定目标。”在企业人力资源管理中，高层领导者和管理者要善于构建和创造良好的企业环境，加强企业内、外部环境建设，充分利用良好的环境对员工进行激励。企业不仅要形成良好的政策环境，而且还要积极创造良好的工作环境，如良好的办公环境、和谐的人际关系等，努力营造和谐的工作氛围。当今社会，随着员工对社会保障意识和自我保护意识的逐步增强，企业要严格按照国家的文件规定和要求，为员工建立养老保险、工资福利、医疗保健以及失业保险等保障；在工作中注意加强对员工的安全教育，及时配备工作所需的安全劳动用品，努力改善员工的工作环境。只有切实解决员工的后顾之忧，创立安全的工作环境，员工才能真正建立起安全感，才会全身心地投入到为企业服务中去。
5.团队激励。树立人力资源管理新观念必须强调现代企业团队精神。团队激励的内容可包括：⑴提高团队成员的积极性；⑵加强团队内的信息交流，增加团队凝聚力；⑶非正式团队为完成组织目标服务。现在的社会越来越讲求合作，因此，团队激励值得我们关注，提倡团队合作是现代企业发展的一种必然趋势。激励政策方案的制定应朝着有利于员工团结的方向发展，要能够促进团队成员之间加强沟通与合作。现代企业建设发展中必须要讲求团队精神，讲求合作。如果一个优秀的人才在工作的时候，无法和周围的同事进行良好的沟通与交流，那么工作中势必会产生很多不必要的麻烦，这样的人才并不是我们所鼓励和欢迎的，部门需要一个有凝聚力的合作团体，在工作中讲求配合，现在很多企业都已尝到团队精神的甜头，在表扬工作的时候，往往奖励某一个团体，而不是某个人。只有通过企业成员间的团结协作才能实现企业发展的更高目标。工作环节总是一环扣一环的，只有发挥集体优势，才能创造佳绩。
激励是现代人力资源管理中的一个重要内容，人力资源激励运用恰当，企业就富有朝气和活力。在现实企业管理中，人力资源激励的应用牵涉到方方面面，企业要结合自身实际情况采取合理的激励措施。
★ 管理中的人本观念
