下面是小编整理的平面设计中的黑色与白色艺术论文（共含14篇），欢迎大家阅读分享借鉴，希望对大家有所帮助。同时，但愿您也能像本文投稿人“nd”一样，积极向本站投稿分享好文章。
平面设计中的黑色与白色艺术论文
内容摘要：文章论述了黑、白色的色彩属性，黑、白色是独特的、个性化的色彩，在色彩设计中起着协调和统一画面色彩的作用。优秀的平面设计师经常巧妙地使用黑、白色，利用黑、白色来形成画面色彩的对比与和谐。黑、白色代表着中国传统文化的色彩，古人用黑色的墨、白色的宣纸来营造中国人的黑白世界。黑白两色是具有现代感、时尚感的色彩，是现代设计师喜爱的色彩。
关 键 词：黑色 白色平面设计 对比 协调 简约
黑色、白色在色彩中属于无彩色，相对于有色彩具有极大的单纯性。黑色与白色代表着色彩的两极，是色彩最后的概括与抽象。黑白对于其他的色彩具有包容性和神秘感。黑色给人以黑暗、恐怖、深沉、灭亡的心理感觉。画家瓦里西·康定斯基这样描述黑色：“黑色在心灵深处叩响，像没有任何可能的虚无，像太阳熄灭后死寂的空虚，像没有未来、没有希望的永久的沉默。”黑色代表着哀悼，是为尘世间死亡而悲哀的颜色，黑色是对彩色的否定，黑色和红色代表着仇恨，黑色与黄色代表着欺骗、自私。黑色是个性化的色彩，黑色富于尊严感。白色则给人以纯洁、虚无、光明、高雅的心理感觉，正如阿恩海姆说：“白色它是一种最圆满的状态，是丰富多彩、形态各异的各种色彩加在一起之后得到的统一体；但另一方面，它本身又缺乏色彩，从而也是缺乏生活多样性的表现。也就是说，它既具有一种尚未进入生活的天真无邪儿童所具有的纯洁性，又具有生命已经结束的死亡者的虚无性。”黑色在所有色彩之中是明度最低，白色在所有色彩中是明度最高。
在现代人眼中，黑白两色总让人感觉到没有彩色那样的饱满、诱人、富有生机。现代社会的工业化、信息化，以及快节奏的生活步伐，让我们更喜欢那些有纯度、饱满的有彩色系。然而，在平面设计用色中，我们其实又离不开黑色、白色。黑、白色以自己的优越性和独特性在色彩设计中起着协调和统一画面色彩的作用。一件设计作品没有了黑色，所有的色彩都显得轻浮、不实在；没有白色，所有的色彩又都显得阴暗，见不着光明。黑色就像大地一样深沉、雄浑、扎实，如古人说的“厚德而载物”；白色就像天空，是那样的高远和豁然开朗。有彩色之所以鲜艳，富有光泽，就是因为背景的白色和黑色衬托出来的，就像红花总有绿叶来相配。黑、白色在所有色彩中起着协调、平衡其他色彩的作用，其他色彩的美，是通过黑、白色衬托出来的。西方现代抽象派绘画大师康定斯基总是喜欢用黑色的线条来分割抽象的形状，鲜艳的红色、绿色，还是黄色，经过黑色的分割，有彩色就像被驯服的野马，听候主人的使唤。黑白色还可以增加作品的空间感、层次感。黑色明度最低，白色明度最高，有彩色处于明度中间，明度从低到高逐渐变化，作品有了空间感、秩序和节奏。这些色彩秩序就像音乐中的音符从低到高或从高到低的排列，作品产生了节奏和韵律。冷抽象绘画大师蒙德里安的作品中用黑白、原色来组成画面色彩，理性地分析黑白、原色之间的平衡、对比与协调关系。
著名书籍装帧设计师吕敬人的设计作品，突出了书籍内容的精神特质，其作品的形式与内容、功能性与艺术性统一起来，利用色彩充分传达出书籍的情感内容。黑白色与有彩色互相配合，作品色彩丰富协调。在作品色彩配置中巧妙地使用黑白色，利用黑白色来形成画面色彩的对比与和谐。吕敬人认为：“一本理想的书应体现和谐对比。和谐，为读者创造精神需求的空间，对比则是创造视觉、触觉、听觉、嗅觉、味觉五感之阅读愉悦的舞台。”设计师认为好的设计作品，具有“理想的书籍形态、严谨的文字编排、准确的图像选择、有时间感受的余白、有规矩的构成格式、有动感的视觉旋律、到位的色彩配置、个性化的纸材运用、毫厘不差的印刷工艺”等特点。设计师强调书籍设计中整体和谐的重要性，包括色彩设计中黑白色与有彩色的协调和色彩设计的相互关系。
香港著名的设计师王奥飞，其设计的作品中可以看出色彩设计给人清新、简洁的.感觉。设计师巧妙使用黑白色与有彩色形成鲜明的对比，色彩设计清新、明快，富有感染力。红、黄、白、黑等色通过面积、明度、纯度的变化与统一，达到较好的色彩效果。黑色的字起到稳定、平衡画面色彩的作用。有些色彩设计看似随意、简单、无序，其实是经过设计师一番苦心经营的结果。如黑、白、普蓝、黄、橙、红、桃红色互相搭配，产生一种强烈的节奏、运动、秩序感。纯白的底色更显出画面的简洁、明快、透气感。
中国传统的水墨画，也用黑白关系来体现东方式的冰清玉洁和宇宙的幽深奥妙。古人在进行书画创造的时候遵循“知白守黑”的原则，提炼出图与底、彩色和黑白色之间的一种相互制约的关系。中国书法用黑色的墨，白色的宣纸来营造中国人的黑白世界，黑白色更恰当地体现出中国哲学，即“天人合一”的宇宙意识。中国工笔花鸟画在上彩之前先染一层淡淡的黑色，用淡黑色来统一画面色彩，画面色彩典雅、稳重，恰当的留白以创造虚空间，有灵动、透气之感。近代国画大师齐白石用大面积的黑、白、红、黄、蓝等色组织画面色彩，红、黄、蓝等高纯度的色彩艳而不俗，画面色彩感觉明快、色彩使用概括、视觉冲击力极强。这些效果都得力于大面积的黑色与白色。现代画家吴冠中更是深谙黑白之道了，黑白色块、彩色块之间的形状、大小、空间经过他的巧妙安排，就使作品形成较强的秩序、节奏和空间感，真正做到了“知其白，守其黑”。
经过了复杂、喧闹的都市生活，现代人更渴望追求一种平淡、安静的生活方式。平面设计中的色彩设计也从过去的多色彩组合向简约组合，从强对比向中对比转变。现代平面设计的色彩设计更加追求一种简约、简洁之美。色彩设计不是以多胜，而是用简约的色彩体现出设计的品位与韵味。后工业时代黑色和白色成为设计师喜爱的色彩，没有功能的色彩均被剔除。白色不是时髦的色彩，而是具有现代感的色彩。黑白色具有优雅感，迪奥说：“优雅是与高贵、自然、细致与简单构成的混合体。优雅要求放弃豪华，放弃招摇。”“功能决定形式”是古典及现代设计的主题，它意味着放弃不必要的修饰和多余的模式、多余的色彩，一切都使用“中性”的色彩。通过放弃色彩以适应客观性和功能性的要求，这是现代设计的品质。
参考文献：
[1]《广州设计师作品集》，广州设计论坛，李向荣主编，岭南美术出版社
[2]《艺术与视知觉》，鲁道夫·阿恩海姆著，滕守尧，朱疆源译
[3]《色彩的文化》，爱娃·海勒著，吴彤译，中央编译出版社
白色天使，黑色妖姬「天使与恶魔」
天使是白，恶魔是黑，都是两种极端的颜色，都能让人迷失方向。
————题记
月亮出来了，暮霭像一层蝉翼般的轻纱，把山遮掩的绰绰约约。喧哗了一天的古老森林，渐渐变得静谧，只有奔腾欢畅的泉水和低吟慢啸的松涛仍在不知疲倦的诉说着故事。
古老的森林，所有的树木都如枯髅一般，却静谧得只有月亮在缓缓的移动似的。也许这是属于暗的天堂，以至于既使有月光的抚慰也仍显凄凉;也许这是孤寂的灵魂所在地，以至于既使有太阳的普照，也仍显寒冷;又也许这是树木的永久乐园，因为只有这样树木们才能免受人类打扰而长寿。这片森林是通往两种心灵的过道，一边是恶魔族，一边是天使族，天使族一位美丽的女孩若影若现，在钟下徘徊，淡淡的柔和光芒笼罩在少女的身上，长长的犹如丝绸般的金发拖至脚踝，女孩穿着纯白的连衣裙，裙边上有精致的'花纹缠绕，裙子下是一双晶莹剔透的足，露在空气之中。从她的背后伸出一对巨大的白色翅膀，那是圣洁的天使的象征。女孩微微扬起脸看着天上，淡金色的光中，少女的面容平静而安详，浅色的眸子上长长的睫毛扑闪着如同夏日的蝶，粉嫩的唇微微勾起，精致的五官找不出一丝瑕疵。听着远处传来的钟声，少女合上手，虔诚的祈祷，祈祷迷路的孩子回到温暖的怀抱。天使善良、美丽、宽容，人人喜爱。但你如果认为恶魔是恶毒的话那你就错了，在恶魔的世界里，恶魔是神秘、优雅的，她们自立，不会依靠任何人，她们很少让人发现，他们的特征是暗黑色的眼瞳如浸在水里的黑曜石，闪闪发光，紫色的头发披下来，手执黑色叉，黑色的翅膀嵌在她们的身上，性感的衣服很容易吸引人的眼球，手上戴着恶魔钻戒，这是她们能量的储藏地。可以说，恶魔的样子完全可以和天使媲美。
论平面设计中的留白艺术论文
摘要：留白是中国画中常见的一种构图形式，研究其在平面设计中的表现和正确把握，利用留白来突出设计的主题，激发人的想象力，进一步简化设计，不仅大大拓展了设计师的表现空间，而且观众也能在轻松、愉快的氛围下了解信息，这样才能使平面设计达到更加独特而震撼的艺术效果。
关键词：平面设计;留白;表现;把握
随着我国经济的迅速发展，人们的审美观念和对生活的要求在变，对平面设计的追求也越发苛刻，为了满足当代中国人的生活和商业的需要，越来越多的时尚而现代的平面设计作品在城市的每一个角落都留下了印记，要想在众多的设计作品中脱颖而出，必须采用独特的艺术构思以引起消费者的注意，虽然这些设计的风格多种多样，但还是可以从其中看到一些相似的设计手法，越来越多的作品更倾向于简洁明快的表达方式。平面设计师们积极从国内外艺术中吸收营养，发现设计中留白的运用可以使更丰富的意蕴和信息借助于相对简洁的方式传达给受众，从而获得更好的设计效果。
一、留白艺术的定义和历史
留白是中国画中常见的一种构图形式，是一种独特的视觉语言，它通过设计好的画面构图，用黑与白、实与虚、确定与未知的对比来引导观众去领略作者的情感和目的。中国画中的留白可以代表天、水、云、雾、雪等，虽然不着笔墨，只留纸面，但是观者能在画面中“实”的物象反衬下，通过自己主观意会获得对天、水、云、雾、雪等物象的体会和把握，从而达到以有限寓无限的画面效果。
南宋画家马远在其《寒江独钓图》上只是寥寥几笔来表示微波，微波之上是一个渔翁在船上垂钓，背景运用了大面积的留白，画面成功地表现了空旷渺漠、水天一色的广阔而富有诗意的意境，其空间空阔而深远。再如清代笪重光《画鉴》中说：“虚实相生，无画处皆成妙景。”其中的“无画处”就是我们现在所说的留白。
许多画家都能将留白巧妙地运用到自己的创作之中，留白的技法已成为中国极具传统影响力的一种特殊艺术审美心理，具有含蓄而又独特的审美境界，最终成为现代艺术的一种重要手段。我们将独特的留白艺术引入平面设计中，研究其在平面设计中的运用和正确的把握，就可以创作出效果更好的平面设计作品。
