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手机摄像的艺术与生活研究论文
【摘要】手机作为摄像的媒介，可以呈现出五彩缤纷的美好世界，手机摄像成为了记录生活艺术最方便快捷的常用功能。本文阐述了手机摄像艺术给生活带来的改变以及手机电影的发展趋势。
【关键词】手机摄像；艺术；生活；手机电影
中图分类号：J41 文献标志码：A 文章编号：1007-012505-0286-02
早在,夏普便发布了J-SH04型号手机，这是第一部可照相的手机。①随着智能手机时代的到来，手机的功能早已超出了通话与发短信，手机摄像便是记录生活艺术最方便快捷的常用功能。手机摄像寄托了用户们对摄像艺术与生活艺术的需求，是使摄像大众化、平民化的技术。手机摄像与传统的大型摄像机或DV机不同，它具有体积小、便于随身携带等特性，我们可以在各种不同的场合中看到拿着手机拍摄的人。以手机作为摄像的媒介，表现了人们对精彩世界的美好向往，同时也为人们记录生活与工作中的种种开心、快乐或是悲伤、离别的场景。
一、手机摄像艺术给生活带来改变
从20第一部内置摄像头的手机问世以后，短短的十多年时间便从最初的低像素且只能拍摄不能摄像的技术向智能化方向飞速发展。目前，智能手机具有高性能、轻巧、性价比高等特点，摄像功能先进已经成为大众手机的标配功能，手机也成为当前深受个人甚至专业媒体喜欢的一种摄像设备，特别是受到以学生为代表的年轻一代的青睐。“拍客”的流行：现在，“拍客”已经是一个热门的词，指的并不是说具有多么高超摄影摄像技术的人员，而是对生活、艺术等充满爱心的人，用手中的手机摄像功能记录生活。随着优酷、土豆视频网站的活跃，越来越多的`拍客将身边的美好影像以视频的形式记录下来并通过网络与世界分享，不受年龄、职业、身份等的限制。手机早已超越了通话及短信的原始定义，摄像便是手机除通话及短信功能以外最为重要的一项功能，手机摄像已经包括了名词、动词、形容词等内在的含义了。随着技术的发展、人们生活水平的提高，物美价廉的智能手机得到了人们的广泛热爱。网络、电视等多种媒体也开设了手机拍摄的栏目，手机摄像艺术成为了一种时尚，也成了设备不足的小型影像工作室的工作工具。手机电影形式的出现：智能手机作为用户随身携带的通迅工具，轻便、便宜、能随时随地拍摄操作，使手机摄像艺术具备个人化和大众化的双重特性。手机摄像作品体现出人们群众在日常生活中的艺术美，是记录美好生活的途径之一。手机电影就是其中的一种形式，首先了解一下手机电影的概念：“手机电影是以手机为主要拍摄与制作工具，并能够通过手机平台传输与手机下载、观看的电影作品，其主要载体是以手机为中心的。”②在新兴的手机电影创作中，更是突破传统电影昂贵和繁重的设备器材的限制，可以轻便地进行取景和录制。现在，在一个灰尘满天飞的工地中见到手持手机在拍摄的人员，你不必惊讶，他或许正以独特的手机电影制作人视角去拍摄身边最为普通的场景、最为平凡的人物、最细小的事情。如手机电影作品：《让我对你撒点野》，除具备传统电影的影像语言以外，还有手机电影独特的魅力。如：时间短、内容精、叙事简单，其拍摄特点又有以近景镜头和固定镜头为主，手机拍摄的优势及其特性就决定了它独特的魅力所在。
二、手机电影的发展趋势
科技的发展日新月异，社会的分工也像数码时代的特性一样，既具有碎片化又兼有系统性的特点。手机摄像使用成本低，深受普通百姓的喜欢。现代人的生活节奏不断加快，手机拍摄电影成了展现自我和反映思维活动的一个新通道。美国波士顿大学新近开设了“手机视频”课程，专门教授学生用手机拍摄微型电影，这也说明了手机摄像艺术是大有前途的。成本低、周期短，随着视频网站等媒体的不断发展，手机电影必将产生更加高的经济价值，由此可见，手机摄像艺术将会成为电影类型中最年轻、最有活力的一员。手机摄像成为舆论监督利器：手机摄像除了给人们带来更加方便、快捷的视频艺术享受以外，还成为一种群众性的舆论监督利器。面对突发事件，手机摄像是最及时、最主动、最真实、最直接的第一手新闻资料，并且是以平民化的视觉进行拍摄，真实性与画面刺激性都会给电视新闻节目或新闻网站带来巨大的收视率或客户流量。例如被称为“全国监督公车私用第一人”的“广州区伯”，其主要是采取以手机录像取证的方式来进行舆论监督的。手机摄像作为个人开展舆论监督的方式，起到有利、适度、准确、客观的效果。首先是有利：方便快捷的舆论监督方式使得人人都轻松参与，有利于解决各种问题。例如：文明执法的问题、公车私用的问题、环境污染的问题等，对改善人们的生活起到了有利的作用。然后是适度：人们在使用手机摄像进行舆论监督的时候，需要掌握一定的法律。因为涉及到个人隐私、国家机密等重要信息的时候是不允许摄像的，所以手机摄像监督舆论需要恰到好处。然后是准确：新闻媒体（包括电视媒体、网络媒体等）对于收到由群众提供的手机视频资料应进行核实才能进行发布，必须清晰了解事件的时间、地点、经过等。最后是务必保持客观的态度：依据事实、实事求是。在发挥手机舆论监督的同时，不能夹杂个人的感情因素，以免造成舆论的误解。
三、手机摄像艺术促进影视艺术发展
学生主体推动校园影视艺术发展：电影原本是一门高深的视觉艺术，按照传统的方法，首先要有专业的器材，然后还必须掌握专业知识才具有电影行业的基本要求，例如冯小刚导演的《手机》、周星驰作品《西游降魔篇》等，不仅器材昂贵，连演员也必须由明星担当。而手机电影的主流创作者主要集中在各高校的在校生群体中，完全抛开了专业器材及专业演员的限制。有很多大学生通过手机摄像功能拍摄了自己的第一部影视作品，特别是在记录片方面。年轻人在创作手机影视艺术作品都具有自发性和自觉性，每一个人在拍摄或被拍摄的时候都是随和、随性甚至随意的，但又满怀真诚。正因为大学生作为手机影视艺术创作的主体，所以手机电影的生力军具有思维活跃、时尚、热情等特点。手机摄像式的微电影已经走入了寻常百姓的生活中，走进校园、走进生活，具有简洁记录生活和自由表达的特点。而手机生产厂家也通过活动来支持手机摄像艺术的发展，，中兴手机举办了“中兴（努比亚）手机全国大学生微电影大赛”，设置了最佳短片、最佳剧情、最佳人气等十个奖项。活动产生了大量的手机电影作品，如获得最佳手机短片奖的《让奶奶带孩子的下场》、中兴微品最佳大学生微电影奖《回草原》等。手机摄像艺术的发展所具备的高度自由性、随意性、无约束性，冲击着中国影视艺术的发展。手机摄像艺术已然成为影视文化的重要组成部分，是“草根”自我追求“高、大、上”的电影艺术有效途径。
四、结语
随着智能手机的普及、摄像功能的日益强大，手机摄像艺术必将在一定的时期内成为人们展示自我才华的舞台，用经济、快捷、纯粹的手机摄像方式可以记录下我们的故事、情怀，表达内在的喜、怒、哀、乐，记录下青春，留下生活的记忆。更重要的是，手机摄像艺术的发展大大推进了影视艺术的普及，也为年轻人提供了更广阔的舞台。
关于大学生使用手机调查报告
摘要：随着社会信息化进程的加快，高新科技产品成为消费热点，手机作为代表之一，而学 生手机族，已经成为手机消费市场中一支不容忽视的生力军。
为了解手机在大学生中的普遍情况、使用效果以及消费情况，我们专门进行了面向湖南商学院学生使用手机主要状况的调查。
本次调查根据简单随机抽样的调查方式，通过对样本数据的整理录入，利用数据分析软件对其进行描述统计，单因素方差分析等统计分析，
绘制相关图形，并且根据样本情况来推断总体的基本情况，进而对大学生手机市场的发展趋势进行预测分析，也从手机消费的角度更好的体现大学生的生活现状。
关键字：简单随机抽样，描述统计，单因素方差
一.调查背景
(一)调查目的
通过调查了解手机在大学生中的普遍情况、使用效果以及消费和品牌观念，为大学生手机消费市场的开发提供一定的参考依据，同时为手机销售商和手机制造商提供一定的参考。
(二)调查内容
大学生手机的使用品牌，喜爱程度，更换手机频率，购买时考虑的因素，喜爱的手机款式，注重哪些功能，手机的价位，了解手机的范式和购买渠道，以及喜爱的促销方式等等。
(三)调查方法和调查对象
本次调查根据简单随机抽样的原则，以目前拥有手机的湖南商学院在校大学生为调查对象，共发放问卷65份，回收问卷58份，其中有效问卷54份。
样本中男生占53.70%，女生占46.30%;大一学生占24.1%，大二学生占29.6%，大三学生占35.2%，大四学生占11.1%。
(四)分析方法介绍
通过对样本数据的整理录入，利用数据分析软件SPSS、EXCEL等对其进行统计分析，方法如下：
交叉分析：对男女生在品牌的选择上以及各年级在手机价位上的选择做的交叉分析，建立了相应的交叉表。
透视表：对大学生手机更换频率和原因做了透视表分析。
直方图：清楚了表示了大学生对每项功能的选择情况。
单因素方差分析：对三种手机品牌评分做了单因素方差分析，并做了评
分均值图。
描述统计方法：对购买手机时主要考虑的因素做描述统计，并绘出饼图;对国内外手机的选择情况做描述统计;对大学生了解手机的渠道做描述统计。
因子分析：对影响产品购买决策的外部因素做因子分析。
二.调查结果
(一)大学生手机消费的群体特征
1. 诺基亚倍受男女生欢迎，男女生品牌观大致相当。
调查发现，有20个人选择了诺基亚手机，其中男、女生分别为11人，9人，分别占37.93%和36%，而三星，摩托罗拉，联想和Oppo男女比例也基本相持，只是在其他品牌的选择中，男生明显高于女生。
详细数据见表1。
诺基亚手机在社会上公认的质量好、耐用，且不断扩张的功能也使不少人选择它，再加上价格适宜，所以受到男女生的厚爱也是无可厚非了。
摩托罗拉、三星、联想、oppo，则分别在外观，价格，功能等方面缺少一个学生所能接受的平衡点，所以接受率有所欠缺。
同样的青春，同样的时代，性别并不能成为一道明显的界限划分成两种认识观。
表1 男女生品牌选择交叉表
