下面就是小编整理的中国画学习心得（共含9篇），希望大家喜欢。同时，但愿您也能像本文投稿人“喜欢不能挂嘴上”一样，积极向本站投稿分享好文章。
一、概述
刚开始学习中国画我对它并没有什么概念，只是被众多精彩的作品所吸引，感觉笔、墨、水结合会产生很美的意境，觉得非常的神奇。最初学习国画对笔墨的用法掌握不好，记得我的国画老师总会想出很多方式激发我们的学习兴趣，比如先让大家在生宣纸上用笔随意转动，使用点线面相互叠加渗透，自由发挥，感受一下笔墨浓浓淡淡的变化，轻松地表现出几种不同的造型，把大家引入微妙的遐想当中。同学们都对这种无声的语言有很大的兴趣，用尽心思去表达自己内心的想法，这种感觉是很美妙的。教室悄然无声，只有用笔尽情挥洒的声音。而如今我也站在讲台上教给学生学习国画，我也尽量用有趣生动的方法让他们感受国画的魅力。
我们通过吸取前人的绘画经验，归纳出新的知识点，去学习、实践。从而提高我们的审美意识及动手能力。
二、通过大师感受笔墨
笔墨是中国画的基本构成，掌握好笔墨的运用是最关键的，怎样用笔用墨作为初学者来说是很重要的，所以老师要求我们从起步就要正确学习笔墨的运用，不能落入俗套。因此，刚学画画，我们主要以临摹效仿古人佳作为主，学习古人的用笔用墨。我很喜欢吴昌硕 、郑板桥的笔墨，他们是中国画坛的巨匠，对中国画的发展影响很大，因此对他们的画法也进行了一些学习，有一点自己的体会。
(一)笔法的体会
吴昌硕作画来自于石鼓文，他曾说过“且凭篆籀笔，落墨颇草草。”[1]他的画风带有很明显的石鼓气息，他是用石鼓文的笔势来作画的，这首先让我感到学好书法对自己作画是大有帮助的，元人赵孟頫所说：“石如飞白木如籀，写竹还应八分通。若也有人能会此，应知书画本来同”，[2]所谓书画同源此时才有真正的体会。吴昌硕的艺术，是从篆刻开始，由于长期的磨练，他的腕力功夫得到了锻炼，这种功力在他的用笔之中得到了充分的发挥，笔力是靠腕力表达出来的，手腕功夫不好很难表现出有分量的线条，这在作画过程中是有感受的，长时间不练笔，就觉的画出的线会颤抖，没有分量感，吴昌硕的用笔有“钝刀硬入”之语，就像他的篆刻，腕部力量很大，几乎要把笔用秃，这种笔法有种开张拓展的笔意。吴昌硕擅长画花卉蔬果，都是他家乡常见的画材，表达着他对家乡的深爱之情， 而他画的画充满了很浓的金石气味，似乎也像是一幅篆刻作品，很有大气感，即使是画一幅小的作品也气势不凡。所以，我感觉情感和运笔是相互联系的，用笔的力度表现出情感的变化，如果对事物没有足够
的情感，只是靠刻板的描摹和无意的挥洒是表现不出事物的实质的，所以必须在平时多练习，多用心体会，才能在行笔上运出具有强大力感的线。
(二)墨法的体会
墨和线相比而言，线条主要是勾画轮廓，来表现物象的形体，墨不仅可以造形，更能表现出物象的质感、起伏等。笔墨不仅能达到酣畅淋漓，气势磅礴的艺术效果，最重要的是用墨能够营造出独特的气氛，表现人的心理感受。例如郑板桥画的《墨竹图》,[3]是他的一幅构思巧妙的作品，画面主要描绘竹竿和竹节，而竹叶只画了几片，墨色的描绘浓浓淡淡，干湿兼并，恰到好处。笔墨变化丰富生动，竹子画的虽然细但丝毫感觉不出微弱，而是坚韧挺拔，富有弹性，很有力度。画中将竹叶画的很肥，青翠感十足，使人能充分感受到竹的劲节，画面神完气足，神采俱佳，充分发挥了中国画笔、墨、纸、水的功能和作用，使整个画面富有情致，有傲然挺立，不可一世的气势。郑板桥之所以有这种创作体会，既来自于他数十年创作实践心得，也与他对传统名家仔细揣摩学习有关。这和画家高尚的修养，人品和见地息息相关。郑板桥自称“四时不谢之兰，百节长青之竹，万古不变之石，千秋不变之人”，[4]从中可以看出他坚韧倔强的品性。可见墨法的运用除了扎实的基本功之外和作者的修养是密切联系的。
(三)气韵的体会
古人作画很注重画面气韵的表现，老师也曾说过我们画画是要画出空气，让人看了画感觉空气在流动，给人以舒服的感觉，但空气是看不见的，怎样让别人在画中感受到这种气的存在是一幅画成功与否的关键。吴昌硕作画之前，心中已经有这种“气”存在了，等到画的时候，则能一气呵成。他用气推动笔，落笔大胆肯定，能够掌握全局，做到胸有成竹。等画即将完成时，他便开始调整，大胆落笔，小心收拾。他对整幅画布局的安排很到位，尤其是对气的把握，通过诗书画印的安排使整幅画活起来，气韵十足。例如他晚年做的一幅作品《葫芦图轴》，在写意花鸟课上我也临摹过，这幅画泼墨大叶草隶悬藤，满幅金黄色大葫芦次第而生，有些地方密不透风，有些地方却很疏松，信笔自如，气势旺盛。画的左下边有一行题款，左下角有一印，右上角再盖一个小印，这个印虽然小但相当重要，关乎整个气局。右上和左下相互辉映，左上角和右下角则空白，对角气贯全幅，全局皆活。吴昌硕这种独特的构思，诗书画印的巧妙安排将中国画的气息发挥的淋漓尽致。这是我们在作画中应该学习的地方，在作画之前首先要有一个好的态度，然后要对所作之画有全局的意识，把握好整幅画的构图，诗书画印的安排都要事先想好，需要别具匠心地去想去琢磨，不能草草了事。
中国画是我们伟大祖国艺术文化中的瑰宝，中国画有可分为工笔画与写意画。在我小学六年级的时候在我们美术老师的影响下也有接触过写意，那时候年纪小，对国画也没有太多的感受，只是觉得画画很有意思，时隔多年，再次拿起毛笔学中国画，心中还是另有一番韵味!