二、留白艺术在平面设计中的表现
(一)突出设计的主题
平面设计的主要目的是传达信息。设计内容若想在短时间内引起观众的注意，仅仅靠直接的表述会显得单调枯燥，密不透风的文字再加上太多的插图就会更显拥挤，给人以压抑的感觉，还会使观众产生视觉疲劳，任何一件平面设计作品都必须有一个吸引观众的视觉中心，而且只能有一个视觉中心，否则画面就会难分主次，真正想要传达的东西不能很好地突显出来。
美国学者斯金纳的视觉心理学测试结果显示：在一个白色的表面上放一个黑点，便可以使读者的视线向这个黑点移动并停留在那里。这个结果说明了留白可以烘托出要表达对象的重要性，有助于视觉向对象集中凝聚，它所创造出的空间能形成一种路径引领观众的视线，有助于观众很快找到阅读的线路和主题，还能给以清新、明快、透气的轻松感。所以，很多现代、前卫的平面设计师都十分青睐这种留白方式。
(二)激发人的想象力
按照格式塔心理学派的“完形压强”理论所说：当人们在观看一个有“缺陷”或“空白”的形状时，会情不自禁地产生一种紧张的“内驱力”，并促使大脑积极兴奋地活动，按照需要去填补和完善那些“缺陷”或“空白”，从而达到内心的平衡，得到满足。这种感受有点像力猜出一个谜语一样，潜力便得到充分发挥，会伴随一种创造性的知觉活动或创造性思维活动特有的紧张，这种适度的紧张以及解决问题后的松弛，是产生审美愉快的重要源泉。
所以我们要纠正以往的思维定式，不要认为这是在浪费空间，硬是要把画面挤的.满满的才罢休，我们要知道正是这种留白才给了观众更多的思考空间，发挥观众的想象力，还可以让眼睛得以休息，也能衬托内文。
(三)进一步简化设计
据一份调查资料显示，读者看一张照片，一般情况下只会用2秒的时间。如果我们把整个设计的版式作为一张图片看待，要在2秒中内把想要表达的重点传达出来是需要设计师精心的思考和编排的，这当然也离不开设计的简约性。
在20世纪60-80年代的后现代主义时期，简约设计引领了一场“少则多”的设计风暴。无色就是有色，少就是多，简洁就是丰富，单纯就是饱满，从单纯中求丰富，简练中求明快。在平面设计中运用留白就可以达到简洁概括的目的，使得设计的主题尤显突出。
美国《财富》图片总监米切尔·麦克娜丽对于《财富》设计的封面为何可以抓住读者的视线是这样回答的：“我们在色彩的使用上是很谨慎的，一般多以黑、白、灰为主，对其他色彩的使用也有限制。我们多采用白色，也就是留白。”所以，不二定用得色彩越多就越好，在如今的平面设计中，应该尽可能的用较少的色彩去表现更完美的艺术效果，合理的运用留白艺术是很重要的，可以提高设计的品味，更能展现出作品独特的魅力。
参考文献：
[1]郑红雨，浅谈中国画的留白[M]，辽宁师专学报(社会科学版)， (4)。
[2]陈振平，报纸设计新概念[M]、，福建人民出版社，。
浅谈设计中传统与现代艺术论文
【摘要】文章对设计中现代与传统的问题进行了探讨。首先不用怀疑传统文化在现代设计中的可取性，传统风格的应用与发展不是刻意追求的，而是自然而然地继承与批评。其次，人类在各个领域中的创新活动，是在世界范围内寻求一种服务与合作，在这种服务与合作中间，设计的发展变化最为明显，传统的认识和挖掘、汲取和运用往往成为设计创新的起点。
【关键词】传统文化；现代设计；继承；发展；创新
关于设计中如何融入传统元素这一类问题的思考和认识，以及针对这一点所进行的观念引导性教育和采取的相关辅助性措施，在我国历史发展过程中曾多次出现，前辈们在此方面所作的努力激励了一代又一代的后来者。我很欣喜学生们认真地提出这个问题，至少说明他们正在思考或者说已经开始尝试。既然是再一次针对现代与传统的问题作讨论，我们不妨从更多的角度去展开，不以表面性的问题解决为目的，而是去找一些规律，也许规律的背后有更多的答案。
首先，不用怀疑传统文化在现代设计中的可取性。人类的发展过程中总是后浪推前浪地出现一个又一个的科学技术发展高峰，设计活动以科学技术的高峰为契机产生一个又一个的发展阶段。中华民族经历了古拙而神秘的彩陶和文字的发生阶段；经历了威武奢华的青铜时代；创造并发展了漆文化和茶文化；奉献了经典的雕塑、建筑和家具；享有丝国、瓷国之美誉。这些成就与其所处的特定的历史阶段和生产生活条件密不可分。时过境迁，在生活方式和生存的空间环境上的局限性越来越显著，于是对传统的怀疑态度也随之越来越明确。但是传统之河并没有被这种情绪所控制，因为传统的源头是人类本身和人类赖以生存的自然环境，它始终按照人类创造活动的轨迹奔流不息。因此我们认为：人的需要、地域条件，以及对条件的利用能力是一个国家、一个地区人们创造设计中的原动力，从古至今依靠这共同的纽带去连接。
传统风格的应用与发展不是刻意追求的，而是自然而然地继承与批评，这是由人们的生活习惯和文化氛围、消费理念决定的。这些习惯与理念的形成与人们衣、食、住、行等方面渗透的设计意识及经验互为因果。经验的发展，设计条件的创造体现了人类设计进步的客观实在性，这种进步和变化的本身就是对传统最好的融入和继承。
其次，人类在各个领域中的创新活动，是在世界范围内寻求一种服务与合作，在这种服务与合作中间，设计的发展变化最为明显，许多设计产品的民族性越来越模糊成为一种反映趋势，这是现阶段生产和生活节奏的现状以及设计技术共享的趋势造成的。我们需要从根本上克服认识的模糊性和取向的偏差性。很多人认为：古代器物上的装饰花纹是传统；古代器物造型是传统；雕梁画柱、工巧精深是传统。这些似乎都不足以概括，今天的成就就是明天的传统，由此可见，传统本身是一种复合体，更是一种文化思维方式。这种思维涉及到人的心理、思想和审美的变化和发展，表现出清晰的脉络和轨迹，只有进行科学的分析和比较才能接近真实，把握规律，才能完成选择和继承。另外关于传统的两种偏执态度，即论古而崇古；学洋而崇洋。五千年的文明史是财富，但不能为了炫耀而固步自封、墨守成规；放眼世界知己所短并不是全盘西化；当然折中之法更不是解决方法。由于自然环境、社会政治结构、经济结构、宗教信仰、伦理观念、教育方式等方面存在巨大的差异，使东方和西方的文化艺术产品具有丰富的多样性，因此在评定文化现象的过程中，不能以一种简单的、固定的、绝对的标准去度量和比较对象的高低、优劣、是非，而应该认识到不同文化传统的合理性和局限性，充分发挥中国文化巨大的包容性和消化改造能力。
我们知道：由最初的吃、穿、用的需求顺序到穿、吃、用的需求行为，又到用、穿、吃的需求愿望，表明了人们生活环境中重视角度和价值取向的易位。从吃、穿、用的需求层次的发展过程中可以看出，人们对设计活动更多的关注是强调生理上的舒适感和心理上的愉悦感，而且精神上的享受是最高的追求。那么应该既包含了反映时代精神的简捷、明快、多功能效应的设计，又包含了紧张、快节奏、高科技时代下人们心理休闲、放松、回归的设计。因此注重人们心理需求的多样性，例如：求奇异、求创新、求功利、求变化、求认同、求补偿等等，成为设计活动的指导思想。
各国的民族风格在现代设计的发展过程中都受到一定的磨合，但是历史发展的经验告诉我们，人们的生理和心理的局限性决定了艺术从来都具有互补性，在现代信息社会的众多信息源中，传统只是其中极具互补性的一个分支。与其说现代设计中的如何融入传统文化，不如去看看在世界范围的设计领域中哪些方面需要互补。
我们会发现：高档消费品、信息产品、日常医用药品、旅游产品、对外贸易产品等很多很多的领域中，都需要有民族传统风格的合理体现，在国际性的交流活动中，民族性的认识和挖掘、汲取和运用往往成为设计创新的起点，从而有利于设计成果更好地达到“创造不同”的目的'。
围绕商品的形、色、技、艺几个方面去选择设计与消费市场之间的切合点，形——适应生活节奏的舒适、便捷、流畅、安全；质——生活高品质、高情调的隐喻；色——符合色彩心理、色彩环境的民族传统的全面感知、提炼和应用；技——现代技术与特色生产工艺的结合；艺——对历史渊源的艺术性表达的能力。
我们曾经创造了伟大而光辉的传统，面对发展道路中对传统的认识和传统自身的发展等方面的不同问题，要求艺术工作者能够客观地、全面地分析和处理时空条件、客观环境、政治体制、消费观念、发展契机等各方面相同与不同的因素。有些国家已经在艺术领域完成了自身优势的挖掘和保护、（下转第75页）（上接第64页）他人优势的合理拿来和嫁接阶段，逐步在设计领域中占有领先地位。例如：德国被人们公认为有着严谨的生活方式和思维方式的国家，曾经是近现代设计的带领者，但是始终没有停止对于民族传统乃至地域传统的精炼化继承，其实恰恰是因为这种继承态度，使德国的设计面貌呈现出一种经得起推敲的完整。瑞士文化发展的脉络中始终是本土文化的沿袭，同时又是在稳定的、有跨越性的发展，对于世界来说，瑞士的设计成果的传播是一种温和的、感动式的，同时又是一种风尚的潜移默化，带有很强的鼓动性。日本一个擅长渲染本土文化资源的国家，极其理性地分析和汲取着世界各国的优良传统，并能够为己所用，通过合理的整合之后，完全以日本的面貌向世界展示出来，而且很快成为艺术、设计、科技现象优化的标志性传播者。
对于中国现代设计中如何融入传统、体现民族性的讨论始终在继续，至少可以明确：弘扬我国传统的设计现象绝不仅仅是大熊猫雕塑、“唐装”的拼贴流行、龙纹的弥漫、明清式家具的仿造、“鼎或华表”的伫立等现象，而应该是一种规划和发展思路的整理、一种思维形式的张扬、一种文化的净化和延伸、一种生活的状态和愿望。中国需要对传统文化有着深刻的理解的，对传统及现代的设计规律熟练掌握的，对设计的意图与构思有完整的表达和展现能力的，富有创造性思维的设计人才；各级行政管理部门对于艺术产品的认识和鼓励以及对于艺术创作的规范化需求和的管理，这是非常现实的对艺术设计发展支持和帮助。
室内设计中软装与陈设艺术论文
［摘要］随着人民生活水平的提高，越来越多的人意识到装修在房间规划上的重要性。装饰行业存在一定的技巧与规范，是装修的前提，本文将研究室内设计中涉及的软装原则与陈设技巧，为提升室内装修设计水平提供一定的指导意义。