2.高年级手机价位选择高于低年级，大二学生更倾向于便宜手机。
调查显示，大一学生选择比较均匀，500元到元比例相当，而大二学生有43.75%选择500元以内的，比较简朴，大三学生有51%人选择1000人以内的，二大四学生有30%选择2000元以上的手机。
详细数据见表2。
大一新生刚进学校，对一切都很懵懂，各种心态都有，所以对手机的选择价位分别比较均匀且合情理。
大二年级学生体验过了新鲜，开始专心学习，对手机的选择以实用为主，少了很多花哨，所以属于简朴型。
大三年级生活，人际各方面都有很大的提升，且为了以后的发展也在尽力的扩展交际圈，生活需求相对而言要大了许多，所以对手机的要求也提高了。
大四学生，即将迈入社会，充满着对生活憧憬，而拥有一部好的手机至少是好的起点，好的寓意，更是工作中必不可少的。
表2 各年级手机价位交叉表
(二)大学生手机使用现状分析
1.手机更换频率及原因——更换手机主要是两年以下手机坏了。
电子产品的不断更新，手机也在不断的更新，大学生更换手机的频率也越来越快。
调查显示：其中手机坏了是被调查者选择更换手机人数最多的，人数超过一半有29人占53.70%;其次是手机掉了有12人占22.22%，其他同学追求时尚跟新鲜感的有6人，手机没有新的功能的有4人。
更换时间达到一两年是选择人数最多的，有25人占46.30%，可能是被调查中使用诺基亚的人数较多的原因;然后是两年以上的有18人占33.33%，比较少的是一年左右跟半年以下的。
可见当代大学生换手机很频繁。
结果推测：客观原因，就是手机质量问题，以及偷窃行为导致的手机丢失等，当然还有相当一部分主观因素就是年轻人喜欢追求时尚，赶潮流;为了打发无聊的时间就只能靠手机解闷，
所以对手机的功能也是越来越高;存在着一定的攀比心理，又换新手机;人情手机主要是指手机是别人送的，同学之间、男女朋友之间、亲戚朋友，由于学生收入来源相当有限，而手机本
身就是一种很好的礼品，所以人情手机风行，当然造成的结果就是将自己原有的手机淘汰或有钱后将此人情手机淘汰。
2.功能大全—打电话居高不下，短信和上网日趋变热，功能需求大。
调查发现，手机问世最终的目的——打电话，无疑是所有人的选择;手机短信非常热火，达到91%，似乎有战胜普通通话成为手机主要功能的架势而仅次于打电话。
有44人选择了上网占81%，;玩游戏55.5%听歌占77.8%，而看小说虽然只占20.3%，但我身边的同学却一点也不乏小说迷，且完全达到了废寝忘食的地步。
其他功能如：电子词典(汉英互译)，学生用计算器，笔记薄记录本(可储存公式或其他笔记)，智能时间表(计时、提醒)等等，这些也占很大的比重。
原因推测：学生生活单调和无聊，发发短信解解闷成了手机一族无聊时候的休闲生活;而同学之间、亲朋好友之间的联系现在也主要依靠手机短信，
打电话又太贵，所以手机短信就担当起了这个桥梁与纽带的.任务。
要想不被说成Out了，上网也是此不可少的功能，随时随地关注时事、踩空间、偷菜等级升的比谁都快等等。
在重重的学习压力下，听下歌放松放松也未尝不是一件美妙的事情，况且如今音乐爱好者比重也越来越大。
小说爱好者说这是比看视频更大的享受，并且比视频来的方便。
3.品牌效应——诺基亚居榜首明显优于三星和联想
诺基亚手机在校园里占有比例最高，而且评分也最高，与诺基亚在中国市场的总体份额基本一致，表明诺基亚凭其高品质在大学生消费群中取得了巨大的竞争优势。
而联想和三星则份额要少很多，这些结果表明，品牌深刻影响到大学生消费行为，特别是诺基亚。
三.影响大学生购买手机的因素分析
一般来说，影响消费者消费行为既有消费者自身因素也有外部环境因素。
(一)大学生的消费和个性特征
1.大学生的生活费来源于父母，没有经济收入——对价格优先考虑。
要大部分学生来选购自己真正喜欢的手机是不现实的，所以学生手机族只有委屈一下自己，主要把眼光放在了低价位而且有时尚感、造型好看具有较好功能的手机上。
既要时尚、实用又要便宜，对于手机和学生来说，这种条件的筛选都是极为苛刻的，要求在各个方面寻求最佳结合点。
故大学生在考虑择手机时首先看重的是手机的价格，如图2所示。
2.追逐时尚、崇尚个性，消费存在攀比心理——关注手机外观，关注国外品牌。
草书艺术研究与鉴赏论文
一、什么是草书草书，就是写得草率、快速的字体。按说任何字体都可以草写，都可以有草书，比如青铜器铭文中就不乏刻写得潦草的字；但是文字学所指的“草书”是一种特定的字体，它是从秦隶的草率写法发展而来的，大约在西汉中期形成，东汉时广泛流行。
梁武帝《草书状》里记载蔡邕的话说：“昔秦之时，诸侯争长，简檄相传，望烽发驿，以篆隶之难不能救速，遂作赴急之书，盖今之草书是也。”这是对草书之所以产生的一种解释。
早期的草书还带有隶书意味，称为章草。从东汉后期到魏晋时期，草书脱去了隶书笔画的痕迹，大量使用连笔，称为今草。到了唐代，草书进一步发展，写起来龙飞凤舞，奔放不羁，称为狂草。我们今天使用的一些简化字，如东、为、长、书、专等等，原来都是草书的形体。由于草书大量使用连笔，只存字的轮廓，以求书写神速，所以普通人难于辨认，影响了它的交际功能。因此，尽管草书出现较早，却始终没能成为通用字体，但它作为书法艺术之一种，一直为人们所喜爱。擅长草书的书法家有张芝、张旭、怀素等。
二、草书的艺术美感
欣赏草书艺术作品的标准，可以说并无定式。对于同样一幅草书艺术作品，因为不同的时代，不同的思想，不同的生活，不同的素养，不同的际遇，不同的悟性，不同的人就会有不同的标准；同样的人因早年、中年、晚年的差别，其标准也可以变异。尽管如此，前人通过长期的实践，把欣赏书法标准多有概括。有人归纳为四条：曰气韵，曰选材，曰墨色，曰装背。也有人归纳为六条：曰形体，曰魄力，曰意态，曰流派，曰才学，曰气象。我以为可以从以下五个方面作为草书艺术的欣赏标准：
1．线条美
“书法是线条的艺术”。书法的线条，尤其是草书的线条，更具有明显的特点。它不仅有形状上的区别，方向上的不同，而且还有疾涩、润燥、扁圆、质感、力度等多方面的差异。草书艺术线条的千奇百怪、变化莫测，最能表现出一个草书家微妙的内心感受。那么，究竟什么样的线条才明快愉人，给人以美感呢？
线条的力感
凡给人以美感的线条都是有力度、并富有立体感的线条。力感在传统书学中又称“笔力”。古今研习草书者反复强调正确“运笔”，归根到底，就是为了使书法线条显示有力，富于弹性（内有劲力的表现）。书法的线条应象“钟表中常运的发条”，而不可似“汤锅里煮烂的面条”，这个比喻告诉我们书法是“力的艺术”；线条的`力感，是草书艺术的生命。宋代米芾曾说：“得笔则虽细如髭发亦圆；不得笔，则虽粗如椽亦扁”。可见线条的美不在于粗细而在“圆”。“圆”则“粗而不重，细不为轻”，劲健而有活力；“扁”则呆板僵滞，不给人以美感。
线条的情感
“书者，抒也”。中国书法的点、划、线充满着活力，韵律和节奏，显现动人的表情美。所谓表情美，是书家和欣赏者双方在书法艺术上共同配合的视觉审美经验。一幅成功的草书作品，是作者凝神结思，蓄情而发，一泻而出的情感流露。“以情感人，用情作书”，是书法成功的不可忽视的重要因素。
例如宋人陈铎曾详细剖析过唐颜真卿《祭侄季明文稿》书写过程中的感情变化，认为前十二行“甚遒婉”，后六行“殊郁怒真屋漏痕迹矣”，至末五行“沉痛切骨，天真烂漫，使人动心骇目，有不可形容之妙，与《禊叙稿》（指晋王羲之“兰亭序”）哀乐虽异，其致一也”。情绪的变化导致了运笔节奏的跌宕起伏，书者通过笔墨书法将真情实感淋漓尽致地表现出来。
线条的节奏感
“一画之间，变化起伏于锋杪；一点之内，殊衄挫于毫芒”。草书如若粗细一致而无节奏的线条是不能给人以美感的，所谓抑扬顿挫，提按起伏，满纸云烟，虽寂然无声，却有音乐的旋律，这恰恰是草书艺术备受人喜爱的重要原因之一。历代书法家特别注意线条的主次对比，并往往将最能表现书者个性的笔画作为“主笔”以展示特有的美感。如颜真卿饱满的悬针竖，黄山谷一波三折的长横和大捺，米芾别致的竖勾等。此外还有大小、纵横、向背、偏正、疏密、粗细、浓淡、方圆等多种对比手法。
唐怀素《自叙帖》中“奔蛇走虺势入座，骤雨旋风声满堂”三行的节奏：第一行曲线多变的“奔蛇走虺”数字，几乎是一笔写就。欣赏者目循心摩，顿觉神思飞跃，激情奔放。第二行“势”字独立而左倚，下半部“力”字的一撇略收敛，尤如蓄势待发。“入”字两笔遒劲而富有弹性，猛然将笔意撑住。“势”“入”两字上下顾盼，相对映而呈稳定；这行节奏略缓，与前面一行“奔蛇走虺”形成曲直疾徐对比。第三行“风声满堂”六字又急转直下，一笔而成……这三行草书首尾相连，触人心目，引人遐思。
线条的呼应
“起笔为呼，承笔为应”。呼应之作用，在于将原来个自独立的线条贯通为有机的统一体。线条有呼应，就象有气在流动，就象被赋予了生命一样。传统的书学称为“引气”、“血脉”，提出以“首尾呼应，上下相接为佳”。如现代美学家宗白华所说：“能偃仰顾盼，阴阳起伏，如树木的枝叶扶疏，而彼此相让；如流水之沦漪杂见，而先后相承”。“这一幅字就是生命之流，一回舞蹈，一曲音乐”。
2．结构美
对结构的欣赏，一般的理解常常是结构是否整齐，是否符合于平衡对称的要求，实不尽然。平衡对称固然是一个基本要求，但结构美更注重平衡对称中又有变化，而且其变化是否有所创新，不落俗套。成功的草书艺术结构，既合乎平衡对称，各部份对比照应；又有长短、大小、阔狭、疏密、横直……种种富有新意的变化，从而形成一个多样统一的和谐。草字的不同形态，有稳重敦实，有开张游走，有刚劲挺拔，有婀娜飞逸，有的以“险绝取胜”，也有的于“平正”中见奇姿。草书的结构美正是通过笔画的基本线条和偏旁的配置得当而取得的艺术效果。这种搭配的技巧，就是寻求结构美的方法。
3．章法美