在大一的时候，看见学长学姐们画国画的时候，手痒痒的不行，那时就已经跃跃欲试了，这个学期一开学，拿到课表之后，心里别提有多高兴。我家虽算不上什么书香门第，但有两个舅舅写得一手的好字，从小就受受到他们的影响，对书法也是情有独钟，不过可惜的是没能一直坚持练下去，三天打鱼两天晒网，以至于现在也没有什么收获。不过因为之前有拿过毛笔的经历，这对我学习工笔画打下了一定的基础。
四周的工笔画课程在今天已经全部结束了，出了第一个礼拜的线条练习之外，只画了三张作品，其中一张四开的临摹和两张半开的写生。感触最深的还算是两张写生作业，第一张的时候，没有一点经验，在焦教授的细心指导下也还勉强的画完了，在整个的作画过程中就发现了很多不尽人意之处，但无奈工笔画几乎是不能出错的，一旦出错便是无法修改，所以就不断的积累经验教训，希望争取在下一张的时候能够吸取教训，好好的画一张更好的作品出来。在画第二张作业的时候，因为有了之前的经验，又在教授的指点下，我尽量避免了之前所犯过的很多错误，心也变得更细了，严格按照作画的步骤，一步步的画下来，最后的效果自我感觉也还算不错，鼓励一下自己!在这门课程的第一节课上，老师就问了我们一个问题，他们为什么小孩以及老年人都会比较喜欢画国画，他给我们的答案就是：国画它可以很简单，因为工具简单，而且写意画也比较随性;另一方面就是说国画的博大精深，即使一个人花一生的时间去探索也无法追寻到中国画艺术的最终真谛!我很赞同焦教授的观点。
中国画是一门特别能够修生养性的艺术，它对人们作画的姿势的要求，工艺上的要求以及所达到的艺术美感可以让人们打到内外兼修的效果，特别适合在生活闲暇之余偶尔停下来好好琢磨一番。有些事情在你一旦接触之后，就会深深的爱上它，国画对于我来说，正是如此。在今后的人生中，我都会一如既往地画下去，无论我将来从事什么行业，它已成为我生活的一部分!
浅谈中国画教学
中国画在初中美术教学中占有很大的比重。中国画是我们中华民族灿烂文化的组成部分，在世界美术艺苑中独树一帜。中国画融诗、书、画、印为一体，代表了一个国家、一个民族的文化修养和内涵，是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。
通过中国画教学，使学生认识中国画、了解中国画、喜欢中国画、会画中国画，产生美的悟性和创造力，是中国画教学的重要任务。
在中国画欣赏课教学中，利用作品的创作背景、反映的内容以及作者的爱国名言和爱国事迹，来教育学生、启发学生，培养学生的爱国主义情感、民族自尊心和自豪感。如《风雨鸡鸣》图是徐悲鸿1937年创作的，画面表现了一只站在岩石上的雄鸡，激昂地高声鸣叫，画家喻意唤起人民赶快觉醒，加入抗日救亡的洪流之中，表达了画家对祖国的深情，对正义的伸张，对光明的向往。徐悲鸿1943年创作的《会狮东京》一画，表现群狮将富士山踏于足下，期望抗日战争的最后胜利。为使学生加深对画的理解和印象，再衬以徐悲鸿事迹简介，徐先生在抗日战争期间，积极投入到民族救亡运动中，以自己的画作在国外展售，支援祖国人民抗日，救济祖国受苦受难人民，使学生看其画、闻其人，倍感亲切，倍受鼓舞。李可染、林风眠创作的《万山红遍》、《秋》以中国画不同的表现形式，鲜明地再现出秋色之美，浓郁醇厚、明艳诱人。画家用饱蘸深情的笔墨，赞美家乡的可爱，祖国山河之壮美。通过欣赏画使学生对中国画产生了浓厚的兴趣，迸发出热爱祖国山河、热爱家乡一草一木的情感。
在中国画笔墨练习教学中，墨色的交融，干、湿、浓、淡、清构成水墨淋漓的情趣世界，使学生在这种笔墨的'变化中得到无穷的乐趣，这对学生既是一种美的启迪、情操的陶冶，也是一种国画技法训练。通过教师在宣纸上演示以墨撞水、以水撞墨、以色冲墨、以墨冲色、泼墨、甩色、点色、吹色等用笔用色技法，使学生产生强烈的好奇心。学生开始练习时，教师要巡视指导，不要求具体绘画内容，只是随意画，用毛笔沾水、沾墨、沾色，使水、墨、色在宣纸上自然交融，再用长短粗细不同的笔触，产生奇特的韵味，使学生在无意之中学到中国画的笔墨技法。待学生对用笔、用墨、用色有了初步的掌握之后，再画简单的藤蔓植物，如：葡萄、黄瓜、丝瓜等。因为藤蔓植物的叶子、藤都有相似之处，只在果实上改动一下即可，有利于学生掌握。
全方位多角度的教学方法是成功完成国画教学的重要组成部分，国画教学不仅局限于课堂内，也可以课内课外相结合。例如：定期举办学生的美术作品展览和开展美术第二课堂活动。因为在此类美展中，作者是学生本人或自己的同学，同学们看了倍感亲切。通过美展互相切磋技艺、交流经验、交流感受，对提高学生的审美能力，增强自信心和成功意识，反馈教学信息都是不可缺少的。