［关键词］室内设计;软装;陈设艺术;装修
人口基数的不断增长，刺激了建筑行业的不断发展。人民生活水平的不断提升，对建筑风格与室内设计提出了新的要求。室内设计旨在为用户提供适宜的居住环境，生活质量的提高更可以通过室内的装修设计风格体现出来。室内设计主要收到周围环境与采光等因素的影响，因此室内设计没有固定的模式，需要根据具体情况进行具体设计。
1软装与陈设艺术的相关概念
软装相对与硬装而言，是增加对装饰物的可移动性的利用，采用各种易于变动的装饰对室内进行再次设计，提高居住环境的整体水平。陈设设计除了受到光线等外界因素影响，还受用户的主观情感等因素的支配。因此室内的空间差异可以影响陈设设计方案，人物的'主观感受也在很大程度上决定了陈设设计，所以陈设设计是相对的概念，应从全局出发，使陈设设计融入空间之中，满足用户的设计需求［1］。
2软装与陈设艺术在室内设计中应遵循的原则
2．1设计方案的制订
由于不同年龄阶段的用户对室内设计的主色调要求存在很大差异，因此在设计之初应首先确定用户喜爱的主色调。在主色调的选取过程中，要以用户年龄为基础，充分的考虑房间的布局，把屋顶、地面与围墙作为规划的重点。主色调规划的同时要注意发挥房间的优势，突出整体的设计美感，陈设艺术的应用应在主色调完成的基础上进行。陈设艺术不仅追求陈设的立体美感，还应针对不同的空间进行不同的规划，突出房间已有的层次感。陈设艺术应避免出现多种主体元素，应在保证主体风格的前提下，对设计方面进行细化，这样既能保证设计的风格统一，又能在整体上把握设计的科学性。比如卧室中主要的陈设物是衣柜，所有的软装与陈设应与其风格一致，这样才能显现出卧室的整体设计风格。
2．2软装与陈设艺术的设计原则
软装作为室内设计的主要部分，实现起来比较简单，同时软装可以直观的体现室内的设计风格。合理的利用软装设计结合陈设艺术的应用，可以最大程度的获得用户的认可，提高用户的满意度。因此在开展室内设计时，应做到:一．合理的规划室内陈设。室内设计在很大程度上取决于室内的陈设，陈设作为已有的物品对提升已有的房屋空间风格有很大的作用。同样的空间搭配不同的陈设，可以呈现出不同的设计风格。结合房屋的整体空间分局，对陈设按照一定比例进行规划、安放，可以最大程度的发挥陈设的作用，体现整体设计的水平。二．注重用户的主观感受。软装需要考虑的主要因素就是用户的感受，因此软装往往需要突出视觉效应，使用户获得最大的视觉体验，认识到软装融入到空间的必要性。软装的设计中应做到单一中心点的突出，一个中心点可以在空间起到‘画龙点睛’的作用，赋予空间更多的活力，但是随着中心点的增加会破坏空间的整体氛围，起到适得其反的作用。三．强调自然元素的地位。随着生活节奏的加快，越来越多的人提出回归自然的观念，这里的自然强调物体存在的合理性，如同天生就是如此。软装强调通过控制颜色与物体的合理规划，突出空间的整体氛围，在进行设计的时候应保证各装饰物之间的自然过渡，使物品之间，物品与空间之间呈现出一种和谐美，给人视觉上的协调感与自然美［2，3］。
3软装与陈设艺术的应用
3．1室内的陈设艺术应与室内布局保持一致
用户自身与环境都会影响室内陈设艺术的布局，因此不同的用户对室内的陈设有不同的要求，陈设艺术的布局关键是与室内空间保持协调。设计时遵循先确定主色调再进行陈设布局的方案。
3．2在设计中融入绿色节能的观念
室内的环境除了受到建筑环境的影响，还在很大程度上取决于室内的陈设布局。在软装方案制定的同时考虑合理的规划陈设物品，可以最大程度的利用室内已有空间。科技的发展给人们带来很大的方便，也给人们带来巨大的环境污染，因此绿色能源被越来越多的人认可和接受，在室内设计中充分利用绿色能源可以提升设计水平，还可以缓解人工能源带来的不适应。充分利用自然光已经成为室内设计的主要方向之一。
4结语
综上所述，本文对室内设计中软装与艺术风格的分析，可以发现通过室内设计可以规划出不同的装修风格，满足用户的不同需求。软装修作为室内设计的组成之一，可以有效地提升室内环境，充分发挥室内空间的层次感。此外通过合理的搭配陈设物品，协调颜色差异，可以为室内呈现出丰富的视觉效果，提升设计水平。
参考文献:
［1］丁铮．室内装饰中陈设的审美意向与价值作用［J］．中南林业科技大学学报(社会科学版)，，(04)．
［2］隋长强，周鸽．浅析室内设计中软装设计艺术［J］．美与时代(上)，，(04)．
［3］王芹．家的装潢与设计［M］．广州:广州出版社，．
中文学经典改编与影视品牌建设艺术论文
改编文学经典能促进影视文化产业等发展,但当下的影视改编却出现了一些问题。首先,在改编文学经典作品来生产影视文化产品和建构产业品牌时,需要反思和规整的问题是当下改编的影视作品普遍高扬“技术美学”而漠视“人文美学”,崇尚“工具理性”而抑制“人文情性”,经典作品被改编后,成了炫技的表现而缺乏文艺创作应有的较高“艺术追求”和基本“人文关怀”。以年初同期上映的《隋唐演义》和《隋唐英雄》来说,均是以古典名着《隋唐演义》为蓝本而改编成的电视剧。《隋唐演义》曾获得了有“清一代历史演义小说最优秀的一部”之赞誉,是隋唐历史小说中的“集大成”者。之所以能获得如此之高评价,关键在于小说成功地塑造了一群心系天下苍生的“豪杰义士”,为救民于水深火热而自觉起义,在时代风云激荡中为了正义、尊严和理想而前赴后继、视死如归,凸显了“侠之大者,为国为民”的担当精神和敢爱敢恨的血肉情怀。在小说基础上拍成的两个版本剧作,却问题颇多。其中如浙江永乐影视出品的《隋唐演义》,号称是中国首部完全以电影手法拍摄的电视剧,耗资2.8亿重金打造,借助高科技技术手段强化了一些特效制作,但技术方面的提高并不能掩盖其贫乏的“艺术追求”,炫目耀眼的视觉冲击背后却是思想的空洞与虚无,对于“演义”主旨“游移不定”的把握,使得剧作叙事上前后冲突、故事内容不完整,由于缺乏思想的内在引导让受众难以适从。特别是对残暴杀戮无辜士兵的炫技表演及“鲜血”飞扬的聚焦表现,更是凸显了编剧和导演缺失了基本的“人文关怀”。经常上演的暴力打斗、明争暗斗、尔虞我诈情节,也让本就不明确的演“义”精神冲击得支离破碎。其次,当下的“经典翻拍”往往臆测“人性”的共同性,借口探索“人性”的深度而突破“历史性”维度,打着表现“美学性”的旗号实际上做的却是历史虚无、文化虚无、经典虚无之事。近年来,影视产业中热衷于拍摄“穿越剧”。
“穿越剧”的盛行实质上是一种知识荒诞、历史虚无、缺乏文化禁忌的表现。编剧们看似富有创意,敢于大胆想象,实际上是对民族文化缺乏信心和爱意,也没有知识考古的勇气和耐力,经常性地窜乱经典、虚构历史、混淆文化,体现出他们既不能深究“经典之所以为经典”的内涵,亦不敢反思之前影视改编的错漏和不足,更无力结合时代新特性借助“改编经典”以反映当下民众的现实诉求。如周星驰导演的《西游?降魔篇》,与经典的文学《西游记》离得很遥远,与“西游”历史文化也不合节拍。只是借用了一下“西游”的名号和格套来吸引眼球,实际上抹杀了“西游”的人文内涵和历史价值。其他如《赤壁》《楚汉传奇》《画皮》等影视作品同样都有着这些弊病。一味地为《西游?降魔篇》等赢得了较高票房收入叫好,实际上是一种典型的重物质轻精神、重经济轻文化、重科技轻人文、重当下轻历史的功利心态。最后,“同质化”的制作层出不穷,缺乏新生内涵和陌生表现的“个性”创作,实际上是一种伪“个性化”表现,难以获得受众认同。“经典”翻拍,究其根本并没有创造出真正意义上的“经典剧”。俄国形式主义文论家什克洛夫斯基曾指出,文艺之所以为文艺,就在于它具有“陌生化”的表现形式。近年来,荧屏上所[文秘站:]闪耀的`电视剧主要类型,如宫斗、抗战、谍战、政治、军事、商战、民生、家庭伦理等题材,是“同质化”的重灾区。当代文学史上如莫言、海岩、刘震云、麦家等作家的经典作品,经常被商家拿来改编为影视作品,“同质化”现象很严重。虽然“类型化”是影视文化产业的基本特征,但“类型化”和“同质化”是有明显区别的,就在于相同类型的题材,必须寻找到不同的创意角度。改编经典文学作品,往往意味着在同一故事题材下进行影像叙事,在这种情况下,必须要找到不同的叙事风格和个性气质。如果在商业运作逻辑中,将个性创作变成为一种模式化行为,那么“花样翻新”个性表象,实质上是一种“伪个性”。只会让受众感觉消费内容曾经熟悉,并不能让他们因“怀旧”心理而感受到作品就是为自己量身定做,也难以重新激活他们回味经典的热情。
改编文学经典作品,一定程度上应该顾忌和考虑作品本身及改编之后的“艺术性”“人文性”。社会批判理论奠基人霍克海默指出:“今天,叫做流行娱乐的东西,实际上是被文化与工业所刺激或者操纵”,“对投资在每部影片上的大量资本的快速周转的经济要求,阻碍着对每件艺术品内在逻辑的追求―――即艺术作品本身的自律需要”。因此,他认为像电影这样的文化工业“不能同艺术相处,即使它与艺术相处得很好”。霍克海默及众多法兰克福学派“文化工业”批判理论家们发现了文化工业和经典艺术创作之间的矛盾冲突。当然他们的观点比较偏激、激进,他们固执地认为文化工业和经典艺术不相融合。其实,在萧伯纳、托尔斯泰等经典作家、伟大编剧的视域中,包括小说、戏剧等文学经典改编和影视文化产品制作间并不是水火不容,而是存在着相互影响,完全可以沟通相连。关键在于新创作的作品有“艺术性”“人文性”,同样还是“艺术”生产的延伸,能够破除生产的标准化、齐一化,能动地服务和满足人的现实需要。影视改编不能为追求利润而简单模仿,不能为让受众购买、消费新产品而追新逐奇、标新立异。改编文学经典作品,还有必要坚持马克思主义所倡导的文艺作品所坚守的“历史的”与“美学的”内在统一标尺。马克思主义的唯物史观虽然反对人性论,但并不排斥人性。他既考虑人的自然属性,同时也把握人的社会属性。对人性共同形态的描写,不能仅着眼于自然性,而且应把握其历史性、社会阶级性和伦理、道德、宗教等属性的综合方面。马克思主义者同样肯定审美的最高境界是人的哲学,审美的最高原则是超功利的,是作用于人的心灵和精神的。正是基于对工业化生产导致了人的“异化”问题的反思,马克思主义才强调文艺创作应该肯定和倡导人的独立、尊严、价值和地位。