章法就是一幅作品字与字、行与行之间是否疏密得当，大小相宜。一幅章法讲究的草书作品，则能表现顾盼有情、精神飞动、全章贯气的艺术效果。知书者“观章见阵”。章即章法，是欣赏书法艺术的总体表现；阵是布白，即书写以外的空白之处。就章法而言，一点乃一字之规，一字乃终篇之准。通篇结构，引领管带，首尾相应，一气呵成。布白则是翰墨尘点的反衬，构成整幅作品的有机组成部份。巧妙的布白能使通篇产生游龙出水，云烟飘动的效果。有意识地运用错落有致章法的大家当首推怀素。这位狂放不羁、不守佛规、吃酒吃肉的唐代和尚在《自叙帖》中不仅线条结构有所创新，突出“雨夹雪”手法的精巧章法布白更具匠心。《自叙帖》共一百二十六行，七百零二字。全篇首尾呼应，一气呵成，势如长江大河，一泻千里，充份表现了怀素书时快意、自得、激奋的心态。 我们欣赏品评《自叙帖》的章法运用时，宜注重以下三点：（1）参差变化。每行字数不一，字间疏密错落，一行多则有八个字，少则只有两个字（即第一百零五行的“戴公”二字）。线条粗细浓淡多变，中间飞白频现，带有强烈的飞动感和弹性感。（2）牵丝映带。这幅狂草常见或两三字、或五六字、甚至整行连串为一组。字的单体结构被打破了，几个字或整行联属组成一个新的整体。（3）欹侧救正。帖中常见数行字向一个方向渐渐偏离中线，而在不知不觉中又开始拉回来，得以救正，欣赏者并不感觉突兀。
4．墨韵美
草书艺术主要以水墨线条表现其美。一幅作品有无神采，要看运墨是否灵活：即整行、全篇墨色之浓淡、轻重、枯润、明暗、薄厚、清浊等不宜完全一样。
墨色应随用笔的变化而变化，墨色多变给观者以视觉上的调节，使人感到笔墨似被赋予了生命，充满欢乐，生机盎然，欣赏者从而感到心胸畅快，情绪陶然。反之，一幅作品如若由毫无生气的一团“死墨”组成，则生命不复存在，欣赏者也只能感到郁闷、沉寂、静止。所谓“墨活”，是凭借用笔的变化，墨以笔为寄托，笔以墨来显现。笔中必须有墨，无墨则无神采；墨中必须有笔，无笔则无筋骨。
明董其昌的《试墨帖》可以说是欣赏者品评草书用墨的一幅佳作。全帖共四十六字，作者用墨之璀璨生辉，变幻莫测，堪令人啧啧称奇。“字之巧处在用笔，尤在用墨”。此帖墨色的变化，凭借线条笔痕的抑扬顿挫而跃然纸上：作品中有几处字为饱蘸墨汁所写：如“癸”、“雨”、“试”、“磨”；而每蘸一次，必书至墨干笔枯为止，墨痕丝丝可辨。全篇墨色由浓渐淡、从润至枯，起迄分明，变化自然。从陆居仁的《题鲜于枢行书诗卷跋》，也同样可以看出这种周而复始、断而还续的起伏交替的墨色韵律。
当代草圣林散之作草书常用长锋饱蘸浓墨后，复蘸少许清水：笔画之间，墨色沉着，淋漓氤氲之气如春雨扑面；白处虚灵，又似燥裂秋风，韵味无穷！墨色的起伏变化是一种节奏的艺术，一幅用墨的佳作常常会“墨分五色”，粲然盈楮，使人如临画境；会轻重交替，起伏跌宕，使人如闻清音。
5．意境美
在欣赏了笔墨结构章法之后，仍须进一步去把握整幅作品所特有的意境美。草书的意境美，指的是作品所表现出作者在精神、审美、风格，及对欣赏者产生的感染力的艺术境界。
一般地说，能使整幅作品形成一种鲜明的美的意境，是书法家在艺术上达到高度成熟的标志。试举苏东坡《黄州寒食诗帖》为例，全帖自首至尾，书家随着感情的起伏波动，书写的气势愈来愈盛，字亦越来越大。书作由平稳渐趋跃宕，具有强烈的节奏感和韵律美。在疏密对比上书者也新意萌生：一般常规是笔画少则字宜粗壮，给人以紧密感；笔画多则字宜纤细，给人以疏松感。苏东坡别出心意，反之而行。写到“哭途穷，死灰吹不起”最后八字时，书家感情到了一任自然，无法控制的程度：字写得既重且大，形成内敛外张、动荡不安的气势。书者这时把郁积于心中的苦闷、愤懑之情一并宣泄出来，尽付于笔墨之中。
我们说一幅草书艺术若能动人以美，就要求书家把炽烈真实的感情活动渗透到他创作的艺术形像之中。苏东坡的《黄州寒食诗帖》所以颇为后人推崇，是因为它真实地映照了那一时代的书风和书家尚意写情的美的意境。
三、字与人、书品与人品
草书艺术最能表现“书如其人”。
刘熙载的《艺概》说：“书，如也。如其学，如其志，总之曰如其人”。“书如其人”，道出了书法艺术创作的个性特徵。书家的思想性格，表现为作品的创作个性，又常称为“书法风格”。为什么会“书如其人”呢？首先，草书作品风格的形成与书家的思想性格有密切联系，因为其思想性格对形成他独特的审美情趣、表现手法、艺术语言有着重要的决定作用。其次，草书作品风格的形成与书家的生活阅历紧密相关。再三，作为表情艺术的草书，书家的思想感情亦是作品风格形成的另一因素。作品能显现书者的修养、才干、性格、爱好。 情性不同造成书法形质的不同：拘谨稳熟写字亦拘谨而乏新奇；纵逸豪爽写字常剽勇而超越常则；捷思敏行往往写字快速然底蕴歉深；老成持重则字显羞怯而乏飞动之态；简峻之人，写字挺倔而不遒劲；缜密之人，字迹不能超逸；温润过于妍媚；雄伟缺少媚动；流丽多偏浮华；婉畅常欠端厚。对书家思想性情的了解，有助于在更高层次上欣赏作品的个性美、人格美，更深一步地领略作品的意境美。颜真卿的《刘中使帖》的内容是说书者得悉两处军事胜利，感到非常欣慰。全帖笔画纵横奔放，苍劲矫健，有龙腾虎跃之势。前段最后一“耳”字独占一行，末画的一竖以渴笔贯穿全行，不禁令人想起杜甫在听说收复河南河北的著名诗句。
元书法家鲜于枢说：看了帖中的运笔点画，“如见其人，端有闻捷慨然效忠之态”，此帖和《祭侄稿》一样都是“英风烈气，见于笔端”。
书法因人而贵，因人而传，历史上正面例子很多。晋王献之身上有乃父羲之“骨鲠”遗传，拒为丞相谢安新建的太极殿题榜，被传为佳话。唐虞世南供职朝廷，曾谏劝唐太宗“二勿、二不”，太宗称虞有五绝：“一曰德行，二曰忠直，三曰博学，四曰文词，五曰书翰”。后人评论他的书法气秀色润，意和笔调，柔而不渎，如其为人。岳飞雄健酣畅的草书《诸葛亮出师表》鲜明地体现了他精忠报国、收复山河、横扫千军的报负与豪情。
书以人贵，也可以从反面事例得到印证。宋代四大书法家“苏黄米蔡”的蔡原是蔡京。
蔡京写得一手姿媚的字，却因是大奸臣，后人耻其为人，而以蔡襄取而代之。明末张瑞图的草书独具魅力，惜其品行可鄙，为后世所不齿。近人汪精卫字迹秀丽，孙中山的遗嘱即由汪楷书记录，但后来失节，人们看到其墨迹就对其投敌献媚而恶心。书法与人品紧密相关，此提醒、勉励治书艺者宜不断净化心灵、砥砺情操，把自己塑造成品德高尚的人。
艺术经典与传统文化的研究论文
中国书法与绘画艺术源远流长，是中国传统文化的重要组成部分，从人类文明开始以来，书法与绘画就在不断发展、不断演进并记录着人类的文明足迹。我国古代书画起源问题，都是从伏羲画八卦和仓颉造字开始的。[1]唐代文艺理论家张彦远在《历代名画记》中也谈到了书画关系，那么它们之间的关系到底是怎么样呢，这是一个值得思考探讨和研究的问题。书画是否同源，它们之间的同异又是什么，这些问题一直都存在着不同的观点和认识。在《历代名画记》中张彦远就从“书画同源”以及“书画用笔”等方面进行了研究，并提出了自己的观点见解和相应理论论述。他认为绘画是社会意识形态的组成部分，是社会文明的一种现象和反映，有教化人伦的作用，并且与社会的文明也有一定的关系，而且绘画还可以表达出文字的内容，对人们以后的道德伦常及记载历史都有着重要的作用。
张彦远在《历代名画记》中提出“书画同源”的思想，在《叙画之源流》中写道：“按字学之部，其体有六：一古文，二奇字，三篆书，四佐书，五缪篆，六鸟书。在幡信上书端象鸟头者，则画之流也。颜光禄云：图载之意有三：一曰图理，卦象是也;二曰图识，字学是也;三曰图形，绘画是也。又《周管》教国子以六书，其三曰象形，则画之意也。是故知书画异名而同体也。”[2]他在这里指出了书画是同源的，虽然具体表现出来书法文字是象形的，绘画是图形，但一样都是能表达出人类的思想情感，并且绘画能够更加生动、形象地表现出文字所要表达的内容。可以说，中国画(尤其文人画)离开了书法的用笔，绘画也就很能独立存在。但是对于张彦远所说的书画同源关系，在相关资料中发现，一些人并不认同这个观点。认为绘画的历史要远远早于文字，在新石器时期的彩陶中就出现了绘画，而那个时候并没有出现文字，古人通过这种方式来表现日常生活状态与社会文明。而以学界共识文字的成熟应以甲骨文始，而书法的成熟大约在魏晋。笔者认为不必去追究谁先谁后，作为艺术形式只要能够表达出我们所要表达的内容，能抒发出我们的思想情感和表现传达出一种美感，就够了，它们都只是记录文明的一种方式。在人类的文明进程中，书法与绘画都是用来记录人类文明的工具，记录社会所发生的变化，它们都是用来记载历史的工具，同时也是人们抒发表达思想情感和宣泄情绪的方式。
书画的'另一个相同方面就是在用笔上的相似性，张彦远在《论顾、陆、张、吴用笔》中就提出：“昔张芝学崔瑗、杜度草书之法，因而变之，以成今草，书之体势，一笔而成，气脉相连，隔行不断，惟王子敬(王献之)明其深旨，故行首之字，往往继其前行，世上谓之一笔书;其后陆探微亦作一笔画，连绵不断;故知书画用笔同法。”[2]用笔是中国画的主要造型手段和表现形式美的手段，张彦远认为舍弃用笔的画不可取。南齐谢赫在其“论六法”中也谈到了用笔的重要性，“夫象物必在于形似，形似须全其骨气，形思古气皆本于立意而归乎用笔。”张彦远在看待书画用笔方面，他觉得书画用笔有很多相似的地方，两者都在强调气韵。而中国画强调的就是气韵、意境，在绘画当中很多用笔都是需要用线来塑造的，但是不同的线条与力度所表现出的感觉也是各不相同，这就需要书法的练习才能掌握国画中的用笔。所以，学习中国画之人都是先从书法开始练起，所谓善书者必善画，善画者必善书。看似书法是一个个独立的文字，但是从另一个角度来看，书法不仅仅是书写文字这么简单，它还是另一种抽象的图画，在用笔方面需要先将书法练好才能在绘画中更好地掌控线条，也就是中国画所说的笔墨，这样才能在绘画中更好地将线条的柔美、刚劲、韵律表达出来，只有很好地掌控笔法才能在绘画中更好地将笔墨情趣和力度美最大限度地发挥表现出来。例如，苏轼、赵孟頫、八大、徐渭、扬州八怪等等皆是书画兼善的书画艺术大师。现代国画大师李苦禅也曾说过：“书至画为高度，画至书为极则。”