中国画博大精深，是我们美术教学取之不尽的艺术源泉，怎样更进一步的搞好中国画教学，使我们的民族艺术发扬光大，后继有人，还有待于我们在教学实践中不断地探索、研究，并为之不懈地努力。
中国画说课稿
一、说教材
（一）教材分析及教学目标
本课是普通高中课程标准实验教科书绘画里的第一课《民族文化，国之瑰宝――中国画》。作为绘画分册开篇之课，目的在于让学生感受祖国传统文化之博大情深，了解中国传统绘画的艺术特征。通过本课学习，让学生对中国画特有的绘画工具“文房四宝”以及专门的中国画颜料有一初浅认识。通过课文中范画赏析探寻中国画丰富的表现手法。独特的表现形式，以及千百年来，我国画家在实践中形成的审美理念。以及通过本课学习，使学生对中国画形成正确的概念，并通过这种理解和认识提高对祖国优秀传统绘画的热爱和学习兴趣。安排本课还有承上启下的作为。承上:继续提高鉴赏能力；启下：为第2 课和第3 课的学习打下良好的基础。
本课内容可分做三部分：
第一部分：开头段和结尾段概括地论述了中国画艺术特点。
第二部分：介绍了中国画的工具材料。
第三部分：阐明中国画独特的表现手段，深刻的文化内涵以及历代传承，发展至今的创作理
念和美学追求。
（二）教学重点及难点
1、教学重点应教在对自立于世界画坛的中国画的理解和认识上。学生中间可能会有人了解、了解但不喜欢、很喜欢等多种情况，但是作为炎黄子孙，对自己的民族绘画应该有一个起码的了解和认识。只有基于这样一个正确的认识，才有可能拿出积极的态度去探究其中的真谛。
一但走近中国画，就会被那动人的艺术魅力所吸引，而乐于进行更深层次的了解和学习。
2、教学难点：中国画历史悠久，文化内涵深刻，加入点必须找准，起点太高会使学生望而发畏；起点低则与九年义务阶段的国画学习区别不大，难以引起学生兴趣。准确把握本课知识难度，引发学生学习兴趣是本课教学为起点，切忌将本课上成单纯的作品分析或技法分析课，失却了从文化历史的高度探究中国画的主旨。
二、说教法
欣赏法、引导法、讲解法、讨论法、教学媒体的运用
①欣赏法：在教学过程中，欣赏本课在笔法与墨法的方面具有代表性的国画（如：宋代梁楷的《泼墨仙人图》）感受技法效果及提高鉴赏水平等。（说明：鉴赏活动是伴随着整个美术教育系列） ②引导法：教师在课前与教学过程中，引导学生课前如何查找相关资料与在教学过程中如何欣赏国画、认识中国画工具材料和理解画理、画论、画史等相关资料。（说明：学生虽然有一定的自主学习，但引导正确的方向是很有必要的；如正确查找相关材料）
③讲解法：在教学过程中，对学生不明白的问题给予讲解等。
④讨论法：教师引导学生在课前查找相关资料，并分小组讨论，讨论不明白，可课前后与老师讨论，互相学习。在教学过程中，也可师生讨论，达到共同学习的效果。
⑤教学媒体的运用：运用幻灯片播放国画工具、作品及相关的资料等。
三、说学法
提前上网查找中国画的有关资料及总结相关资料。
①在老师的指导下，提前上网查有关中国画的创作与技法的理论及相关资料。并分学习小组为单位，课前讨论如何欣赏学习创作中国画等。
②讲课过程中，小组讨论学习并灵活应用材料表达自己的思想等；多让学生与多种形式大胆地展示和交流，用口头或书面形式对自己和他人的绘画作品进行评价。
四、说教学程序
（一）新课导入：
继上个学期的美术鉴赏，同学们已经具有一定的鉴赏能力，这学期，我们将过度到绘画这一模块，但绘画也不是单纯的绘画，因为在我们的艺术学习领域里，培养与提高鉴赏能力是离不开每个模块的。学习各种绘画技法之前，我们先来感受一下祖国传统文化之博大精深，了解中国传统绘画的艺术特征。
（出示几幅优秀国画作品）在20 世纪50 年代，西方绘画大师毕加索会见中国画大师张大千时曾说：在这个世界上谈到艺术，第一是我们中国人有艺术；其次是日本的艺术。当然，日本的艺术又是源自你们中国的；第三非洲的黑人有艺术。（说明：在这里我们可以以提问的形式进行教学。）
提问：这是为什么呢？
由学生回答：（略）（在这里学生会回答历史悠久与灿烂文化等关键词。）
教师小结：我们伟大的祖国是具有悠久历史和文化传统的国家，她孕育了中华民族的灿烂文化并使其持久地发展着。中国绘画是中国传统文化的'重要组成部分，做为炎黄子孙，让我们怀着崇敬的心情来探究民族文化的瑰宝――中国画。
（板书：民族文化 国之瑰宝―― 中国画）
（二）讲授课
解决问题（1）民族文化的瑰宝（板书）
提问：为什么说中国画是民族文化的瑰宝？中国画在哪些方面具有独特之处呢？（板书）
（同时出示：两张西方油画与两张国画对比）