仲呈祥先生在反思当下影视产业发展时曾指出:“把过去用政治方式取代审美方式把握实践,改换成了用利润方式取代审美方式把握实践,同样的实质是排斥了审美的方式把握实践。……现在我们陷入了一种文化悖论,一方面我们在呼唤经典、呼唤大师;另一方面经典、大师在身边,我们又不珍视他们留给我们的遗产。”可见,影视改编坚守马克思主义倡导的“历史的”和“美学的”统一尺度甚有必要。综上可见,改编文学经典依然是发展影视文化产业和建构品牌的重要路径,在文化产业“倍增”战略视域中反思当下影视改编问题甚有必要。我们要改变当下改编影视作品时普遍高扬“技术美学”而漠视“人文美学”、崇尚“工具理性”而抑制“人文情性”;臆测“人性”的共同性及探索“人性”的深度而突破“历史性”维度等现状,进一步在工业化的影视改编生产中坚守“艺术品格”和“人文精神”,做到“历史的”和“美学的”内在统一。
分析平面设计中的符号艺术与表达
本论文是一篇关于平面设计中的符号艺术与表达的优秀论文,对正在写有关于符号论文的写作者有一定的参考价值和指导作用!
摘要：在平面设计中，我们可以看到各式各样的图形设计以及各种新奇的创意，而这些都离不开符号理论。换言之，任何与图形有关的艺术其实就是一种符号。本文主要根据已有的相关研究与资料对于平面设计中的符号艺术与表达进行了深入的研究，让人们更加深入地的了解与掌握符号艺术以及表达。
关键词：平面设计;符号艺术;图形设计
一、平面设计中符号的语意的表达
一个成功的设计作品中，往往还要有一个与主题上再相符合的图像，而这个图像还要经过符号进行了一定的表达，如此才能充分的体现出该作品的表现力以及感染力。而在平面设计中，将视觉与情感进行了有效的结合，还需要将符号的表征以及其含义的表达进行充分的融合，而对于这一方面，我们可以在很多的平面设计作品中看到。如“康师傅”在进行广告宣传时，贴出“精彩生活就是这个味”的标语，并且在图中代言人对其竖起了大拇指，由此表达出“康师傅”与人们所追求的美味是相符的，同时也表明了该产品在在市场中，也是非常受欢迎的。在这个设计中，设计师主要采取了一种较为直接方式表现了该符号图像，而竖起大拇指的动作设计，现体现了较强的表现力。
二、符号艺术在平面设计中的应用
广告主要是通过一些媒体媒介向观众提供某一产品的主要信息的方式，它的目的就是为了能够使得产品以及相关信息能够进行广泛的传播，而广告的图形创意是按照其所要宣传的内容以及目的进行相关设计的。而平面设计则是广告设计中的重要组成部分。在进行平面设计时，还要将其创意与所运用的媒体特点进行充分的结合，如此才能使得最后呈现出的较好的效果。在进行平面设计时，其最重要的就是传播一定的信息，并通过各式各样的符号让人感受到一种特别的视觉享受以及对于图形的印象与理解。另外，不同的设计风格所产生的艺术美也是各不相同的，而为了突出主题，增加主题的思想与含义，将图形设计进行符号化以及抽象化的设计已成为了目前平面设计中最重要的方式之一，设计师们只要将这种图形与符号采取一定的方式进行连接，而在进行连接的同时，也要尽量使其简洁化，由此所表现出来的含义与意境将更加的深刻。在运用符号艺术时，还要本着以真实为原则，在有限的空间以及内容，完美的体现出符号艺术，并且以传统完整准确的信息为前提，让观众在看到这些设计时，能够产生一定的共鸣，从而勾起其消费的欲望。
三、符号艺术在平面设计中运用方式
(一)直接使用法
在进行平面设计时，大多的形象都是按照一定的方式进行组合的，而符号不只是与主题、内容进行了充分的整合，而且还必须将其灵活的体现到作品中，这就是我们所说的直接使用法。这种策略通常都是运用于一些标志的设计方面，在我国各大银行的标志中尤为明显。在我国的银行标志中，工商银行就是采取了最直接的方式进行设计，其标志为工字外面加了一个圈，在我国古代，圈是代表钱的意思，而中间的“工”字，则是表示着工商银行，这种设计让人们一眼便知这是工行。而其他的银行，如建设银行以及中国银行等也是采取了直接使用的'策略。
(二)群组化使用法
符号的群组化使用法主要是将符号进行单个的重复，或是按照一定的比例进行伸拉缩放、渐变或是特殊的方式进行相关的设计与创作，之后再将这些符号进行了重新组合，由此而产生一幅平面设计作品。这种策略目前所使用的是相对较少的，但是大多的作用都具有一定的代表性，因为其在运用方面难度是相对较高的。如东亚银行在其招贴中采取了“五年五千”的设计进行，其将所有与其有关的字符以及图形都进行了群组化的呈现，其主要表现出该银行的资本积累以及资金实力雄厚，虽然让人有一种繁杂的感觉，但是充分全面的表现了财富的定义。
(三)符号的重构使用法
在有些平面设计中，会采取将某些符号隐形地设计，换言之就是，就没有将其直接的表现在平面设计中，其所表达出的效果以及含义也是相当的含蓄的。可以将其说成是对于图像的一种表现方式，也可以将其认为是对于观念所持有的一种态度。而这一方式主要运用于雕塑作品中，如武汉江汉路的城市雕塑中，这些雕塑都是体现了一些较为简单的生活场景，如在竹席上下象棋以及比较特色的小吃摊等等，设计师主要将这些符号进行了重新的构建，由此表现了其都市的情怀，其艺术特色是非常鲜明的。
结论
符号艺术在平面设计中，是一种创造的设计历程，而在这个创造性的发展过程中，符号艺术与平面设计进行了有效的结合。总而言之，在现代化平面设计中，对于符号艺术的应用非常的广泛，并且也都有了一定的成效，设计师们还需掌握更多的符号艺术的运用方式，将设计的作品更加具有创造性，从而有效提高作品的表现力以及感染力。
参考文献：
[1]袁清秀.浅谈平面设计与符号学原理[A].低碳经济与科学发展——吉林省第六届科学技术学术年会论文集[C]..
[2]杜艳艳.平面设计的符号化设计策略研究[A].首届中国高校美术与设计论坛论文集(上)[C].2010.
浅谈平面设计创作中的加与减论文
摘要：平面设计本质上是对自身意图的表达，准确地说是由委托人定义，由设计师阐明的意图。平面设计师要吸收语言概念，并赋予它们形态，把这些形态整合成有形的、可感知的体验。体验的质量须依赖于设计师在创作或选择阐明概念或信息的形态时的技巧和敏锐。设计师要想设计出成功的作品，需要有效地打通设计环节中各个方面内在的联系，形成系统性和综合性设计知识技能融合，而不能总是为设计而设计，把设计变成简单的“技术活”。
关键词：平面设计；设计作品表现；设计创作过程
一、设计创作中的“加”―――设计作品表现需要广泛的全面积淀
如何才能设计出成功的平面设计作品？是一个时常苦恼着每一个设计师，让他们拍破脑袋而百思不解的问题。为此，不少设计师做了很细且深入的研究与探讨。然而一直以来，人们总是试图通过某一单项的设计能力的培养，或技术上的提高显示自己作品的“抢眼”。然而，过于遵照设计技术的“升级”来做设计往往会阻碍设计本身的发展，技术支持往往只占整体设计因素的一部分而非全部。在英国设计理论家约翰沃克、朱迪阿特菲尔德所著的《设计史与物质文化论丛》一书指出：评价者对一件现代设计作品的期望往往体现在以下方面：（1）功能性；
（2）可靠性；
（3）服务；
（4）美感；
（5）感知质量。由此可知，设计这项工作是综合性的工作；设计出来的作品也是一件综合性的产品。设计贴近市场，需要懂得营销；设计作品推介，需要书面表达尤其是与客户的语言交流、说明自己设计意图的能力；要顾客从产品本身得到高质量的.感知体验，则需要设计师懂工艺，懂材料，懂搭配，等等。设计师要想设计出成功的作品，需要有效地打通设计环节中各个方面内在的联系，形成系统性和综合性设计知识技能融合，而不能总是为设计而设计，把设计变成简单的“技术活”。
二、设计创作中的“减”―――设计创作过程是对作品精减、提炼的过程
“减法”一词来源于数学术语，原意是寻找两数之差的算术运算，泛指在原有数量中去掉一部分。但是，设计领域中的减法与数字概念有所不同，在这里“减法”泛指去除、去掉的意思，用以达到凝练、简洁、纯粹的设计效果及目的。20世纪30年代著名的建筑师、包豪斯第三任校长密斯凡德罗提出了“少即是多”（lessismore）的观点。这是一种提倡简单，反对过度设计的设计理念，被奉为现代主义设计的经典论调，也成为减法设计的基本观点。例如在平面设计中，日本知名设计师田中一光把现代平面设计的视觉传达和简洁表现整合到日本传统艺术中，设计语言简洁洗练，使作品产生一种如日本插花般素雅纯净之美，在亚洲设计界掀起了一场如何在现代设计中传承传统文化的反思。他的海报常在空无一物的空间巧妙安排简单元素，展现致尚简约的美感，避免使观者长时间沉浸在作品的审美氛围中而产生疲劳感。“减”并不是说着什么工作都不做，而是要在设计过程中进行更多思考，更多整合，做到有所为有所不为。减法设计并不等同于一切从简，其中蕴含深刻的设计哲学，并在新的时代体现出新的设计理念：它主张通过最少的材料损耗实现功能的最优化；它倡导运用精简的方法进行设计整合，发展出“以少胜多”的多功能组合设计；它渗透了绿色环保的理念，奉行节能高效的原则，以设计的费心代替生产的费力。在设计中做减法往往比做加法的难度与挑战更大。设计是一个既综合又精简，既复杂又简洁的矛盾体。这是设计的两大特征，也体现了设计的基本精神。这是一种活泼性的版面视觉语言。如果版面本无多少精彩的内容，就要靠制造趣味取胜，这也是在构思中调动了艺术手段所起的作用。版面充满趣味性，使传媒信息如虎添翼，起到了画龙点睛的传神功效，从而更吸引人、打动人。趣味性可采用寓言、幽默和抒情等表现手法获得。独创性原则实质上是突出个性化特征的原则。鲜明的个性，是版面构成的创意灵魂。试想，一个版面多是单一化与概念化的大同小异，人云亦云，可想而知，它的记忆度有多少？更谈不上出奇制胜。因此，要敢于思考，敢于别出心裁，敢于独树一帜，在版面构成中多一点个性而少一些共性，多一点独创性而少一点一般性，才能赢得消费者的青睐。
参考文献：
［1］张楠.设计教育的教学理念、课程设置与教学方法―――兼论视觉素养教育与摄影教育的关系［J］．徐州教育学院学报，（2）:82-84.