中国书法与绘画所用的材料工具也都是相同的，都是笔墨纸砚，笔与墨及纸张的选取，两者也都是一样的。郭沫若在为安徽一宣纸厂题字时写道：“中国的书画如果离开宣纸则无从表达艺术的妙味。”所以，两者之间是相通的，不过是同源异流而已。笔墨线条是中国书画中的重要组成部分，无论是书法中的草书、楷书、隶书、行书等都是由线条所组成，而在中国画中线条更是能将画面营造到一种妙境高度。谢赫在“论六法”中写到过“骨法用笔”，也就是用笔的力道。赵孟頫在题画诗中也写道：“石如非白木如籀，写竹还须八法同。”和“结字因时相传，用笔千古不易。”的观点。由此可以看出书画中笔墨线条的重要性，也是两者都在追求的。在用墨方面，绘画中更注重笔墨的运用配合，这样才能将皴、点、擦、染、干湿浓淡更好地配合起来，反映在具体作品中。在书法中也是需要笔法间的相互配合才能把作品完善，而且在用笔时，运笔快速带过会留下非白，这种效果在书法中很常见，同样在绘画中也可以用到，一般我们在作画或者书写的时候第一笔往往沾有很多的墨，浓墨与水结合达到一定饱和度时再去书写绘画效果是不一样的，而往往在国画山水中常常会有这种浓淡墨的效果。
在中国绘画中书法也是画中必不可少的，中国画的“画”称“写”，一方面因为练习书法可以帮助提升绘画中线质，同时中国画中的题款也是非常重要的。中国画讲究诗、书、画、印结合，每一幅完整的作品都需要书画的配合，作为中国文人画，仅仅画完一幅作品如果没有题款好像少了什么，款识也是画的一部分，起着调整构图作用，也就是谢赫所说的“经营位置”，每位书画者都需要考虑构图，这样才能让作品更好地展现出来，因此书画就不得不又被统一在一起了，所以说书画根本就是分不开的。
在看过张彦远《历代名画记》中的书画关系后，我们可以得出结论，那就是书画有着一种源和流的分不开的关系，是同源异流而已，它们关系非常的微妙，你中有我，我中有你。纵观我国上下五千年的历史，从史前文明到现在，文字与绘画对我们不仅有记载文明足迹的作用，更是民族精神的火炬，时代前进的号角。对促进社会文明，反映民族风貌都有重大意义和作用。现如今社会都在大力提倡继承繁荣中华的传统文化，许多中小学也都开始增添了书法教学课程，人们渐渐也都认识到传统文化的重要性，在笔者看来这是对中华传统文化的一种传承，我们应该多去了解本民族自身的传统文化，书法与绘画既能修身又可养性，我们应该多去了解书法绘画的知识，在继承的过程中将其传承与创新。为此，我们应该将书画艺术继续传承和发扬下去，为中华文化增添一份光彩，贡献一份力量。
艺术与生活方面的论文
艺术源自生活。艺术作品是艺术家的自律意识通过一定的艺术手段而产生出来的独特的艺术产品。然而作为艺术的特殊形式——绘画，在表现生活和传达情感上，与文学相比，却要更为直观，尤其是架上绘画、雕塑等美术作品。
艺术与生活方面的论文篇1
浅谈中世纪末的艺术与生活
摘要：研读过《中世纪的秋天》后，笔者通过对中世纪的艺术进行分析研究，将中世纪的艺术形式、特点进行了盘点和说明，发现中世纪的美术与文学作品相比，
对生活和历史具有美化作用，更好的宣扬和平;同时总结出中世纪艺术的特点：宗教性和表现性;应用型艺术在中世纪艺术中占有极大的比重，得到了很好的挥发，从而也寄予人们的宗教文化和对现实生活的情感表达。
关键词：宗教;美术;应用型艺术;中世纪艺术
笔者最近研读了约翰·赫伊津哈的《中世纪的秋天》，这是一本研究14和15世纪法国与荷兰地区社会的生活、思想与艺术的著作，书中所包含的内容非常的繁多，
尤其涉及了欧洲的基督教文化、古典人文主义思想、世俗宗教生活和宗教习俗、文学和艺术史以及众多的历史人物等，较为全面的介绍和概括了中世纪时期的人文艺术与生活。
笔者将从中世纪艺术，尤其是绘画方面着重进行展开讨论。
一、美术美化生活和历史
中世纪晚期的两个形象有着深刻而巨大的差异，一个反映在艺术里，一个来源于历史和文学。
艺术高于生活，也源于生活，只有依托于生活本质的艺术才是真艺术。
书中提及勃艮第文化，了解中世纪晚期的法兰西——勃艮第文化的最佳途径则是艺术，尤其是绘画，而绘画题材和内容均来自生活，可见物质世界对精神世界的指导和决定作用。
虽说与艺术息息相关的文学，包括历史著作和小说，它们都以自己独特的方式在诠释和演绎生活，在历史著作中，比如巴郎特的《勃艮第历代公爵史》塑造的是阴森而沉郁的形象，
历史总在记录可怕的人性面。
然而作为艺术的特殊形式——绘画，在表现生活和传达情感上，与文学相比，却要更为直观，尤其是架上绘画、雕塑等美术作品。
中世纪的美术作品中的画面和形象较为平和、宁静，它将历史的阴暗面有所转化和美化。
故而相比较而言，“时代在美术作品里的形象总是比在诗歌和历史作品里的形象光明。
美术是我们感知历史的主要来源，美术作品不会像文字一样对世界苦难的哀婉叹息总是保留着悲伤不满的调子，它会随着时间和历史的推移而慢慢消逝”[1](P.303)。
二、宗教性和表现性
中世纪美术是西方文化的特殊表现形式之一。
它改变了希腊美术、罗马美术的传统，并在发展中逐渐形成自己的形式和内容体系，成为特定时期人们生活、观念、思想、感情的特殊形式的表现。
而宗教性和表现性就成为中世纪美术的两大特点。
中世纪，残存的美术作品不多，但在中世纪晚期，艺术仍然是生活不可分割的一部分。
那时人们追求的并非艺术本身，而是美好的生活。
“在艺术中，人们发现了生活中的平和善良与生命的激情、意义，使他们暂时忘却了生活的烦恼和愁苦。
当时生活的甘苦有固定的形式：宗教、骑士精神、宫廷爱情，而无论是生活还是艺术之美都依靠和源于这些形式。
”[1](P.304)“现实的生活离不开人，生活的美因人而异，是人使生活灿烂缤纷，使生活艺术化、审美化。
”[2]人是有意识在进行着活动，在人们的审美活动中总是伴随着各种心理活动——情感、愉悦、想象等。
人们总是在寻求精神世界的慰藉，总是在追求轻松愉悦的生存和生活状态，面对现世的残酷和种种的不公，他们也在逃避，而宗教信仰成为了人们坚信不疑的精神支柱与力量，把命运交给上帝成为他们避世的最好方法，而在艺术作品中所出现的宗教题材也就不难理解了。
骑士精神和宗教爱情，是释怀也是束缚。
表面上看来，拥有骑士精神，那是一个人彬彬有礼和英雄行为的表现，是一种高贵的气质和教养，而在底下，是很多绅士的无奈，这种程式化和规范化的行为中，是对人自由行为的一种捆绑，是对自己信仰和忠义的考验和强制性的统一，无异于今人所言的“灌溉思想”。
而宫廷爱情，很难讲是不是真正的爱情，也许也有真感情的存在，但不可否认的是，利欲追求而导致的包办式爱情是宫廷爱情的普遍现象，
还有自己选择感情归宿的权利吗?答案更多的恐怕是否定的吧，这种为人的基本权利都没有的生活，又何言其幸福和快乐呢?在艺术中，势必要对这些现象和事实进行反映和表现，
这种基督教美术，不注重客观世界的真实描写，强调所谓精神世界的表现。
为此，它往往以夸张、变形，改变真实空间序列等多种手法来达到强烈表现的目的。
三、应用型艺术的挥发
在中世纪，人们对艺术的感受还不是艺术之美本身。
当时的大多数艺术还是应用型艺术，即使是那些我们今人认为因自身而存在的艺术作品也是应用型艺术。
无论是艺术家还是普通人对艺术的渴望也都是来源于生活。
在15世纪伟大艺术品的鉴赏里，尤其在祭坛艺术和墓园艺术的鉴赏里，中世纪人远远不只从审美的角度去欣赏。
艺术品的重要意义和实用功能远比其艺术性重要。
它们之所以美丽，那是因为它们是圣物，或具有崇高的实用功能。
在艺术作品中所出现的宗教痕迹和物品不仅是人们审美的需要，更是精神寄托的需求。
我们所说的精神是把它在它自己的意识中呈现出来的形态提高到意识自身的形式，并且把这样的意识形式提到自己前面，工匠放弃了综合性的工作，即放弃了把思想和自然这两种不同性质的形式混合在一起的工作。
当精神的这种形态赢得了具有自我意识的活动的形式时，它就成为精神的工人。
人们在精神上得不到满足的时候，意识形态中就指引他去寻求精神的寄托，生活作为万物的承载圈，而宗教、上帝则是当时人们生活中占有首要地位，势必宗教在当时成为艺术家挖掘素材的首选，而宗教艺术也成为一道亮丽风景。
艺术家创作出来的作品通常是用来供人欣赏的，但有些作品主要是供人使用的，也就是上面提到的“应用型艺术”，这是不单为了视觉上的美感而作的，同时也考虑到了实用性的功能，比如说宗教艺术、雕塑、印刷品。
艺术家进行创作，其灵感来源与各方面有关：神话与传说、想象、艺术家自己的内心与想法、真实世界的事件和人物、雇主委托的意见。
而这些通通都来自我们最亲近的生活和现实世界。
文中又提到说，在葬礼的过程中，由活人装扮逝者，“模拟逝者生前的'情景”，从而满足悼念者对逝去亲人容貌的渴望。
可以说，这是一种行为艺术，一种再现生活的行为艺术。
可见行为艺术不是当代艺术所特有的，早在中世纪就流行了。
我们也就不难发现，当时一件作品几乎总有一个具体的目的和宗旨与日常生活相联系。
但遗憾的是大师的艺术作品和一般艺术家的作品能保存至今的终究是极小一部分，而且是相当特别的一类才得以流传下来。
这些作品主要是墓碑、祭坛画、肖像画和细密画。
在中世纪晚期，法兰西——勃艮第文化是那种用华彩替代美丽的文化。
这个时期的艺术忠实地反映这个时期的精神，这种精神有它自己的发展道路。
中世纪晚期思想的基本特征：热烈的情绪、认为一切细部是独立实体的倾向、全身心地投入对象的多样性和多色调的描绘。
相反，文艺复兴人对艺术和生活的新的感知却抵制中世纪人的这些特征。
中世纪人往往把美的观念回溯到完美、合比例和华丽。
中世纪人追求豪华的口味可谓令今人叹为观止，即使是在现存的一些艺术作品中，也不难发现其中的豪华倾向，从中我们也更好地感受了当时生活中铺张和炫耀的成分，对于理解和认知当时的生活情境起到了很好的作用。
今人能够确认个人自己的生活观，可以在自己挑选的休闲时刻，尽情享受生活的欢乐。