学生讨论回答：（略）（学生可能会先从色调和画得像与不像等方面回答，这时我们可以引导学生从表现形式上回答，让学生注意国画的诗、书、印）
教师根据学生回答小结：中国画的独特之处是将中国文化中诗、书、画、印融会在一处，彰显浓厚的文化底蕴。
解决问题（2）了解中国画的工具材料（板书）
是用什么工具创造出这些作品的呢？（这时学生可能会回答“文房四宝”或“笔、墨、纸、砚”，如果是直接回答笔、墨、纸砚那就归纳成文房四宝等，灵活提问及回答。
教师提问：文房四宝对我们炎黄子孙来说，就很简单了， 但你们知道那里的是最好的吗？
由学生先回答，学生回答的同时出示相对应的中国画工具材料，最后由学生总结。
教师小结：中国画所用的“文房四宝”原指湖笔、宣纸、徽黑、端砚。湖笔产地浙江湖州；
宣纸产地安徽泾县；徽黑产地安徽歙（shè）县；端砚产地广东高要端溪。（板书：湖笔、宣纸、徽黑、端砚）
注前两部分都很简单，采用简讲。接下来这一部分是本重点彩用详讲。
解决问题（3）：中国画有哪些独特的表现手段？（板书）
出示宋代梁楷的“泼黑仙图人图”和 张大千的《一水菰蒲绿半天云雨清》）
学生欣赏中提问：从这两幅画中我可以看出笔墨怎样呢？
学生回答：（略）（引导学生从表现形式上理解）
教师小结：丰富多变的笔法和墨法。（板书）这是因为什么呢？
（学生与教师共同回答）因调水的多少，可有深浅变化：因笔中含水的多少有干湿变化，由于在笔的不同部位蘸墨蘸水，又可产生一笔下去，自然分出深浅的效果。利用宣纸渗水的性质，可在墨上冲水，水上冲墨或色墨结合，幻化出水墨淋漓，色墨相融。挥挥洒洒、气象万千的奇妙效果，亦即墨法中最负盛名的水破墨、墨破水、色破墨等等。
出示几张西方油画和几张国画：让学生从表现形式上谈谈有什么区别？从中总结出，中国画中的诗、书画印是区别以西方油画的最基本的特点。（当然现在也有很多中西结合的画种）
提问：大家谈谈您对国画中的诗、书、画、印的认识？（板书）
教师小结：中华民族自古以来就以美妙的诗文吟诵生活，历史上许多画家即是书法家又是诗人，往往以诗文隐寓自己的理想、抱负以及人格追求。如（苏轼曾盛赞现任“诗中有画、画中有诗”。）
如何理解中国画独特的创作理念和美学追求？（板书）
出示不同时期不同种类的国画，提问：在观察过程中，注意思考不同时期、不同种类的国画，形式上有什么不同。
先分小组讨论，最后选代表回答，然后老师总结，如：国画创作最初是追求形式，晋人陆机论。“宣物莫大于言，存形莫善于画”。到了东严明顾恺之提出：“迁想妙得”。到清代，这种看法就更有发展，石涛认为必须“深入物理”，才能“曲尽物态”，以求达到“物我交融”的境界。到了现在齐白石说绘画“贵在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”。由于不同时期的美学追求不同，就有不同的表现形式。也有出出了写实、写意等画法。
（三）作品分析
①富春出居图卷黄公望
寓春山居图卷（局部） 黄公望（元）
黄公望（1269―1354）字子久，平江常熟人。这是一轴纸本水墨长卷画，纵33 厘米，横639.9厘米，前半段藏于浙江省博物馆，后半段藏于台北故宫博物院。作品描绘富春江一带初秋景色，画风平淡天真，笔墨富于变化。此图发挥了中国山水画“散点透视”的特点，完全不同于西洋绘画的“定点透视”。长卷可以“景随人迁，人随景移”，作者和观者如在景中游，边走边看。这幅画靠的是艺术修养和笔墨功夫。画家79 岁始创作此画，终日对真山真水潜心琢磨，用简练的线条表现出作者对大自然的感受“三四载未得完备”。书中选的是其中一段。
③看泉听风图轴唐寅（明）
唐寅（1470―1523）字伯虎、子畏，号六如居士等，苏州人。工诗文书画，高远构图。景物占了左边大部，右上角留出较大天空，用诗文书法题款与左下角繁多的景物遥相呼应。
五：板书设计。（略）
自古以来，中国画的气韵一直是前人谈得较多的话题之一，也是他们毕生所追求。
谢赫的“六法”中，首先提出了“气韵生动”，这是“六法”中最重要的法，它概括了其他五法的表现特质，这正是我国传统绘画突出的美学准则。
“气韵”不仅是中国画的要求，其他画种甚至雕刻也都要得“神韵”。
任何中国画作品都是通过形来达到的，然而中国画作品中的形、神与画家描绘的对象--原物象的形、神是不同的，原物象的形、神是客观存在物，中国画作品中的形、神乃是客观存在物在画家头脑中反映的产物。
由于画家们阅历不同，思想情趣不同，认识水平不同，客观事物反映在他们头脑中就不可能没有差异，这种差异即使运用在写实技法中也是存在的。