［2］聂鑫.广告设计［M］.中国广播电视出版社，2010.1.
［3］田欣欣.《广告设计》课程实验教学模式创新改革研究［J］.广告大观，（6）.
现代平面设计中的繁与简论文
平面设计在整个二十世纪经历了蓬勃发展的过程，其中既有繁复的装饰艺术设计风格，也有简约的现代主义设计风格，然而在这两种风格的发展过程中，繁与简两种对峙的设计理念都是处在一种此消彼长的状态之下的，所以要了解二十世纪设计的发展历程，就不可避免的要对简约风格和繁复风格的设计理念做深入的解析。这就要通过解读上一个世纪的作品以及在现代社会中的应用来了解简约风格和繁复风格在平面设计中的发展历程。
1．简约风格平面设计的审美特征
简约就是一种规律和文化的提取，把各种优良的事物通过不同的组合来表达出其中的精华所在，是一种高度的概括的抽象表达形式。简约的观念就是摒弃一切传统的庸俗和华丽，运用新的材料、新科技、新组合，与人们的观念达到统一。简约而不简单，就是简约主义的精髓所在，简约的理念就是将画面的元素缩减、缩减、再缩减，直至完美。构成画面的元素越少反而能够表达更多、更深的内在含义，这也是作为一个好的设计的必需条件，也是我们常说的“以简胜多”。
1.1平面设计画面元素的以少胜多
简约设计的要求就是将画面中的元素、色彩减少到最少的程度，表达设计所要表达的内在涵义。这样对于设计师自身是一种相当大的考验，任何一个有深度简约设计都是表意鲜明、深刻的，绝对不会允许任何弃之不舍，食之无味的犹豫心态来处理一幅设计。画面中的元素少所表达的设计思想也会非常的含蓄，从而能够达到以少胜多的效果，这一思想也被当作简约主义思想的精髓被人们所认可，再十九世纪初期这一思想正好迎合现代工业化所带来的追求产品的功能性和简洁性要求，简约主义即摒弃拙劣和繁杂的元素以有限的空间，展示博大的内涵。另外简约主义也适应了现代社会的商业化要求，在未来的发展中传统设计的大部分组成模块也将被商业化，这一点在以价值为区别的领域体现的尤为突出。同时简约主义也在设计的不同领域所采用。简约主义是一种高度理性的设计思想，强调文字的简洁明了、表意深刻，没有太多的修饰和做作。色彩上更是追求单纯、明快，经常使用原色，如红、黄、蓝三原色的运用，与黑白灰的色彩搭配上，简约主义源于生活，表现生活，却又高于生活，设计生活表现出相当的生命力。资源与环境保护越来越多的应用在平面设计之中，简约主义的要求重视节约资源和环境利用，不能单纯的靠过度包装来迎合商家的利益，简约主义也体现在国家的政策要求，是我国的资源基本国情决定的，资源和环境在21世纪尤为重要。这样简约主义思潮正好迎合了时代的要求蓬勃发展起来。
1.2画面有序要求多而不繁
二十年代中期以后，简约主义设计发展到了“多而不繁”，相应的“少则乏味”的主张正式针对现代极简主义设计思想而被提出的，这种思想也缓解了即将走入极简主义思想的死胡同中解救出来。多而不繁在设计中的表现为：观念繁多、却没有只需可言，因为全球化的思想带动多元文化的交融，观念理念也表现为多元化的集合，另外后现代主义要求的人性释放、人性自由理念的要求也促使各种文化无序的组合。形态元素再画面构成上相当的多，这也是现代设计走向繁多的另一个原因，所要表达的主题思想丰富，想要表达的主题层次多，画面中的元素不能再缩减的情况下，也可以运用形式美的手法，使画面达到繁而有序的效果。
2.繁复风格平面设计中的表现手法
繁复风格的发展到了现代，这个混合着多种文化的社会语境时，其在平面设计中也发生了一种崭新的改革———繁复风格。对于繁复风格的风格特征的研究，要通过以下的几个方面来了解。
2.1开放性的语义系统
一般在平面设计所用的图形一定要承担着一定的信息，受众只是在等待接受信息，设计者是这个过程的中心，是文本的制造者和意义解释者，受众只是一个接收器被动的接受信息。解构主义哲学家德里达认为“文本是没有内在中心的，它只是一些元素或要素，它的意义存在于这些元素与理解者的语言所组成的新的结构之中，因而也是无限开放的。”美国后现代学者波林罗斯诺从新解释学的角度也提出了对文本解释的'新观点“后现代主义使文本具有代表权，并且抬高了读者的地位。后现代文本是开放的，并且没有客观的内容。读者被赋予确定并创作文本意义的重大权力。”设计者通过构思用一个具有指向性的图形，这个图形在一定程度上就是开放性的，对于不同语境下的受众来说是这样的，他们对于自己掌握的知识会解读出各自新的理解。从某种意义上来讲也是设计者同受众之间的一次互动。
2.2拒绝对意义的阐释
对于图形的阐释的风尚只是出现在二次大战后，一些平面设计家在探索平面设计的基础上形成的不成文的设计方法。图形释义在以德国平面设计师冈特兰堡的作品很能证明，它是以类似、隐喻等手法来表达和阐释一种内在含义，但是这种设计手法对于其本身的局限性也会必然束缚整个平面设计的发展。对于现代文化思潮中对意义的解释的反叛深深的影响了繁复风格的核心理念，并能够从其风格特征中体现出来，拒绝意义的阐释通过感性的体验和受众的情绪的牵动，追求同受众心灵的直接沟通，这样也为繁复风格的突破和发展获得了独到的表现。设计者拒绝在平面设计图形中解释意义也正是设计作品的开放性和互动性的基础和前提。
2.3奢华装饰的语汇复兴
装饰纹样的华丽一直都是被认为是高雅和富丽的艺术形式，在各种设计中都被广泛的运用，在维多利亚时代后设计同装饰产生了矛盾，但随着工业生产技术的急速发展后，在平面设计的制作过程中，借助了计算机的图形技术的辅助下，种单纯的设计风格形式，它同简约的平面设计的劳动时间和生产成本没有什么区别了，因此反复奢华的装饰纹样不再被斥为罪恶的化身，为繁复风格的平面设计也迎来了一次复兴。繁复风格把传统和现代的，现实与虚拟的，写实与抽象的，严肃与活泼的各种元素和装饰图形和纹样全都运用到其画面之中，都为繁复风格所用。自然而然的繁复风格也就成为了古往今来各种装饰纹样和图形的聚集地和交流的平台。
2.4各种装饰性图形的杂糅
首先，繁复风格的设计的组织元素都是装饰性能的，更确切的一种说法可以认为繁复风格的设计就是纯粹装饰性能的。繁复风格画面不会以某一画面元素作为整个画面的中心来诠释，那些奢华华丽的装饰性图形不再只是美化传统意义上的添加物，他们被设计者编制起来，使其本身也作为设计图形的主题。这种传统或者自创的图形被设计者组合在一起构建起了富含魅力的繁复风格图像。其次，繁复风格的设计图形还表现在图形语言的繁复性和杂糅性。简单的说就是元素众多的组合在一起，元素的杂糅则是把这些图形元素种类混杂，使图形的语言丰富多样。繁复风格平面设计就是这种图形语言的繁复和杂糅取得了一种感性的存在形式。最后，繁复风格并非画面过度的饱满和滥用，其中的元素也可以是局部的繁复。画面保留一定的空白使受众视觉可以缓解，从而产生强烈的简繁的对比，增强视觉的效果。
3.平面设计世界空间层次的发展
变化在繁与简的平面设计风格中，从二维视角向三维的空间的拓展也是其中一个明显的外在特征。在通常意义上，平面设计总是借助一定的平面媒介进行传播，而平面设计意境体现出年轻设计师们对单纯二维局限的突破。将二维的平面作品应用与三位空间中，搭建出平面图形与纵身空间的内在关联，从而获得二维与三维的共鸣。这种二维平面与三度空间的混合即增加了简约设计的深度也加强了繁复风格平面设计的感性魅力，同时也为受众带来全新的视觉体验。
4.结束语
人们审美观与审美追求的是不断发展变化的。“一切过往的东西都可能会是一个新的开始”，纵观当今现代艺术设计，我们应该敏锐的注意到在艺术设计领域又在涌动着新的潮流，人们似乎越来越对现代主义简洁的风格产生“审美疲劳”，国内外平面设计领域里出现了重新追求繁复变化和装饰意味的表现趋势。这种趋势又在向我们展示在艺术设计中“简”与“繁”的新变化，新循环，这种变化是不是昭示着艺术设计新潮流的到来呢？但我们可以肯定的是艺术设计就是在这样的变化与循环、肯定与否定中向更高、更美的阶段迈进。
浅谈动画分镜头中内容与节奏的把握艺术论文
关键词：动画分镜头内容节奏作用
摘要：本文阐述了动画作品前期工作――分镜头的重要性，并就分镜头中内容与节奏的把握作了详细说明。同时指出，分镜头脚本的绘制起到了承前起后的作用，每个环节都需要细心制作和设置安排，以体现创作者的意图及导演的理念。