但在那个精神享受分布极端不均、许多人难以得到精神享受的时代里，为了焕发新的活力，社会就需要一种群体行为：节庆活动。
油画艺术的研究与探索论文
文化表现力与综合修养有关,与文化积淀相联,从这个大视觉来看,对油画的文化表现力的关注具有重大意义,我们可充分利用赣南客家的民俗文化传统资源,找准某个切入点,找到与当代的民俗文化的契合点便会有新的创造,外来优秀文化是人类共有文化,在不丢失自主传统民俗文化的情况下,融合吸收,增强油画的传统民俗文化表现力,从而高扬赣南传统民俗文化精神和理想,从内因上加强绘画对当下现实的批判和审美功能,所谓“笔当随时代”,应成为当代民俗文化的一个序列。
油画发展创新的前提是“传承”。“传承”包括对传统民俗文化的继承和外来油画自身所具有文化特征、特别是油画语言特性的继承。“融合”内容应是借助当代多元文化的语境对传统文化进行重新审定,在被认识的过程中完成重建的目的。艺术是离不开特定时代的,一个成功画家的艺术灵魂就是要有一种主体性的文化精神力量,处在不同时代,不同的人,应对艺术有着不同的文化理想和追求,但是其主体文化精神是不变的,是根。油画作为一个外来画种,其引进的过程也是与本土文化进行不断融合的过程。如何对传统民俗文化从当下现实中寻觅更具本土意义的思想观念和文化主题,以创造更具民俗特征的赣南油画,更好的促进赣南油画艺术的发展。对传统民俗文化,林风眠的可贵之处在于,他没有限于当时的历史局限,而是把中国艺术的发展同世界新艺术的发展联系起来。他认为:“绘画的本质是绘画,无所谓派别,也无所谓中西。”他是站在传统民俗文化的立场上用自信的眼光平等地看待西方艺术的。所以,对传统民俗文化的研究、学习,以及对艺术语言当代性的追求,是一个艺术工作者应具备的品质,也是赣南油画艺术家所应具备的品质。我们要在融合赣南传统民俗文化和当代文化的同时,更多地关注当下的赣南社会现实,把握变动的时代脉搏,创作出更多具有时代气息的.油画作品。
20世纪90年代以来,中国油画一直试图确立自己的“本土性”,但长期以来在西方油画语言的影响下,举步维艰,而受当代艺术观念和世界性的后现代思潮的影响,使我们有了新机遇,开始重新审视中国区域传统民俗文化艺术。在这种历史背景下,对于当代油画创作者来说形成“宽视野,深扎根”的创作原则是必然的选择。艺术家要想创造出具有独特魅力的艺术作品,他就必须走出尾随他人的怪圈,深深扎根于自己最能发挥敏感性的文化资源之中,并按照个人的真实性情,最为纯真地进行艺术创造。艺术来源于生活,通过赣南传统民俗文化艺术资源,来强化油画作品的民俗性和地方特色,从而充分展示独有的艺术魅力。艺术家要做到深扎根,首先要对本民系中的传统民俗文化资源做真切的现实感受,从而转化为艺术的精神能量,成为艺术创新的不竭源泉。由于现实生活既是民俗性的,又渗透着现代性,所以,对艺术家来说,这是最宝贵、最重要的艺术源泉。充分利用这种优势,强化真切的体验,才会使自己的艺术创造显现出特殊的艺术魅力。要下大功夫学习赣南传统的民俗文化艺术,清醒地认识这种传统民俗文化的长处与短处,熟悉、领悟民俗生活中的艺术精神,这是在艺术变革中保持传统民俗文化的血脉,不丧失民俗艺术特色的重要途径。传统民俗文化艺术中保留着属于我们文化遗传基因的特性,那是本民系先人审美文化创造成果。尽管随着时代的发展、演变,许多东西已不适用,但其中具有生命力的东西,完全可能唤醒民族气质共有的特殊敏感性。每一种文化既有自己的长处,也会有自己的短处,如果一个艺术家完全抛弃属于自己优长的东西,而试图通过完全摹仿别人的优长来与其比高低,他注定是个失败者。明智的对策自然是扬己所长,补己所短。
充分利用油画语言的特性,发展具有地方特色的油画艺术,传承客家文化,油画语言创新的着眼点应是首先确立自己的主题精神,强化自己的话语方式。从油画语言所固有的表现力与张力,切入赣南传统民俗文化层面,树立一个传承与发展,成为人类传统民俗文化共有的一部分,而不是依附,以赣南传统的民俗文化方式行事,做出对当代文化精神和文化理想的自主性反应。
当然,民俗意识、民俗风格是自然而然的东西,不是可以任意外加进去的什么“佐料”,只要民俗精神不泯灭,油画及一切外来艺术样式总归要渗入民俗性,这几乎不是以人的意志为转移的,所以,我们的艺术创作都有自己的质的规定性,都应与传统民俗文化的深层相连而呈现鲜明的民俗气派,民俗性应是一种必然的,无须改正的品质。油画语言所呼吁的文化是代表一定民俗特点的,反映其理论思维水平的精神风貌、心理状态、思维方式和价值取向等精神成果的总和。民俗文化表现力是画家对传统民俗文化与外来文化融合吸收后,在当代艺术创作中所体现出来的时代精神和人文理想。在赣南传统民俗文化中创造新形式和对现代艺术形式的“本土化改造”,将西方近现代油画表现形式,通过自己的感悟、转化、发展和独特创造,努力建立起有赣南本土民俗文化特色的油画表现形式。以民俗化的绘画立场,致力于在绘画中追求赣南本地传统民俗文化的自觉和成熟,以富于智慧性的民俗化思考。充分认识到失去民俗传统文化品位、品性的绘画是没有生命活力的绘画。因此,我们以在民俗化基础上不断创新,在不脱离传统民俗审美意识形态下发展内在的、恒久的精神“生产力”。
赣南民俗传统油画创作的代表之一,赣南师范学院美术学院江锋教授,自幼受赣南民俗文化艺术的浸润和熏陶,对赣南地区民俗传统文化有着深厚的感情和独到的见解,擅长油画,在业务上始终专注于欧洲传统油画艺术语言的研究,勤于创作实践,其作品主要表现自己所熟悉的客家民俗风情,尤其关注人的生存环境、光色变化及鲜活的人和物状态等生活原始素材,并在艺术思想和创作实践方面有所拓展。代表作品有《客乡女》、《围屋情》、《山乡细路》等。
《客乡女》表达了赣南客乡妇女丰收后万分喜悦的淳朴心情,石磨是赣南地区最具代表性的民俗生活器具,也是当地居民特别钟爱的日常生活用具之一,画家以夸张的创作手法利用油画颜料的特点真实生动地表现了这一热闹场景,每个人的表情、动作、神态、穿着都体现了赣南客家日常生活中民俗文化的特色,包括头饰、衣服上的装饰花纹及样式等。既表现了自身的特点,又表现了赣南客家妇女热爱生活、奔放豪爽的形象与性格特征,最普遍的生活场景在作者的画笔下得到了艺术的再现。从江锋先生的作品中可以看出创作的真诚所在,他曾说过:“只有真诚地对待生活,真诚地对待绘画创作,才能找到适合自己的创作道路。”
画家运用客家民俗传统文化元素进行油画艺术的研究与探索,在观念与技法的融合下创作出了有代表性的艺术作品。作为油画方向的研究生,我们有义务,有职责以弘扬客家文化为己任,以油画为载体,充分发挥赣南客家传统民俗文化的优势,积极挖掘客家美术题材,努力创作具有浓郁地方特色的客家美术作品,描绘客家美术的人文景观、民俗风情,并通过文化认同,增强与海内外客家人的联系与沟通,向世界奉献更多精美的客家美术画卷。将赣南客家油画艺术推向更高的顶峰。
艺术运动与虚无美研究论文
人们在进行艺术欣赏时，最忌作品的直白浅陋、一览无余、不耐咀嚼，因为这样不能得到领悟的喜悦。唐代诗人白居易的“此时无声胜有声”之所以成为千古名句，柳宗元的《江雪》之所以倍受青睐，都缘于人们对含蓄无穷的审美意境的追求。一切艺术作品都是为了创造这种艺术境界。一方面是实有的艺术境界；一方面是虚无的艺术境界。任何一部作品都是这种实有境界和虚无境界完美的统一，且二者相辅相成，最终形成一种既清晰明确，又含蓄无穷的艺术特质，这种艺术特质我们称之为“虚无美”。
这种“虚无美“，广泛地存在于各类艺术作品之中，有时表现在实生虚，有时又表现为虚生实。比如王昌龄的《初日》诗云：”出日净金闺，光照床前暖，斜光入罗幕，稍稍亲丝管，云发不能梳，杨花更吹满。“诗中的主人公是一位少女，但作品中并没有直接描写她，而仅以“云发”二字暗示，然而，一切的美都属于她，都烘托她，她是一个掩映在作品中的“虚无美”，但却那么光彩照人。这个“虚无美”是由作品中所描写的“实”烘托出来的，是读者根据作品中所描写的“实”感觉到的。艺术的辩证运动，使得实可以生虚，而虚也可以生实。如被称为“剩水残山”的南宋马远、夏圭的山水画，大多取自然景色中的一角半岩或半截树枝，画面大部分是空白，或者是远水平野，只一角有一点点画，但观之却觉得辽阔无垠而心旷神怡。白居易《琵琶行》中“此时无声胜有声”的诗句也是与这些山水画“妙在无处”的空灵之境异曲同工。都是由“虚”而生成的“实”所形成的“虚无美”。
“虚无美”不仅存在于各类艺术作品中，而且广泛地存在于艺术创作、艺术欣赏的客观实践中。作家在创作过程中所感受到的艺术境界——“虚无美”由流动状态变为静止的凝定状态而饱含在艺术作品中。因此，创作过程实质上就是追逐和创造“虚无美”的过程。在艺术欣赏中，艺术境界——“虚无美”又开始由凝定的静止状态活跃起来。此时，欣赏对象夺去了欣赏者的全部注意力。在欣赏者的思维中，只有欣赏对象忘记了自己，甚至连欣赏对象—一艺术作品的物质材料、物质载体也都在淘汰之列，从而也达到了物我两忘的境界。那么，此时占据欣赏者整个意识的就只有艺术境界——“虚无美”了。因此，“虚无美”是以艺术作品为中介，在创作者和欣赏者，古人和今人，今人和未来人的想象中，无限展开的美的意境。艺术中的虚实相生就是为了创造这种“虚无美”的境界。“虚无美”是作家创作孜孜以求的，是欣赏者沿波讨源努力追寻的，作家艺术家追求它，是因为艺术活动是一个特殊信息的制造、保存和传达的整体延续过程。作品具有“虚无美”方能给读者的思想遨游以广阔的天地。作品浅显直陋，不耐咀嚼，欣赏者便得不到领悟的喜悦。艺术欣赏是在感受基础上的想象活动和体验活动。作品没有内在的丰满和自由，“不能把欣赏者导向渺无边际的美的思绪中体味生活的悲欢、探寻生活的哲理，是无从获取审美愉悦的。艺术欣赏是一种精神享受，没有享受的愉快便不能把人的思想导向至善至美的精神境界。作家、艺术家追求“虚无美”，还因为艺术传达生活具有又有尽又无尽的两重性。客观世界是一个具有多方面联系、无限展开的生息过程。