主张借物言志的中国画画家，在观察客观物象时便带上了较丰富的主观情感色彩，其作品要传的“神”便融进自己的思想情感，因而不同的艺术家即使描绘同一物象，它们的作品也都存在千差万别，正所谓“一千个读者心目中有一千个哈姆雷特”。
那么什么是“气韵”呢?谢赫虽未作任何解释说，但他对许多画家的评论中就提到“神气”、“生气”、“情韵”、“韵雅”等。
汉魏以来，在人物品藻中，最重视评论人物的风格、风韵，“风气韵度”(南朝宋・刘义庆《世说新语》“任诞”篇)就是提外部，则形成一个人的精神面貌。
这种“风气韵度”的品藻，必然要求画家在画人物时，特别是画肖像时表现出来，而不仅仅做到外形的肖似。
东晋・顾恺之第一个提出了“传神”的问题。
“神”就是人物的精神。
魏・刘邵《人物志》在品藻人物时，认为“征神见貌，则情发于目”，所以顾恺之画人物特别重视眼睛的描绘，认为“传神写照，正在阿堵之中”。
谢赫在顾恺之之后提出了“气韵生动”，他所说的“气韵”，就是“风气韵度”的略语，即顾恺之所说的“神”。
“气韵生动”要求画家在创作中把人物的精神、性格“生动”地表现出来。
由于谢赫时代的绘画主要是人物画，而人物精神、性格“风气韵度”的表现显得十分重要，因此，谢赫把“气韵生动”作为“六法”中的第一法。
其后，不少评论家对“气韵生动”一语加以发挥，并广为应用。
北宋・郭若虚著《图画见闻志》把“气韵生动”说得很神秘，认为是“生而知之”的，“不可能学”的，这就陷入了唯心主义的泥坑。
明・董其昌也这样附和，不过他认为“也有学得处”，只要“读万卷书，行万里路，胸中脱去尘浊，自然邱壑内营，成立鄞鄂，随手写来，皆为山水传神矣”。
这一点是可取的，即由画家主观的修养发而为客观的表现，做到主客观的统一，也就是画家的气韵、对象的气韵与画上的气韵三者的统一。
齐白石主张“作品妙在似与不似之间，太似为媚骨，不似为欺世”，要达到此境界，必须对所借之物有充分的认识，并能很好地驾驭它，同时要提高画外功的修养。
中国画自五代、北宋，一直到现代，随着“文人画”的蓬勃兴起而迅猛发展，名家辈出，高峰林立，各领风骚，造就了徐熙、董源、巨然、徐渭、八大、扬州八怪、齐白石、徐悲鸿等历代大家，然而他们所表现出的神韵都各不相同。
徐渭的写意花卉，笔酣墨畅，狂放恣肆，痛快淋漓，抒发出画家炽热真挚的情感和奇肆狂放的个性。
八大的画风冷逸脱俗，奇崛孤傲。
在他的画中，常见到的花鸟、鱼石等大都已改变了原有的自然形态，造型十分夸张，甚至有些怪诞。
他的作品构图极为简练，有的画中仅有一只鸟，一块石，或一尾鱼，一枝花，而且形象凝练生动，精妙绝伦，更因其中“笔墨无多泪点多”而注入了画家的真情和生命。
那些形状怪异的危石，单脚而立的孤鸟和目光冷漠的游鱼仿佛就是八大的化身。
在这里，八大的生命与天地万物融为一体，物我两化，天人合一。
他的作品堪称中国画以少胜多、计白当黑、笔简意赅的杰出典范。
画家要使作品生动，就要把握描写对象的特征，并用适当的笔墨给予足够的表现，优秀的中国画是作者人格、真情、学识和功力铸就的，因此，画家要在这几个方面狠下工夫，才能使作品具有一定的思想深度和艺术高度。
摘 要：中国文化，上下五千年，博大精深，绘画艺术贯穿其中。
尤在文字出现之前，三皇五帝带领子民走出蒙昧，创造出华夏民族璀璨文化，由原始的岩壁涂鸦创造出沿用至今的象形文字-汉字，无不显露出华夏民族绘画艺术的传神气韵。
中国绘画作为华夏民族独特的文化艺术表现形式，不拘于人物山水的写实，以意达情，以情动人，独创具有独特魅力的东方绘画，屹立世界艺术之林。
本文通过对我国历朝历代绘画热点的分析，着重论证了中国画“气韵生动”的独特魅力。
摘要：中国画是中国人民创造的一种独特的绘画形式，内涵丰富，技法独特，笔墨中蕴含着精神，黑白中包罗着万象，意境深远含蓄，气韵生动传神。
气韵成为中国画的`最高境界，也是历代画家的孜孜以求。
关键词：气韵;传神;笔墨
自古以来，谢赫将气韵生动定为六法中最重要的一条。
气韵生动成为绘画中唯一的灵魂。
从古至今，众多的从事书画艺术的人都非常看中对气韵的研究，但始终仅仅停留在一中比较表面的研究之上，气韵到底是什么东西，俞剑华先生对气韵之说在古人基础上做了一个比较深入的分析研究，今天，我想用自己的观点对古人气韵之说做一个讨论，仅希望能加深自己对中国画的理解。
“古之画或遗其形似而尚其骨气，以形似之外求其画，此难与俗人道也，今之纵得形似而气韵不生，以气韵求其画者形似在其间矣。”―― 唐 张彦远〈〈历代名画记〉〉
“论画以形似，见与儿童邻。作诗必此诗，定知非诗人。”――宋 苏轼〈〈东坡诗集〉〉