电影与动画的表现形式近似，都是由一个个镜头衔接来表达一个完整的故事。动画的分工较为复杂，分镜头作为一个表现导演意图，还原创作剧本构思，使剧本的内容呈现影像化的工作。在影视动画前期创作中起着很重要的作用。
一、分镜头脚本
分镜头中脚本也称之为摄制工作台本，也是将文字转换成立体视听形象的中间媒介。它的主要任务是根据解说词和电视文学脚本，来设计相应画面。即是用图片和文字来叙述故事内容，可描绘的内容范围包括导演的要求，音效以及对白的说明。
分镜头脚本可分为三类：文字分镜头，画面分镜头，色彩分镜头。文字分镜头脚本是指一些导演对剧本的构思所做的说明和编号，为后期制作提供依据。画面分镜头是指导演把文字落实到画片上，形成连续的画面剧本。色彩分镜头顾名思义就是把分镜头上色，主要为后期的灯光渲染提高色彩和灯光参考。
一般而言分镜头的绘制要做到以下要求：
一是需要充分体现出创作意图，创作思想与创作风格。二是分镜头运用必须流畅，画面与画面之间需要交代清楚。三是形象须简捷易懂：目的是要把导演的基本意图和故事以及形象大概说清楚，不需要过多的细节。过多反而会影响到总体的认识。四是连接必须明确，一般不表明分镜头的连接，只有分镜头序号变化的，其连接都可为切换，如需要淡入和淡出。在分镜头的剧本上都要标识清楚。五是对话，音效等标识需明确。对话和音效必须有明确标识，且应该标识在恰当的分镜头画面下方。
二、分镜头内容的创作
剧本当中的语言是文字，行之有效的动画剧本为动画片的创作打下了良好的基础，分镜头的语言是各种景别设计，景别可分为大远景，远景，全景，中景，近景，特写镜头。每个镜头的调度变化，移动规律，推拉摇移构成了一个个运动的画面。以镜头画面作为情节叙事的主要手段是包括动画影片在内的影视艺术区别于其他艺术形式的显著特征之一。
例如，文字“夜空的雄鹰”，在由文字向画面转化过程中会考虑很多的问题，如夜空下的场景风格，在何种地形上，夜空和雄鹰是什么位置和空间关系，在镜头画面当中如何呈现，选用什么机位和角度等各方面因素。
分镜头的创作大多以剧本作为依据，在剧本的意图下进行画面的再创作，可以在文字分镜头的基础上进行绘制，把文字在人们脑海中的印象用行之有效的画面表现出来，但剧本与文学作品的形式不同，文学作品中往往运用了较多的形容词性的描写，如复杂的心理活动描写，类似的描写在剧本中却无法存在，因为这类非具象的.状态很难通过演员的外部简单的语言、表情和动作去表现。对于人物形象、环境、时间、语言、动作、行为、事件等较为具象的内容，则较容易通过视觉和听觉呈现。这部分工作在前期动画创作中是很重要的。
三、分镜头中的节奏
动画的节奏形式是很复杂的，因为动画是综合性很强的艺术，在动画画面中影像的形态多种多样。节奏在艺术作品中以特定的形式存在，在动画中，节奏主要体现在叙事结构、分镜头等等方面。 节奏也是一个美学范畴，是各门艺术的一个构成元素，从而成为常用的艺术学术语。它也成为动画艺术的重要艺术元素之一。动画艺术离不开节奏，动画的节奏主要体现在叙事结构、分镜头、动作、音乐等等方面。然而对叙事结构节奏和分镜头节奏的把握是动画片前期工作的重点，直接关系到未来动画的成败。
根据剧情内容的发展，在一组镜头中，要知道如何选择运用全景、中景、近景和特写等不同视距，而且要能够用得十分贴合实际，做到合理搭配，使观者感到非常自然，是进行画面分镜头节奏设计中不可忽视的一个方面。当观众在看到一个镜头的时候，首先感知的就是分镜头画面的景别形式。
观看远处的人和景物的时间要比观看近处的人和景物的时间长些。一个远景镜头上的行动需要的时间可能长些，一个近景由于易被人领会它的内容，因此，近景比远景的长度可以短一些。由此可见，景别会直接影响画面延续的长度，如果在视觉上把特写当成是突出动画片感受重点的振动，那么全景和远景就不仅仅只是认为在描写环境和气氛，还应该把它们作是视觉节奏感受中的停顿。分镜头也是一种节奏形态。节奏的停顿，连续影响着故事的发展。
四、结语
分镜头也是导演用来表述自己的想法和拍摄风格的重要手段。是向其他部门人员传达思想和意图的重要途径。动画制作人员能够从分镜头剧本中了解到摄影机拍摄的角度、镜头运动的状态、人物的对白及动作，如何确定两个镜头之间的衔接。所以我们在做短片的时候，不能忽视分镜头的创作。对无论是人力与物力都投入巨大的动画艺术而言，在一部动画片的创制并正式生产之前，先做几分钟的试验性镜头是非常必要的。通过试验性镜头检验从设计到制作的全过程，以确定各个环节的配合关系，对造型、背景等设计进行实际的组合搭配、对设计的各个部分进行修改，并为正式生产提供经验。同时，还可以通过有针对性的试验性镜头，向一定层面的观众征询意见，获得反馈信息，这对于动画片的风格定位是很好的参考依据。一部动画片从创编、设计、绘制、后期等各个环节都渗入了参与者的创造性的工作，但具体的技术及制作管理又是科学、理性的，目的是提高工作的效率。而脚本制作的意义就是要从中摸索、总结出最佳的模式。
所以，我们需要重视前期的剧本分镜头脚本的绘制，为后期复杂的工作开个良好的开端。分镜头脚本的绘制起到了承前起后的作用，每个环节都是需要细心制作和设置安排的，需要把前期工作做到完善，需要我们付出极大的努力。
参考文献：
［1］孙立.影视动画镜头画面设计［M］.北京：海军出版社，.
［2］栗丹倪，丘隶.动画的分镜头设计［M］.湖南：湖南师范大学出版社，2008.
［3］盘剑.影视艺术学［M］.浙江：浙江大学出版社，.
［4］常虹.动画片的前期制作［M］.浙江：中国美术学院出版社，2004.
浅论钢琴教学中的共性与个性关系艺术论文
摘要:钢琴教学中,由于不同的学生相互间存在一些差异,所以不能固定一种方法去教学,必须把握好教学中共性与个性的关系,这样就会使教师的头脑更为灵活,教学手段就会更加高明,教学过程的准确度会把握得更好,学生在学习过程中也会更加易于接受,学习进度也会得到提高。
一、教材使用方面的共性与个性关系
钢琴作为一种重要的演奏乐器,越来越受到人们的喜爱。学习钢琴的人数也日渐增多。作为钢琴教育中所使用的教材,经过在实践中的反复总结,逐渐形成了具有一定共性的系列类型。目前,通常在钢琴教学中使用的教材,从初级到高级可分为四个类型:手指练习类(包括音阶、琶音等练习);巴赫(复调)类;练习曲类(拜厄、车尔尼等);中外名曲类。这四大类是每个钢琴教师必须使用的教材范畴,在这个框架下,我们还要考虑到一些不同情况来安排不同的教材。
在钢琴教学中必须根椐不同的年龄、能力,根据不同的音乐素质及条件,灵活科学地组合选用教材。钢琴教学从学习者年龄来划分,可分为幼儿、儿童、少年、成人四个阶段,对不同阶段的学琴者来说,不能简单地使用同样的教材,采取生搬硬套和齐步走的方法。如我国目前对幼儿和儿童的钢琴启蒙教学,入门阶段有些教师使用我国创编的《钢琴初级教材》等,但多数教师普遍采用汤普森教材。汤普森教材又分为大汤、小汤两类,小汤的难易程度较大汤又要浅一些。有的教师对于幼儿和儿童一律使用小汤,其实,对于能力较强、音乐素质好的儿童可以直接采用大汤。一般的儿童就是使用小汤也不要每条都弹,要有目的的选弹,然后应很快过渡到大汤,少年也可直接采用大汤。拜厄教程也是初级阶段普遍使用的教材,对于幼儿和儿童以及少年都是属于必用教材,但对于成人而言,则不一定要按部就班地弹完拜厄的每课练习,而是应根据成人的能力、音乐素质等来选用。能力、素质好的学生,在掌握了钢琴的基本弹奏方法后,如音阶、琶音等,就可直接选用类似车尔尼599的教材。还须注意,在练习时应根据不同学生的需求分为浏览性和重点性两类来练习。总之,对于每一个学生而言,不能生硬地按一种教材模式进行教学,一刀切地使用一种教材会造成时间的浪费进而影响进度。
教材的选用对于师范院校的学生也极为重要,师范院校的学生虽属成人类,但其中也存在着许多特殊性,钢琴水平参差不齐,还有的是从零学起,所以不能按一种教材模式去教学,如果说一个进校时已经能完整准确地弹奏乐曲《解放区的天》的学生,让其再从拜厄开始学习,结果可想而知毕业时的钢琴水平。所以作为教师更应该把握好教材使用方面的共性与个性之间的关系,精心地为学生安排好不同的钢琴教材。
二、钢琴技术方面的共性与个性的关系