作家、艺术家追求“虚无美”更在于艺术不同于科学认识，它情动于中而形于外，语言以及一切艺术媒介仅能表达感情于万一。因此，在艺术中，有时千言万语尽在不言中反而能取得“秘响旁通，伏采潜发”的艺术效果。休止、停顿反倒“此时无声胜有声”。匈牙利电影理论家贝拉巴拉兹在《电影美学》中说：“在影片里，沉默可以成为非常动人的效果，可以起多种多样的作用一个无声的眼色可以传达无限深情，无声的人像反而更有表现力。”欲哭无泪反而是悲痛至极的表现。辛弃疾《书博山道中壁》词云：“少年不识愁滋味，为赋新诗强说愁，而今识尽愁滋味，欲说还休。欲说还休，却道‘天凉好个秋’！”。李煜的“剪不断理还乱”的离愁别恨是以无言“独上西楼，月如钩”出之。鲁迅在《为了忘却的纪念》中写到，听说柔石等五位革命青年被害时，被压抑得说不出话来，仅用“原来如此”四个字和一个表示无比愤怒的`感叹号、一个无语哽咽的省略号来表达自己震惊、愤怒、悲痛、惋惜之情；“原来如此”中蕴含着千言万语，省略号里包含着多么复杂的思想情感；“欲说还休”的后面大有逼人三思的深意。
因此，艺术中睿智的沉默，往往胜过千言万语；诗篇中的空行或虚点，有时能比文字传达出更多的意念；绘画中的残缺、空白，往往会生发无穷的意趣；音乐中的停顿有时能比音调表达出更多的情感空白、休止、省笔、沉默正是为欣赏者留下茫无边际的美的思绪的再创造之地。艺术运动中的“虚无美”存在于数千年的艺术实践中，依附于物态化的艺术作品中。它是一种真力弥满、沛然浩大、幽深浑茫的思幻美，是一种有限融入无限，感情升华为崇高思想，思想邀游于至善至美的境界的无我之美。它把欣赏者的思绪高飞远引，导向光辉的理想境界，忘却平凡和卑屑，获得内在的精神的丰满和完善，给人们的思想遨游和人生哲理的探索创造出一扇通向至善至美的精神宇宙之门。
艺术传播与大学生校园文化建设研究论文
摘要：近年，中国经济的迅速崛起，不仅使民族经济得以高效迅猛发展，还使广大人民群众在生活水平上得以快速提高，人们在的衣食住行消费上产生了极大的需求心理，需求带动消费，“衣食住行”首当其冲，社会审美价值改变了人们对于服饰美及服饰文化的理解。服饰文化是人类重要的物质文化之一其中有包含着人类精神文化的因素，服饰能够直接反映文化的变迁。随着社会的发展，服饰在社会生活中扮演着越来越重要的角色。它不仅是一个人身份的象征，显示出一个人的地位，还体现着一个人对于美的需求，同时，人们对于服饰文化自身所拥有的精神文化因素要求越来越多，人们通过美丽的服饰装扮自己，增加对自己的自信，而服饰文化的艺术传播则显得尤为重要。
关键词：服饰文化；大学生；校园文化
一、大学生服饰文化在校园文化中的地位
校园服饰文化是校园文化的一个重要部分，是一种不同于大众时尚文化的特殊文化，它强烈地反映出学生在这一特殊环境下所拥有的特殊审美观念、时尚观念以及着装观念。1.大学生服饰文化能反映出校园的精神文化。校园精神文化占据校园文化的核心地位，是一所大学的精神面貌的集中反映。而服饰穿着在人的身上就被赋予了特殊的思想，不同的服饰不同的搭配就能够体现出一个人不同的气质，而大学生对于服饰的选择无不显现着自己的审美意识、审美习惯、审美追求，所以从审美的角度出发，对服饰美的追求体现出大学生的内在心理和对于美的欣赏与价值观，服饰穿在身上就像赋予其生命，不同的类型形成了校园中不同的风景。2.大学生服饰文化能够反映出校园文化建设的整体水平。在校园这个特殊的氛围环境中，举办多样化活动就成为大学生展示自我的平台，而从服饰方面就能够更直接反映一个人的审美能力，在校园文化建设里大学生对于自身的穿着搭配停留在怎样才能通过服饰展示自己，在某些特定的场合也会体现出服饰文化带给我们质的改变，整体环境的变化拥有促进校园文化建设的作用，提高校园文化建设的整体水平。
二、大学生服饰风格的研究现状
1.时尚前卫风格。大学生着装引领着校园服饰文化的潮流，这是校园服饰文化的一显著特点，他们追求时尚着装，必然会带动消费的时尚，有些大学生追求品牌、偏好名牌，追求前卫潮流、个性的服饰，显现出随性，标新立异的特点，而有一部分大学生追求特立独行，与众不同的性格爱好，追求特别夸张而又不显张扬的服饰，各种各样的群体在校园服饰文化中都建立了自己独特的特点，展示校园的文化形象。2.单一的服饰风格。大学生服饰中的时尚和简约，体现出良好的精神风貌，但也存在一些问题，例如，服饰的单一化，曾经做过一份调查研究显示，在大学大一、大二学生群体中，对于穿着类型的调查，拥有70%的学生穿着的运动服，15%的学生穿着休闲服装，另外15%的学生穿着一些比较前卫时尚潮流的服饰，同时，他们对于服装类型喜好的调查研究显示，65%的学生喜欢前卫运动休闲装，20%的学生喜欢一些品牌效应下的时尚服饰，15%的学生喜欢成熟稳重的服饰，服饰的单一显示着学生的对于美的追求，以及审美观念在大学校园这个特殊的环境氛围下有一定的影响。
三、服饰文化的艺术传播
校园的文化精神是由教师与学生构成，大学生作为未来国家需要的精英群体。服饰的艺术与审美功能以独特的文化内涵理念影响着大学的文化建设，学生群体的穿衣打扮在新时期社会发展中体现着大学文化的精神。大学生群体对服饰认识与理解较为前卫，标新立异的穿衣方式体现着自身的与众不同。1.服饰传播对大学生的影响。服饰作为一种传播媒介具有传播文化的功能，随着社会的发展，各种政治经济、文化的社会因素慢慢渗透服饰文化中，随着生产力的发展，服饰慢慢向实用和美观发展，更成为一种文化的符号，一种传递信息的工具。大学生服饰文化是校园时尚精神的直接表达，作为一种时尚文化，体现出年轻人的审美观念，生活品位和价值观取向。大学生拥有一定的文化水平和素质修养，他们穿着的不同体现出文化水平的不同。2.服饰艺术传播的意义。服饰作为一种传播信息的符号，在社会的发展进程中有重大的意义，服饰中蕴含着人们对于美的追求的观念和习惯，体现一个人的审美标准；服饰还能够体现出一个人的身份，通过服饰的传播能够带动别人的审美观念，把前卫时尚积极的信息传递给人们。服饰也是审美文化的载体，通过这个载体体现出个人的修养、气质。
四、服饰文化的艺术传播与大学生校园文化建设
以大学生服饰文化的艺术传播为突破口，加强和引导大学生的思想意识和行为意识，深化大学校园文化建设，具有积极和促进的作用。1.重视大学生服饰文化的艺术传播建设，要活跃校园整体文化的气氛，以大学生服饰文化的艺术传播建设促进校园文化建设是一种新的尝试和挑战。首先，在很多大学的公共课程中，很少有关审美的课程，学校应通过这些课程让学生学习美学的相关知识，让学生通过美学提升自己。其次，有条件的院校可以开设专业的服饰文化课程，提高学生对于美的认知，丰富自身的.审美情趣和审美修养。提高对于美的鉴赏能力，拓展自己的审美视野。再次，培养学生养成关注服饰文化，学习服饰文化的习惯。对于一些学生在服装审美层面上追求标新立异，独树一帜的特点，学校应该用正确的方式和渠道进行教育引导。学生应加强个人的修养，提高自身的综合素质，注重自己的仪表仪态，追求外在美和内在美的统一。2.避免校园内服饰的单一化，校园服饰的设计，特别是针对大学这一特殊环境，对于大多数学生来讲运动休闲装成为主流的服饰，就造成了穿着的单一性，在一个新的时代，更应该拥有新的生活方式，学会用服饰充分肯定自己、展示自己，在一些特定的场合，可以加入一些新的时尚的元素，而学生整体的审美水平就会显得特别重要。学校应积极为服饰文化的发展创造条件，营造一个良好的校园文化环境，加强学校文化制度建设，对一些能够弘扬学校文化的东西积极引导和推广。运用校园社团的优势，成立一些关于服饰文化的社团，提高服饰文化进行宣传与互动。通过现有条件加强对服饰文化的宣传，充分利用校园的广播、网站等平台推进服饰文化的引导效果。学校定期举办服饰文化艺术节、大学生服装设计周等活动，坚持让学生自己进行服装设计，给予学生展示自己设计理念的机会，调动学生的积极性和创造性。3.从学生的个人角度出发，在提高自己审美能力的同时，充分发挥服饰文化中自身的作用，提高自身校园文化的参与意识，主动接受、参与服饰文化建设。通过参与各式各样的校园文化活动，能够使大学生自我激励、自我约束，树立科学正确的服饰观和审美价值观。认真学习服饰文化相关内容知识，对自己掌握的内容进行研究和升华，并将理性、低碳的消费理念灌输自己的知识中，成为新时代充满朝气的大学生。综上所述，服饰文化的艺术传播效果对校园文化建设有着促进的作用，是校园文化建设中体现人文教育的重要的一个环节，通过对服饰文化的传播，可以帮助大学生树立正确的服饰观念和审美价值取向，充分体现其对校园文化建设的促进作用。
《艺术概论》课程建设与创新研究论文
《艺术概论》从学科上讲，属于艺术学范畴。艺术学是系统研究有关艺术的各种问题的科学，包括艺术理论、艺术批评、艺术史。对于学习艺术的学生，对于理论的掌握十分重要。每一位有成就的艺术家，大多数都是理论与实践相结合的典范。中国有嵇康、顾恺之、梅兰芳，西方有达芬奇、米开朗琪罗、托尔斯泰。他们既是优秀的艺术家，又能通过对艺术规律的发掘成为一流的总结者。但是，高校艺术专业的学生，对于理论的学习常常认识不足，一方面有轻理论，重创作的倾向;一方面对于深奥的理论，有畏难情绪，裹足不前。这就需要教师在教学教法上不断创新，立足学生现状，步步引导，将他们带进艺术理论学习与研究的大门，让他们深切领略学问的魅力，理论与实践相结合的可能性与重要意义。
以下，将从三个方面探讨艺术类高校《艺术概论》教学中如何深入浅出、寓教于乐的方式。
一、引导学生意识到理论的重要意义，引发学生探究理论的兴趣
为了引发学生兴趣，教学中首先从他们普遍比较感兴趣的内容入手。比如，许多学生喜爱观看电影电视，有为数不少的追星族。那么，课堂上则向他们提示：美国好莱坞国际巨星如云，但是只有一位，在去世之后得到了国家为他降半旗致哀的殊荣。许多同学的兴趣立刻被调动，想知道是哪一位明星?为什么?