在我们练习绘画的过程中，无论中国画还是西方油画，首先都是从模仿开始，开始阶段均在追求对形的准确性的研究，经过长期的联系，能够更准确地把握住对象的形态特征。
但并不一定画得传神。
也就是缺乏气韵，不生动。
我们学习绘画必须先达到对形象特征的追求，才能去感受对象的精神传达。
千万不可以直接去追求气韵而忘掉星的把握。
对形的把握是我们绘画的一个阶梯，而对物象精神的传达才是我们最重要追求的。
但在当今画界，一味得去追求形，并非是件好事。
对形的训练只应达到一定的程度。
不能无止尽。
比如说在大学本科阶段的一二年纪，我们可以把学习重点放在对形的练习把握上，而对物象传达的精神的研究可以放在第二位，但进入三四年纪，如果再一味求形，那就会适得其反，技术的东西够用就行，我们应该更多得追求作品的气韵，用绘画者自身的感悟与热情进行绘画创作，这样的作品才能生动。
由此看来，俞先生所说的绘画必须将形做到很高的程度再去讲求精神存在一定的问题。
不同时代都具有不同的时代特征。
在当今这个物欲横流的世界，讲求精神观念成为一种主控力。
越是拘礼于形，反而难以创作出感人之作品。
“气韵不可学，此生而知之，自然天授。然亦有学得处，读万卷书，行万里路，胸中脱去尘俗，自然秋壑内营，随手写出，皆为山水传神。”――明董其昌《书旨》
次句出自董其昌的《书旨》，我非常赞成，学画肯定有天才与非天才之分，天才的敏感性是非常高的，但仍然学要学习，了解更多的知识面。
天才也有其差的一面，不可能样样都精通。
比如说画山水的画家对于人物的描绘并不一定精通，所以说要让画能传达出精神，作画者必须有一定的修养，多涉及个方面的知识，提高自身的能力，这样才能画出传世之作。
但气韵是一种画面自然流露的，并不可以强求。
否则会误入歧途!
“笔太粗则寡其理趣，笔太细则绝乎气韵。一皱，一点，一句，皆有意法存焉，若不从古画法，只写真山，不分远近浅深，乃图经也，焉得其格法气韵也”――宋韩拙《山水纯全集》
作画用比的粗细与作画心思的粗细问题，俞老先生针对韩拙所说进行阐述，他认为画之气韵情趣与用笔的粗细并没有太大的关系，更多关于作画者所花的心思的多少。
用笔粗放并非就有趣，用笔细密也并非不无情趣。
就这点，我个人与俞老先生保持一致的看法，作画用笔，粗细均可取。
关键在与何时用何法的问题。
“画用焦墨生气韵”――明 汪珂玉
古人说用焦墨生气韵，我个人理解其意为焦墨用在合适的地方是能够提升画面的气韵的，俞先生则说焦墨不过是墨中一种，施之画中，不过画中的一部分，气韵是关乎画之全体。
整幅画中应该根据不同的表现物体采取相应的用墨方法，这样才可以得到想要的效果。
“气韵生动与烟润不同。
世人妄指烟润，遂谓生动，何相谬之甚也。
盖气者，有笔气有墨气有色气，俱谓之气。
而又有气势，有气度，有气机。
此间即谓之韵。
而生动处又非韵之可代。
生者生生不穷，深远难尽。
动者动而不板，活泼近人。
要皆可默会而不可名言。
至如烟润，不过点墨无痕迹，皴法不生涩而已，岂可混而一之哉――明 唐志契《绘事微言》
古人说烟润之效，我认为画面没有烟润之效则画显缺少葱郁之效。
多了则容易陷入模糊的效果。
没有清爽的感觉，每个画家都有其各自的画面特征，比如沈周，石涛，八大等偏重于画面的气，而唐寅，董其昌等则偏重于画面的韵味效果。
黄公望，王蒙等则气和韵调和，两者应该相互协调。
“气韵有发于墨者，有发于笔者，有发于意者，有发于无意者。
发于无意者为上，发于有意者次之，发于笔者又次之，发于墨者下矣。
何谓发于墨者?即就轮廓以墨点染渲而成这是也。
何谓发于笔者?干笔皴擦，力透而光自浮者是也。
何谓发于意者?走笔运墨，我欲如是而如是。
若疏密多寡，浓淡干湿，各得其当是也。
何谓发于无意者?当其凝神注想，如不意如是而忽如是也。
谓之为足。
则实未足。
谓之未足，则又无可增加。――清 张庚《浦山论画》
作画必须从画面布局以及用笔用墨各方面都达到一定高度才能说具有气韵。
仅仅着眼于用笔或用墨的好坏或是只讲意思多么高深。
都无法达到气韵效果。
笔墨是画面的直接效果，是作画的工具而已，用笔用墨不好即使有天赋，也难以表现好，所以我们学画者必须多看画展，多读书，了解各方面的知识，才能更好得进行绘画创作。
总述：气韵其实就是一幅画特有的精神，人们不论远近观看，均可以了解到画面所传达的意思，并不需要仔细去研究。
但画面的气韵因画家的性格，能力的不同而各有不同。
简单来说是画面的气韵效果，深而表达的是一种精神。
与观者的感情达到一种共鸣。
参考文献：
[1]俞剑华.《国画研究》 广西师范大学出版社.