每首乐曲对于学生在技术难点及演奏要求上基本是相同的,但不同的学生对于相同的技术却会有不同的反应,比如手小的学生弹奏跳动较大的音程及八度双音和弦时就会感到难度较大,而手大的学生相对会轻松,对于织体、声部复杂的乐曲,多数学生在背谱弹奏时都会觉得比较困难,但是有些学生对此却感到很轻松,能力强的学生手指很容易做到独立跑动,能力差的学生则相反。所以,在学生的练琴过程中,应根据学生不同的能力条件来安排所需的练习,如手小的学生先练习分解八度,在选曲时不要选有过多的跳动大的音程和八度双音。背谱困难的学生则可以先背一些织体、声部较为简单的乐曲,即使是遇到织体、声部复杂的乐曲,也要教给他们一些背奏方法,如每次背一小段甚至一句,背熟后再继续背下一段或下一句,不能一次性背得太多,那样容易背错同时也背不牢,背出的乐曲是断断续续的。能力差的学生在练习快速跑动时,要叮嘱他们多练慢的,由慢逐渐加快,不能一开始就练习快速跑动,并且要注意保持手指的独立性,手腕手臂放松,不能用手腕手臂去死压,这样练琴,只能是越练越糟。总之,循序渐进、由浅入深地给学生安排曲目,针对不同的`学生,进行不同的技术练习,这样才会使学生在学习中不会感到过分吃力。钢琴技术中的高抬指练习是为了训练学生手指的速度、力度、独立的练习,它是一种不可忽略或缺少的练习。所有的钢琴教师在教学中都会使用到这一方法,但是高抬指练习要分阶段,这是它的特殊性。一般幼儿在启蒙阶段不要使用这种练习方法,尤其是先天手指软弱的孩子,对于这样的学生只要求手指离开琴键,能够独立地抬起来就可以了,过早地要求高抬指弹奏,有时不仅达不到预期的效果,反而会造成手腕和手臂的紧张和僵硬。同样,钢琴技术中包含对音色的要求,任何教师都会强调如何弹出扎实而美妙的声音,但是对于比较幼小的学生不能过分地强调力度和音色,忽略这个问题,手也会出现僵硬的状态,发展下去后患无穷。
三、钢琴教学方法的共性与个性关系
每一个专业的钢琴教师在教学方法上应该是基本一致的,比如要求手指的站立,手指的独立性,手腕、手臂的运用以及各种奏法,包括快速与歌唱性的弹奏方法等等,要求都是相同的。但是在教学方法上也存在着各种各样的技术流派,使钢琴教学在演奏技术方面又产生一些差异。对于这种现象,笔者认为不论什么流派,哪种方法,只要学生学得规范、正确,弹奏时手臂手腕能够保持松弛、运用自如,手指独立,演奏的声音正确好听,就无需去讨论究竟哪种方法最好。目前在学琴过程中往往存在这样一种现象:就是一个学生跟着这个老师是一种方法,换一个老师又是另一种方法。有的甚至换一个老师就要从头再学,让学生感到无所适从,同时严重影响了学生的学习进度。笔者认为,专业教师使用的多种教学方法都有很多可取之处,所有的方法都是旨在培养出优秀的人才,这是共性。 在教学过程中,还有一点应该引起重视的,是教师对于语言的使用,作为教师要选择学生能够接受而且乐于接受的语言表达方法,否则效果不会理想。笔者曾经听过一节某教师为一位10岁儿童上的钢琴课,听完孩子演奏的小奏鸣曲后教师为学生分析作品,应该说这位教师讲解准确,但可惜的是语言选择过于深奥,使小学生听后感到似懂非懂。这说明作为一名钢琴教师,不仅仅需要准确的表达,同时还需注意语气和语言表达方式,要让小学生感觉简单易懂又有趣。如给幼儿和儿童学弹大汤的第一册的某些课时,教师都可以用极短的时间给他们编出一个非常简短而动听的故事,这样不仅能提高他们的兴趣同时可开发他们对音乐的想象力。同样,在安排练琴时间的长度上针对不同年龄的对象也要有所甄别。类似这样的问题,相信许多教师都有一套自己在长期实践中总结出的经验和体会,这里就不再赘述。
以上论述了钢琴教学方面几点共性与个性之间的关系,一位好的钢琴教师应该是不囿于某种刻板的教学模式,而是通过观察与实践并通过具有典型意义的教学范例,不断总结教学心得,使其得到理论升华,并获得带有普遍意义的指导作用,持之以恒,必将不断提高自己的教学水平。
浅谈道教科仪中的青词与道乐艺术论文
摘要：道教科仪程式中道乐与青词是不可或缺的，青词的存在与发展，与道乐的兴起、旺盛是分不开的。本文则详细论述了道教科仪中青词和道乐的形式以及其对科仪本身的作用。
关键词：道教科仪青词道乐
一、道乐
道乐即道教音乐，是道教斋醮活动中使用的音乐，又叫道场音乐，简称“道乐”。是道教科仪活动中道士唱诵或乐队演奏的音乐。具有严格的程式、章法和明显的特征。随着青词的程式化，其旋律、主奏、伴奏等都日趋程式化。由于道教土生土长于华夏神州，因此，道乐是一种具有中国特色的宗教音乐。其音乐来自民间，也有一些音调来自宫廷，听起来十分雅致。来自民间音乐的有《步虚韵》、《召五方》、《路头曲》等，来自宫廷音乐的有如：《心志朝礼》、《灵前上香酒三奠》等，还有些是道士们结合当地民间音乐创作的，如《三上香》、《三皈依》等，听来十分入耳和亲切。
道教音乐分为由人声唱诵的“声乐”和由乐器、法器演奏的“器乐”两种形式。一般“声乐和器乐”是同时进行的，即法师在唱诵的同时，配以器乐伴奏。在法师休息，而场面不能太冷清的时候也有大段的器乐演奏捧场。道教内部对上述两种形式有自己的惯有称谓，称声乐为“韵”、“韵腔”、“韵子”等；称器乐形式为“曲牌”、“牌子”等，其中“曲牌”有时候也存在于声乐中。
二、青词
青词是道教科仪中一种特殊的章表，是道教祭祀、法事的祷文，是法师以斋主的名义用唱诵的.形式对上天的一种祈祷、对神灵的一种陈词，表达对上天的尊敬。“是高功措辞者，独青词乃斋主之情旨，高功之所据，凭科所谓誊词者也。”一般都用第一人称“我”或“吾”。
青词之名，始见于唐代之太清宫道教行事：“（唐天宝）四载四月，敕比太清宫行事官皆冕服，……兼停祝版，改为清词。”《道门定制》注云：“唐奉老君为圣祖，置太清宫，奠谒祠事甚严，故有此敕。”因此，可以说青词是唐朝中期才发展起来的。以前叫祝版，没有形成固定格式。所谓“祝版”，就是书写祝文的木板。贾公彦疏云：“一板书尽，故言方板也。”唐代太清宫也有记载“易祝板为青词”，唐代青词盛行，《翰林志》记载：“凡太清宫道观荐告词文，用青藤纸朱字，谓之青词。”青词程式化的主要贡献人之一的杜光庭与道乐的程式化不无一定联系。
三、青词与道乐
（一）青词是道教科仪的灵魂
“曲是音符有规律的运动，词是诗化的语言。”青词在道教法事活动中，是通过道士唱诵出，对神、对仙的敬仰。只有通过词的吟诵，把凡间凡人对神、仙的敬仰之情通过最直接的语言送到神界，通过语言的描述，直接表达凡人对神、仙的崇敬、敬畏、臣服之心境。有如我们平常所说的“报告”，在整个活动过程中一般出现两次，一次是法师代替斋主向天廷或某神提出请求事项；一次是法师自己向天廷或神灵说明法事的事由，和提请怎样对待。以欧阳修撰《皇帝本命道场青词》为例：维某号某年岁次某甲子某月某朔某日某甲子，嗣天子臣某，谨遣某人于某州某宫观，开启本命道场三昼夜，罢散日设醮三座。谨上启太上开天、执符御历、含真体道玉皇大帝（陛下）：伏以宝祚无疆，苍穹垂佑。吉日式临于元命，醮科爰举于旧章。荐诚愨以惟精，延圣真而并集。仰希灵贶，敷锡眇冲。四时叶序以和平，品汇均休而康泰。无任恳切之至。谨词。从文辞内容看，先用散文叙斋，再用骈文表达颂扬神功、启请谢恩之意。缙云县五云镇船埠头村郑某的一场法事，其中的青词与杜光庭之青词格式类似，“伏以”以下主体部分的内容大致相同。“伏以清净为宗，故天宝焕检营之令；教以慈悲为主，清微昭解秽之文。祗当发遣于笺封，先用肃清于坛宇。坛友检摄符，命谨当颁行。”所以，青词把凡人的意志、希望、愿望运用道乐（所谓天籁）通过唱诵到达神灵。
（二）道乐是道教科仪的血液
道乐贯穿整个道教科仪活动中，道士通过一定的旋律进行唱诵，再配以较固定的乐器伴奏，如：籟、笛子、唢呐，还有锣、鼓、木鱼等打击乐器。素材来自民间，音乐十分亲切、自然，使得青词更具生命力，青词产生唐朝，历经宋、元、明一直兴盛不衰，到清代虽已衰弱，但直至今日民间道教法事活动中，青词的运用还是不可或缺的。每场法事，在青词写作成功后，道士则配以一定的音调进行唱诵，青词通过唱诵得以升华，只有通过道乐的编配给予青词生命力。可惜道乐曲谱没有很好地记录保留下来，只有民间通过口口相传，导致残缺不全或有较大分歧。但从杜光庭的诗“华夏吟哦远，人声自抑扬。冲虚归道德，曲折合宫商。殿阁沉檀散，楼台月露凉。至诚何以祝，多稼永丰穰。”可知当时道乐十分兴盛。
综上所述，青词的存在与发展，与道乐的兴起、旺盛是分不开的，其中两者之间的关系，还有待进一步探讨与研究。
参考文献：
[1]郭克俭.声歌求道——中国声乐艺术的理论与实践.北京：文化艺术出版社.20版.