此刻，教师的回答是：是当时被誉为“喜剧王子”的英国籍的明星劳伦斯·奥利弗。为什么会降半旗?不仅仅因为他表演上的成就，最为关键的是他在理论上的贡献。他为英国莎士比亚的戏剧改编为电影制定了一套规范，莎士比亚的剧作原本为舞台剧，奥利弗成功地将它转化为电影的形式，并成功保留了原作的精神，而且人们发现，他制定的这一套规范，很难后人被超越。
由此，刚刚接触理论的艺术生，很快对理论的重要性有了一个直观的认识。并随即想了解理论和艺术的关系到底何在?
随着这一问题的产生，教师顺应这一心理倾向，继续介绍理论对于艺术创作的意义：从理论起源的角度来讲，艺术魔力无边，但是，人们对于艺术常常不甘心只流于体验和欣赏，想留住它，想再创造，希望发掘出艺术魅力的展现中具有规定性、规律性的东西。希望以理性分析和归纳的方式让艺术中的魔力因素凝固下来，成为可追溯、可复制、可再现的永恒原则——也就是艺术得以存活的它的灵魂，它的心。
这便有了和艺术的起源、繁荣、流衍并驾齐驱的艺术理论。
让学生认识到，作为艺术的起源、过程、范围、规则的形而上抽象提炼的理论，在艺术的创造、发展过程中意义非凡。理论家们希图以此勘破艺术的秘密，寻求一种放之四海，具有概括性、普遍性的审美规范。这一理论提升的努力，与艺术创作并驾齐驱，相互影响，与时俱进。同时，在随后的教育过程中以实例演示的方式，让学生们逐渐了解先进、超前的艺术理论，如何能推动艺术的极大发展。许多学生对前卫的后现代艺术感兴趣，比如超现实主义的艺术大师达利，他的作品前卫、怪诞、夸张、扭曲、深刻，正是受到弗洛伊德《梦的解析》，以及精神分析理论的影响。
在讲解的过程中，则从达利的自传开始，以艺术家创作的真实的心路历程，让学生们清晰地认识到达利的作品是如何解析自我，如何借鉴弗洛伊德心理学的“三我”层次，来建构自身崭新的感知方式、创新艺术表现手法。从其作品实例的分析开始，由此层层深入，从作品进入到理论玄奥的世界。生动形象、由浅入深的讲解，极大地调动了学生们学习的热情。
二、结合实例，让学生形象地见识理论与创作的密切关联
艺术学院学生，因为高中阶段相关文化知识的.积累比较薄弱，对于艺术作品、对于自身所从事的专业认识不足，停留在比较感性的阶段。而且由于中国文化在近现代之后出现的断层，对于艺术内涵与思想性的感知与把握相当欠缺。而中国的艺术家，若要真正达到大师的境界，有前途、有潜力，将来其作品能够参与国际竞争，对于理论的关注与掌握相当重要。
所以，在课程讲解的过程中，让学生见识经典作品与深刻理论的关联是教育中的重要任务。但是这一问题虽然亟待解决，但是也不可能一蹴而就。在课堂上将理论与经典文化结合，有效地传授知识并激发学生的神圣感、好奇心是必须做到的关键环节。
例如，在介绍美国艺术理论家苏珊·朗格的“艺术是情感的符号”这一观点时，结合《红楼梦》分析，在伟大的作品中，一个真正的大艺术家，是如何开掘情感、升华情感。结合“情感说”的理论阐释与来源，让学生们了解《红楼梦》是如何突破狭隘的“情”的范围，写广义的、辽阔的情感。正如《红楼梦》开篇所言：世俗写男女之情的作品，“动不动就才子佳人，千部共出一套。满纸潘安、子建、西子、文君……又必旁出一小人，其间拨乱，如剧中之小丑然。”而《红楼梦》则突破了这种浅薄的定势思维，超出了一般的男女私情，功利之情，写天地古今男女不能尽之情。故事中既有宝玉与黛玉“弱水三千，只取一瓢饮”的纯真爱情，也有更多的纯洁又深厚的友情、同情、关爱之情。如宝玉与晴雯，互相尊重、平等相处、相互扶持，突破了封建时代主仆之间的尊卑;宝玉与香菱，相互信任，宝玉为香菱找裙子一段，突破了礼教对女性的压抑、歧视。再如宝玉对刘姥姥虚构中的女孩念念不忘，盘算着去拜祭她的亡魂。
在一个严酷礼教统治飞环境中，主人公偏要做一个情感的采集者，珍视情感的每一处幽暗的闪光，达到崇高圣洁的人生态度的境界。
这种经典分析的方式，开拓了学生的视野，陶冶了年轻人的心灵，同时深刻地体会到“情感论”所阐发的丰富内涵。
三、从实用的角度出发，在理论结合实例分析的过程中，教导学生将来写作论文、以及艺术批评的方法
激发学生兴趣，不仅有教授知识的长远需要，也有解决学生当下实际问题的需要。艺术评论、
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与学生高中阶段所写的读后感、观后感，是完全不同的概念。如何在教学中逐步引导学生实现这一转换与提升，也是大学本科阶段必须面临的问题。
教学的第一步，是让学生了解，艺术评论与论文和一般观后感相比，在理论上的要求更加严格、规范。它们必须以一定的艺术理论为标准、为评价的依托，对某些具体的艺术作品、创作者进行分析与评判。
在教学过程中，不仅将优秀的艺术评论作品介绍给学生，更有示范作用的是在讲授的过程中，将一种理论的分析介绍用学术论文的方式展示出来，让学生在听课的过程中就能得到直观的学习。前提是教师备课的环节即成为论文写作的环节，一步一步，教学生如何列出分析层次，层层深入地说理，并最后提出个人的见解。
例如在讲解“艺术模仿自然”这一艺术本质说时，结合《孔雀》这部经典电影，分析艺术是如何在模仿现实生活的自然。在介绍这一学说的历史源流与内涵之后，结合影视作品中的实际，展开讨论。首先，艺术如何模仿生活的真，如何诚实、到位地还原影片中的时代场景，让观众首先建立发自内心的信任感。其中包括环境的真、人物的真、情节的真，细节的真;其次，艺术如何模仿生活之善，艺术家如何尊重日常生活，以更真切博大的胸怀揭示残忍真相背后的深情与温暖;第三，艺术如何模仿生活之美，如何在平淡无奇的生活中展现诗意的美，展示理想主义的光芒。
学生在学习的过程中，在老师的引导下，结合自身感受，层层推进，逐步领略艺术理论的延展性与深刻性。在这一过程中，模仿老师授课布局与推进的方式，得到学术与思想的训练，最终进入到理论学习与研究的大门中。
总之，艺术理论的学习，在当今艺术类本科生的课程中占有十分重要的地位，涉及到艺术作品的灵魂、精神是否能被真正领会，以及学生在将来的创作中能否借鉴当代艺术理论研究的成果，体验辨析、融会贯通，臻于经典的问题。
但是，在学习的开端，教师有责任循循善诱，帮助他们克服陈见与畏难，兴致盎然地进入到理论丰富多彩的世界，以此扩大艺术思想的视野，懂得已有的范围，认清自身所处的位置，确立目标，励精图治，寻找艺术思想创新的可能。
高校艺术教育与创造力培养研究论文
随着时代的发展，高校的艺术教育也逐步随着国家发展、全民素质的提高，越来越受到重视，成为我国当前教育改革和人才培养的重心之一。从本质上说，艺术教育是一种审美教育，通过培育人们的审美修养和审美心理，提高全民素质，促进社会和谐发展，审美教育是整个教育事业的重要组成部分。我国的教育一直以来都沿袭着传统教育的方式，以书本知识传授为主体，尤其是美育一直都是作为副科来辅助教育，从观念和本质上并没有受到重视。然而，高校的艺术教育，一方面要陶冶情操、提升审美能力;另一方面，要培养大学生的创新能力，通过艺术教育的各种形式，把学生培养成具有一定创新意识、创新思维的新一代人才，而不是像机器批量生产似的，培养出模式化的“产品”。通过艺术教育进行发散思维的训练，通过艺术审美加深对科学的理解，可以提高大学生的艺术素养和创新能力。
一、我国艺术教育的现状
随着高等教育的发展，我国的公共艺术教育也走过了大半个世纪，从最初的艺术类课程只在艺术学院开设，到艺术类公选课走入高校，再到学生在4年的大学学习过程中必须完成至少2门艺术类的选修课，虽然有了变化，但是并没有突破性的发展。一方面，大多数学校的艺术教育还是以艺术课的技法、技能训练为主，尤其是一些艺术院校，由于受到传统教育模式的影响，仍然是从技能入手，很容易把学生培养成为“匠人”或者“艺人”，和过去社会的“师傅带徒弟”从某种程度上来讲是一致的。对学生创新思维的启发，创造力的培养相对比较忽视，并且对相关的艺术类理论课程不够重视，重心偏向了“技”，这就偏离了艺术教育最初的功能和目的。另一方面，艺术教育没有真正起到它应有的作用，很多学生只是为了修到学分而随意修选，尤其是一些理工科的学生。由于我国之前的教育一直存在重理科轻文科的现象，很多高校的学生在选修艺术类课程时都是抱着随便听听的态度，没有从根本上重视艺术教育的功能，这对现在所倡导的促进大学生全面素质的提高产生了不利的影响。当前，我国只有一些比较顶尖的高校(如北京大学、上海大学等)在推行艺术教育时，真正地把公共艺术教育的目的予以明确。希望通过公共艺术教育充分提高学生的想象力、审美力，启发学生的灵感和创造能力，把理智和情感贯通起来，辐射到各个学科，拓宽学生的思维，激发他们的创造力。在我国高校的硬件建设中，很多高校还缺少多媒体音乐厅、展览馆、音乐广场等设施，这样不利于实施艺术教育，也无法提供交流的场所。另外，在高校的公共艺术教育中，经常要受到教学大纲和教学计划的束缚，很多老师仍旧是按照传统的教育方式集中化、程式化授课，使得课程枯燥、单调，使学生们失去了兴趣。同时，由于场地和设施的限制，很多艺术类的课程都只有艺术院校的学生才能接触到，作为选修课面向全校的话很难实施，这也限制了高校公共艺术教育的发展。
二、高校艺术教育与创造力培养的对接与融合
(一)艺术教育要融入创新理念，转变教育模式