[2]宗白华.《美学散步》上海人民美术出版社.
小学五年级第九册美术第五课教案教学目标：
1．学习运用中国画 山花的表现方法画山花。
2．进一步提高学生学好中国传统绘画的兴趣，中国画 山花增强学生学习信心。
教学重点和难点：笔、墨的运用。中国画 山花
教学准备：中国画工具材料，课件中国画 山花。
教学过程：
一、欣赏引入（课件）板书课题中国画 山花。
二、分析用笔用墨，学习中国画 山花的画法
1．打开教材第35页，指导学生欣赏其范作《山花》，分析山花的用笔、用墨、用色方法。
2．构思：意在笔先，下笔不改。
3、构图
三、示范山花画法。
1、花瓣——朱碟、侧锋；
2、枝———淡墨、中锋；
3、叶———花青加淡墨、侧锋；
4、花蕊——浓墨点
5、叶筋——浓墨中锋勾。
四、指导学生创作。
作业要求：
大胆构思，大胆下笔。把花和叶组合起来，画一副山花图。
五、展示总结。
书画中的基本功较多,但最基本的基本功,就是画交叉线、圆线和波浪线。
为什么要画交叉线、圆线和波浪线?中国画的基本笔法就是线条，线条造型舍弃了光源、明暗和体面，重在表现物象的形状和结构关系，并通过这些表象去表现物象的本质特征，这就是通常所说国画的“以线立骨”。中国画中的“骨”，乃是支撑艺术形象，使之富有精、气、神的本质表现。单纯以线立骨的骨架而言，即是指线的运用要强调线的表现力，利用线的长短、粗细、转折、顿挫、轻重、疾徐、刚柔、强弱、浓淡、光毛等变化去表现物象的神态、形体、质感、动势、节奏、空间等等造型因素的各个方面。使线融于形象之中，才能完成富有个性的造型形式的营造。这是以线立骨最基本的具体体现。
国画是中国的传统国粹之一，经过数千年历史的熔治，形成了一套特有的表现形式。它经古往今来无数画家师法造化，并以自我的审美理想意趣加以熔铸而成。这为中华民族所特有，因而具有鲜明强烈的民族色彩。如线描中的高古游丝描、钉头鼠尾描、铁线描等，是最初为了表现不同质地的衣着、花鸟等，经过画家长期的潜心体察、琢磨，或从表现其他对象获得启发借鉴而形成的一些表现手段，是以客观对象为依据的主观创造。其本身已具审美价值，不因时空关系而独立存在。它便于人们应用这些程式进行艺术的再创造，由于人有性格、趣味、修养的差别，应用时便出现千差万别，不尽相同。又有人不满足现成的程式，并加以变化创造，于是又出现各种新的表现程式。如能经得起历史的考验并为人们所确认，那么老的程式被取而代之，成为历史的陈迹，而新的程式又将为以后的人们接受或改变创造。因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此不断地交替往复向前发展着。只要是符合当时人们的审美观点、审美标准，通俗的讲就是大家认为好看漂亮的作品，就能在历史的大浪淘沙中保存流传下来，这就是国画数千年流传下来的客观规律。
我们讲绘画有程式的表现方法，即表现某个画材，应当这样画而不应当那样画，这是前人为我们提供宝贵的作画经验，也是艺术的结晶，为我们学习绘画带来借鉴之便。有借鉴与无借鉴的艺术品，就有高雅粗俗的区别。所以，学习掌握传统绘画的表现程式，就成为入中国画之门的“敲门砖”了。对于一个真心喜欢国画的初学者来说，有效的捷径当推“临摹入手”。古往今来，所有的国画大师均是从 “临摹入手”，才得以成为一代大师的。
临摹是初学画者入门的主要途径，特别是对名家名作的临摹。学画者通过临摹可以学会和掌握艺术特色特点与技巧。临摹名家作品，要先观察作品的表现手法和艺术技巧，耐心揣摩作品的运笔方式，掌握作品的事物表现形态，认真研究作品的精神气质。
“临摹入手”就必须要有样画，有条件的初学者能直接对照老师的真迹揣摩临写最为理想，但没有条件的用复制品或印刷品也是可以的。总之要选择艺术水平较高，有临摹价值的古今作品，用以学习掌握传统笔墨技巧，体察古人今人的用心。但对待临摹不能抱实用主义态度，一般从临摹到掌握及至应用，都有一定的距离，不可能有现成的拿来套用。根据自己的亲身体会，临摹一个完整的作品，难在上色阶段，最少要画一百张以上，才能真正基本初步掌握临摹技巧。