色彩图形与文字在平面设计中的运用论文
【摘要】在视觉艺术中，平面设计是重要的组成部分。平面设计是运用艺术符号表达内在涵义，同时还对设计作品中的色彩、各种图形以及文字根据整体设计需要进行处理，只有实现多种设计元素的有机融合，才能够使得平面设计作品获得良好的设计效果。本论文针对色彩、图形与文字在平面设计中的运用展开研究。
【关键词】中国传统文化；图形元素；现代平面设计
平面设计具有以设计为主，将艺术元素融入其中，以使得平面设计可以获得良好的视觉效果，且渗透着文化内容。平面设计创作中，设计者还要将自己的主观思想有效地传达出来，就要重视设计图案中的色彩运用，并对文字和图像进行艺术化处理，以使得平面设计作品极具艺术表现力。色彩、文字、图形都属于是平面设计过程中所运用的主要元素，通过合理运用，可以将艺术信息有效地传达出来。
一、平面设计中对色彩的运用
平面设计中，色彩对人都的视觉是极具冲击力的。当人接触到平面设计作品的时候，首先就会对色彩有所感知，并对色彩的设计表现力予以识别。色彩之所以会使人有所感觉，是由于色彩能够激发起人的情感。平面设计作品主要是通过色彩表达内涵，而作品是否具有创意也体现在色彩上。所以，在一件成功的平面设计作品，要能够有效地应用色彩。从自然科学的角度而言，色彩属于是物理现象，之所以色彩能够对人的情感具有影响力，并不是由于色彩本身是有灵魂的，而是色彩对人产生视觉刺激，将人的主观思想激发起来，并产生想象力，加之情境的渲染，就会使得色彩调动起人的情感。事实上，关于色彩对人的情感的影响，与人是心理具有直接关联。心理学研究人员针对相关问题进行深入研究，总结出色彩的象征意义。比如，当人接触到暖色调的时候，诸如红色、橙黄色等等，视觉神经受到色彩的刺激就会在大脑中浮现出火焰或者太阳等等事物，于是主观上就会有温暖之感。当人接触到冷色调的时候，诸如绿色、蓝色等等，视觉神经受到色彩的刺激就会在大脑中浮现出大海或者山泉等等事物，于是主观上就会有凉爽之感。平面设计师要能够对各种颜色对人的视觉冲击而产生的效果充分掌握，从人们对色彩的主观思想出发选择色彩，以使人们能够对平面设计作品准确解读。比如，人们对可口可乐的LOGO设计是非常熟悉的。这个LOGO设计在色彩上就是以红色为基调，红色会给人以热情之感，似乎喝了可口可乐就会精神百倍、充满活力。如果对制冷的家用电器，诸如电冰箱、空调等进行LOGO设计，在色彩的基调选择上，就应该以冷色调为主，让人们看到LOGO之后，第一感觉就能够对品牌的性质予以定位。值得注意的是，色彩的寓意并不是一成不变的。在不同的文化领域中，色彩的内在涵义也会有所不同。平面设计师在创作作品的时候，就要充分考虑到设计主题以及受众群体的特殊性，以在设计中着意于正确的色彩选择，以避免让受众对所传达的信息曲解。所以，在平面设计中，色彩所发挥的是服务性作用，以使平面设计的主题准确地表达出来。
二、平面设计中对文字的运用
平面设计中，文字所发挥的作用是不可忽视的。平面设计作品本身所传达的信息是运用图画语言传达信息的，具有抽象性。对于图画语言知之甚少的人而言，就很难对平面设计以准确理解。对文字以有效运用，就是将设计理念以及所要表达的设计主题都通过文字明确，以将平面设计作品的意图传达出来。在平面设计作品中应用文字，是对平面设计的深入说明。文字是平面设计作品中的重要组成部分，对设计作品的信息传达具有重要的影响力。平面设计师应用文字作为设计内容，就要将文字的属性合理利用，比如，文字的字体、文字的自豪以及文字的排列方式等等，都可以对设计作品的平面的审美产生不同的效果。对文字造型的不同设计，对人的情感也会具有一定的影响力。将文字处理为设计元素，以样式不同的流动的线条呈现，不仅与文字的运用规律相符合，而且还能够使平面设计作品的内在涵义准确表达。
三、平面设计中对图形的运用
平面设计作品能够对受众产生吸引力，图形的运用起到了重要的作用。图形可以使得平面设计作品中的意境被塑造出来。人的视觉对图形的感知力是非常强的，而且其信息传递的.速度要高于文字。图形优于文字的重要之处是图像以其独特的视觉魅力能够将人的想象力激发起来。从平面设计作品的功用价值上来看，其是信息传达的字体。一件成功的平面设计作品不仅仅会给人以良好的视觉效果，更为重要的是能够对信息准确表达，或者是宣传，或者是劝说，其最终的目的是受众能够接受信息。对于平面设计作品所要表达的主题思想，受众要通过解读设计信息才能够充分理解。自由当平面设计作品引起平面设计师与受众的共鸣的时候，才能够使得受众对设计作品产生认同感。平面设计师对图形的运用，主要采用三种图形形式，即根据设计需要经过变异的图形、结构规则的图形、结构不规则的图形。变异的图形就是打破了传统的图形设计思维，在结构形式上不是按照常规设计手法。这种图形设计形式被广为欢迎。结构规则的图形和结构不规则的图形并不是截然不同的，而是存在着互补性。规则图形如果根据设计作品需要而进行不规则设计，就会使得设计作品给人以生动、活泼的效果。如果是应用规则图形，则会给人以严肃之感，令人观之便会肃然起敬。特别是一些规则图形具有丰富的象征意义，用于平面设计中使得设计作品所要表达的涵义更为直观。
四、总结
综上所述，科技的发展，平面设计中不再拘泥于图像的视觉表达，而是要发挥其视觉传媒而传达高质量的信息。平面设计者要使自己所设计的作品符合时代需求，且具有时代色彩而被受众所接受，就要将色彩元素、文字元素和图形元素合理利用，以创作出成功的平面设计作品。
【参考文献】
[1]郝云超.由文字到图形——浅谈平面设计视觉语言[J].大众文艺:学术版,(04):100.
[2]马方春.试论色彩、图形、文字在平面设计中的运用[J].艺术百家,(A02):176.
[3]盛键.浅谈汉字在平面设计中的独特魅力[J].北方经贸,2013(4):148.
[4]赵红彬.试论色彩、图形、文字在平面设计中的运用[J].祖国:建设版,(12):35.
一、版式编排设计当中视觉要素及分类
1、视觉要素的基本内容
所谓视觉要素，就是能够构成我们所能够看得见的各种视觉形象所表现出来的最为基本的视觉性质，例如：现实当中的杯子，总会表现出一定的形态、材质、色彩以及相关的肌理特点等方面的性质，而这些可以看得到的性质则被我们称之为“视觉要素”，它主要是存在于不同的物体当中，是组成物体形态的重要基础。
2、版式编排设计中“形”的特点
在平面设计的编排当中，最主要的视觉要素则是“形”，而在这当中所说的形，主要指的是能够通过人类视觉上进行辨识的一种具体的形态特点，例如事物的大小、色彩、外形以及肌理等特征。从编排设计的角度而言，形的概念具有丰富的内涵，除了我们所说的色彩肌理等一些变化之外，形还可以分为抽象的和具象的形、单一的'和组合形、有机的和无机形等等。我们可以参照形的系统性，来了解形的多样性。如果我们运用辩证的方法去观察形的各种变化的话，可以发现它们之间有着内在的联系，各种各样的形可以在一定的条件下互相转化――点可以变为线，线也可以成为面，具象的形包含着抽象的要素，抽象的形可以成为具象形的一部分。这对于我们在编排创作设计实践中正确而灵活地认识和运用形来讲，是非常重要的。
3、版式编排设计中“形”的具体分类
对于形而言，其基本类型可主要分为点、线、面这三种。而在面当中，又可以分为立体和平面这两种。点、线、面所表现的都是一种形。而在平面设计的具体实践以及生活当中，人们常常会将面称之为一种形态模式，并与但点、线完全的区分开来。在进行现实的实践设计当中，最为明显的问题则是，许多艺术设计者没有任何的设计经验，主要将自己的注意力放在对内容表现的逻辑思维当中，常常会将一个大的版面分为标题、图片以及文字这几个孤立的面，从而忽略了对整个画面速形成的美感。
二、视觉习惯与版式编排的合理性
1、信息与逻辑性保持绝对的一致性
在视觉传达的设计过程当中，编排设计必须要将作品设计与信息表现在逻辑上形成高度的一致性和条理性。不管是什么样的信息，只要他们的组成形式最终是以群组的方式呈现出来的，而在其内部则会充分体现出主次的关系，并且这种特点也会在逻辑结构上不断的变化着。在不同的设计当中，有的内容设计可以通过树形的方式进行展现；而有的内容则需要分清主次关系，例如包装设计及广告表现等等，在对主要的信息进行介绍的时候，还要对许多次要的信息进行展现；而有的设计内容则主要需要在时间上进行延伸，如博物馆介绍历史的陈列、公司的工作进程等等。编排设计者必须搞清楚设计对象在内容上的主次、轻重关系，在视觉形象的运用、组合上必须和设计内容保持一致，表现出逻辑上的一致性和条理性，如标题的大小、插图与装饰图形的设计等。
2、编排设计应与内容紧密相连
编排设计的好坏能够充分体现出一幅作品所表现出来的艺术效果，而这种效果的体现与其内容具有很大的关联。但是在进行设计表现的时候，设计师应该对设计当中的各个因素进行有效的结合，从而表现出一种具有独立性的审美价值。平面编排设计所具有的特定的审美要素，包括图片、文字本身等视觉要素的美感，但更主要的是这些要素所组合构成所体现的形式美感，从这点意义上讲，编排设计的美更多的是抽象的。
三、将版式编排与视觉习惯进行结合的主要策略
1、对视觉心理进行灵活的运用
在进行版式设计的过程当中，视觉心理所表现出来的特点主要指的是在版面设计当中，通过视觉形象以及相关元素重新构建成相对完整的版面效果。而在设计过程当中，对视觉心理产生重要影响的主要因素则分为以下两个方面：
1）对受众心理进行反应，这当中，例如，当人们在看到红色的时候，血压就会不断的升高，情绪也会产生一定的变化，并具有很高的警惕性；在看到蓝色的时候，则情绪将会变得舒缓等等；
2）在视觉情况之下产生的心理联想，如：看到十字架的时候会有一种庄严之感，看到鸽子的时候则象征者和平与稳定等等。这种元素的运用和融合，则会对整个平面设计所表现的基调具有重要的影响。
2、对视觉流程的掌控
在版式编排的过程当中，要想更好的掌握好视觉设计的流程，必须要仅仅抓住受众所具有的视觉心理，也就是如何在版面当中凸显视觉的表现力。在相对传统的且具有固定特征的视觉习惯当中，大家往往会将注重版面当中的几何核心，在心理当中将版面最中心、最大的位置看作是整个版面的中心领域，而这一点在主流的设计当中也同样可以采用。但是，随着设计载体的多元化，视觉焦点逐渐会代替视觉中心演变成版式编排的重点内容，从固定框架当中版式出发的中心定律来看，已经不再被人们所提倡，更多的人只是希望关注到能够引起自然观感的重点。在格式塔系力学当中，相对规律的排版模式会在一定情况下导致人们的审美疲劳，而且运用对比、节奏感以及疏密感的视觉排版模式则会在一定情况下会引起视觉的兴奋感，从而不断的吸引欣赏着的目光。
3、对欣赏着的视觉习惯性进行把握
在美学的视觉法则当中，总结了一系列视觉历程，从版式的上下左右，虚实特点以及色彩变化、前后关系、版面的内容、动态到静态等等，同时，处于一种对地心引力的习惯性心理，在设计当中往往会寻求一种稳定感和安全感，例如，在进行字体设计的时候，头部往往比中部和尾部较小，并逐渐将版面的重心部位像上进行移动。
参考文献:
[1]李璇.自由版式设计的趣味性探索[D].山西大学2013
[2]田倩.传统媒体与新媒体的版式设计比较[D].海南大学2012
[3]冯丽.自由版式设计的风格研究[D].东北师范大学2010
[4]陆志国.中西版式设计比较与未来发展趋势研究[D].苏州大学2008[5]曾璐.“隐形版式”的当代意义[D].中国美术学院2015
★ 欲望与艺术论文
★ 艺术论文题目
★ 领导艺术论文
★ 民间艺术论文
★ 黑色作文