鲁迅先生曾说:“其实地上本没有路，走的人多了，也便成了路。”任何时候，不论是从事哪种学科、哪种工作，都需要时刻有创新的理念。联想公司贴着一句话:“每一年每一天都在改变。”由此可见，不论是艺术学科，还是科学发展，都时时刻刻倡导创新，只有创新才能谋求发展之路。大学生是高校教育的主体，高校承载着培育综合型人才的重任。因此高校在进行教育时要注重综合培养，通过艺术心理学、艺术鉴赏等课程，在内容上走向综合化。作为高校受教育的群体，任何专业的学生在选修任何一门艺术公选课时，都应该通过艺术类课程的学习激发创造力和想象力，而艺术教育正是承担了这个任务。首先，艺术教育能激发人的想象力，从而增强人的创造力。爱因斯坦曾表示:“想象力远比知识更重要，因为知识有限，而想象力概括着世界上的一切并推动着进步。想象才是知识进化的源泉。”因此在进行艺术教育的时候，初期可以通过具体的事物、理论等让学生有个感官的认识，然后逐步发散学生的思维，发挥他们无限的想象力，通过引导激发他们的想象力，从而增强其创新能力。高校的艺术教育，不能仅仅局限于书本上所讲授的内容，而是要在教育的过程中融入创新的理念，增强创造力，这样才不至于说我们的高校教育是批量生产，生产出来的.人才都是单一而非多元的，不能真正发挥艺术教育的作用。其次，现代教育是人生的整体教育，不能仅仅重视科学教育，而忽略艺术教育，高校里的教育一直强调素质教育，艺术教育从某种层面上来说是一种素质教育，我国很多高校的艺术教育在整体上已经忽略了“素养”，而进入狭隘的“艺术”层面，使得艺术在很多学生的概念当中是神秘而又另类的，有非课程化的倾向。而这其中重要的艺术教育渐渐变成了一种可有可无的教育，在西方发达国家，艺术教育被纳入终身教育的体系。艺术的一个重要的功能就是审美愉悦，然而在这个过程中艺术塑造着我们的思想，改变着我们的世界观，从而激发我们改造世界的创新能力，这是其他教育所不能替代的。［1］现在我国的经济发展中，缺乏的就是创新的能力，因此在进行艺术教育时，创新是最重要的理念。高校应当在管理机制上、课程设置上、师资培养上以及校园艺术活动等多方面进行改革，改变传统的教育模式，真正把创新的观念纳入高校的艺术教育中。
(二)高校艺术教育要转变传统的观念，更新理念
传统的高校艺术教育是以老师传授，学生接受，统一机械地按照教学计划一步一步进行“填鸭式”的讲授，一节课下来，学生真正记住的东西几乎为零，不过是走马观花地看一遍、听一遍而已。高校的艺术教育是进行素质教育的有机组成部分，应当以培养大学生的创造性思维为根本，使学生成为艺术教育的主体。教育需要科学的方式，科学教育当中也蕴含着人文精神，就像北大物理系教授王义遒说的:“科学工作者在科学探索中至少表现出浓浓的人文精神;人对知识的追求;人的自我完善;科学中充满着美。”［2］我们应当发掘科学当中所蕴含的人文精神，在进行教育时，把艺术教育和科学教育相结合，采取合适的、新颖的、更易接受的方式让学生更好地学习，从真正意义上重视艺术教育，体验艺术教育带来的创造力的培养过程。此外，我国大学公共艺术教育的课程大部分偏重知识的传授，在课程的总体设置上偏重知识体系，没有考虑到学生的兴趣和需求。而在大多数高校，公共艺术课和其他课程在比例上非常不均衡，导致很多学生有意无意地就会有倾向性，限制了学生修读艺术类课程的选择。转变高校艺术教育的传统观念，培养大学生的创造力，在大学公共艺术教育的课程设置中，要积极调整一些专业性过强的课程，将人文艺术教育更广泛地深入到教育中，形成美术、音乐、舞蹈、诗歌、建筑、历史等多学科的综合，加深学生们对艺术教育课程的理解和消化，拓宽学生们的视野，从而促进大学生创造力的培养，真正使他们从艺术教育的课程中获得精神的升华。艺术教育有助于提高大学生形象思维、灵感思维等非逻辑思维能力，从而达到促进大学生创新能力培养的作用，而公共艺术教育的课程正是承担着这个任务。［3］另外，在高校公共艺术教育教学的过程当中，启迪和发掘学生的创造潜能，发挥学生的创新能力，在教学的过程当中采用发散思维和联想思维的形式，通过具体的事项启发学生进行创新思考。如，通过画一个圆，让学生进行联想绘画，调动学生的想象力和创造力，同时激发学生的艺术表现冲动，让他们在轻松自由的氛围当中逐步走进艺术的殿堂。结合不同学生的专业背景，设定一个相关的主题，使得学生能够产生兴趣投入其中，在课堂上鼓励学生进行即兴的创作和表演，不设置任何的形式限制，通过想象扩散思维，有助于提高学生的想象力。在艺术教育中，可以把文、理、工、艺术等等学科进行交叉，找出它们之间的一些联系，针对不同专业的学生制定教学方案，把艺术与科学、艺术与人类文化等等融入一个领域当中，进行有机的结合，才能够提高学生的整体素质，使他们逐渐地理解艺术，提高艺术素养。在我国很多综合性大学中，艺术教育黯然失色、没有地位的背景下，艺术教育沦为“附庸”和“奴婢”，似乎它仅仅是为了人们的娱乐消遣而存在于世间。［4］在综合性大学中，本身艺术类课程对于很多学生而言只是上完主课之后的一道点心，处于可有可无的状态，学校的重视不够，学生的意识也很淡薄，如果公共艺术教育的课程质量再不高，随时处于尴尬的局面，因此要加强对高校公共艺术教育工作者的培养。在大学的公共艺术教育课堂中，一方面缺乏高水平、有创新性的优秀艺术教育工作者，这些艺术教育工作者缺乏对艺术教育体系的深入研究，他们已经习惯于按照传统的、模式化的教学方式去实施课堂教学，不及时更新教学方案、教学课件，也不具备创新思维和创新意识，不探索发展新的思路，在实际的教学当中，难以真正体现出艺术教育的重要性，致使高校的公共艺术教育课程遭遇夭折，或是毫无效果。
(三)加强公共艺术教育教师队伍的建设，加强学科之间的相互交叉、相互渗透
高校的公共艺术教育课程的承担者是教师，随着新时代的到来，高校教师不再仅仅是知识的传授者，更重要的是教会学生获取知识、分析知识的方法，举一反三，从而达到培养学生创造力的目的。大学教育和高中教育的最主要的区别在于，由“填鸭式”“统一式”的应试教育转变到“创新式”“发散式”的大众教育，这就十分需要高校教师队伍的正确导向，充分尊重学生的个性化，发挥学生的想象力和创造力，培养学生的创新意识，激发他们的潜能。随着社会的飞速发展，教师也要不断学习，吸收新鲜的知识，拓宽自己的视野，高校应当给公共艺术教育教师提供更广阔的平台让他们出去学习交流，把新的教学理念、新的教学方法等吸收回来再传授给学生，与时俱进，最终切实推进艺术教育的发展。大学公共艺术教育的教师，为了能够更好地培养学生的创造性思维和创新能力，首先要在教学方法上进行改革和创新，在课堂教学当中充分尊重学生的个性，启发和鼓励学生发挥自己的想象力，从传统的教师讲和学生听的模式中解放出来，实现教与学的角色转换，让学生参与到整个教学活动当中，积极思考，从而发展学生的创造性思维。我国著名教育家叶圣陶曾说:“凡为教育必期达到不须教。教师职务唯在启发引导，使学生增益其智能，展卷而自能通解，执笔而自能合度。”［5］艺术教育不是独立的，也不是只能针对文科的学生，艺术教育和科学教育是可以相互融合的。泰勒曾说:“具有丰富知识和经验的人，比只有一种知识和经验的人更容易产生新的联想和独到的见解。”我们应当充分利用大学里多学科的优势，利用学科之间的共通性和互补性进行创造力的培养。例如绘画艺术和光速产生的效果，通过对光速产生出来的效果进行创造，运用绘画的技法表现出光的效应，这都能体现出学科之间的相互渗透;再比如数学符号和艺术设计的结合等等，通过多种学科知识的学习，丰富学生的想象力和创造力，从而达到良好的教学效果。
(四)充分利用高校周围的艺术资源，更新艺术教育理念，营造良好的艺术教育氛围
艺术教育要注重理论和实践的结合，因此，高校的艺术教育不能仅仅局限在课堂上，要走出课堂，走进校园，走入社会，要把学校教育和社会教育结合起来。在这当中，校园文化是进行艺术教育普及的一个重要部分，对校园当中的文化艺术节、音乐会、艺术社团等给予大力的支持，同时也应该举办一些免费的艺术培训活动，营造浓郁的艺术氛围，使得全体学生都能够真实地接触到艺术，进行艺术体验与实践。另外，要充分利用高校所在地以及周边的博物馆、展览馆、美术馆、音乐厅、歌剧院等艺术教育的阵地，跳出课本，切实地走入社会中的艺术场所，真实感受艺术给人们带来的视觉和听觉享受。各个国家的博物馆、美术馆、歌剧院等都承担着进行艺术教育的任务，而高校的公共艺术教育应该扩宽思路，将艺术引进校园，同时也让学生接受直观的艺术教育。通过参观、学习、讲解等方式，全方位、立体化地进行艺术教育，这样才能更好地激发学生的想象力，提高他们的创造力，营造出良好的艺术教育的氛围。因此，高校的艺术教育作为我国教育的重要组成部分，它所具有的培养和启发学生的想象力、创造力等独特的功能，使得它在高校的教育当中有着不容忽视的地位。与发达国家相比，我国在艺术教育的投入、效果等方面还存在很大差距。艺术教育的理念随着教育的发展也在逐步进步，在传统的艺术教育培养模式下，在当今社会的人才需求下，加强大学生创造力的培养是高校艺术教育任务的重中之重。因此，要做好两者的对接与融合，拓展艺术教育发展的新思路，从而全面推进我国高校的艺术教育，使之与世界接轨。
作者：樊珂 单位：河南科技大学
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