面对一件临摹范本，首先要认真进行读画。分析一下范本的技法特点，是属于苍劲刚健一路还是圆润浑厚一路，找出其笔墨有哪些规律，进而研究临本的布局以及程式因素，做到心中有数，闭目如在眼前。具体作画时，不可看一眼画一笔，因水墨写意画笔势连贯，虽笔断而气连，拘泥每笔皆与临本吻合，必定斤斤以形似，而忽视领略临本作者如何冶心情流动与笔墨生发寄兴对象于一炉的精神所在。就是工笔画也一样，特别是一些必须一气呵成的笔划，如花的叶片、鸟的形线，都必须如行云流水一样的一笔画出，不能有一点犹豫，更不能出现停顿.通过临摹掌握一定的笔墨技法，仅仅依靠临得象是解决不了的。关键在于入我心境，变成自己的东西。古人的治学精神是值得今人学习的，每看到一佳作，但不能拿回临摹,身上又没纸笔,无法面临就只有用心默记，回到家后一一加以追摹，直至感到有所得而方休。只有反复细心琢磨，不如我自为我，才能从临摹中收到应有的效果。
什么是读画?就是先要认真仔细观察范画,看这张画的整体构图是什么，画中的主体和背衬各用的是什么笔法，画中主要用了哪几种颜色，如要对临应当从哪个部位画，等等。下来就要先给作品定位，就是找出主体部分，确定在画中的位置。然后看是用的什么笔法，各种笔法之间是如何连接的。最后看有几种颜色，各颜色之间是用什么颜色过渡的，就是我们常说的过渡色。
笔墨是中国画的特色，精华所在，没有笔墨不能称其为中国画，笔墨一词从广义上讲，指利用笔墨达到的画面气象，色彩，章法，意境，品味等诸方面的绘画语言。狭义的笔墨专指用笔用墨的技巧。
“画是无声的音乐”!就是指好的画一笔一划就象一个一个动人的音符，组成美妙动人的质韵乐章。有质是对描绘的客观对象的“真”的追求，即能神形兼备;有韵是指通过客观对象以表达主观的精神，即能传神写意。中国画要求主观和客观的统一，“外师造化，中得心源”是中国画毕生追求的世术境地。用笔有“三忌”,宋代韩纯全《山水纯全集》中提出：“用笔有三病：一曰板;二曰刻;三曰结。”所谓“板”，是指没有腕力，用笔不灵活，画出来的笔线平扁，没有圆浑的立体感;所谓“刻”，是说笔划过于显露，甚至妄生圭角，不自然，没有生气;所谓“结”，是指落笔僵滞，欲行不行，当散不散，笔线不流畅。用笔犯了这三个毛病，就谈不上线条的美感。别外，还其禁忌如“枯、弱、光滑、草率等等是也。
中画书画历来就有“书画同源”、“书法通于画法”的理论。要避免上述的三忌，最好的办法就是练习书法，真、篆、草都练一点，才能掌据各种用笔的技巧。要克服笔病，一要增强腕力，做到“笔为我使”。二要顺应自然，不矫揉造作。三要在行笔之前做到“胸有成竹”。
不可否认，做任何事情都有技巧。国画技巧有二：第一就是多画，正可谓“熟中生巧”!第二才是技巧理论。就是将教科书上的理论技巧倒背如流,也不一定会画;只要天天临摹几张样画,就是没学过一句理论技巧也会画的.
为什么这样说呢?有人为证。画坛巨匠齐白石，幼年酷爱国画,但因家贫，迫于生计,就以木匠为生,每晚临物自画。30岁时，随师外出干活，见到一客人家有一部乾隆年间翻刻的《芥子园画谱》，仔细翻阅之后，发现自己原先所画用笔，多不合章法，故如获至宝，遂借来用勾影雷公像的方法，画了半年之久，竟然临出了16本《芥子园画谱》。从此，他以所学画的笔法和技巧为据来做木匠雕花木活，既能花样出新，画法又合规则，为其后来绘画打下良好基础。据说真到晚年，白石老人还念念不忘此事。
著名书画大家李可染,是“李可染学派”创始人。一次,有名学生问他画画有什么捷径技巧,他说:我有一方图章，叫做“废画三千”，是我在画坏了三千张画后为自己刻的,就是要鼓励自己不要怕画坏,只有画的多了才能摸索出画的技巧。书上说的技巧,不亲自去画,是永远也体会不到的。
古人云：师傅领进门，修行在个人!我自己的深切体会是：国画的真正技巧就在自己的多学多看多想多练多悟之中!
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